Trois heures, l'heure du crime - Three O'Clock High, Phil Joanou (1986)

Un lycéen nerd, Jerry Mitchell, est contraint d'écrire une nouvelle pour le journal officiel de l'établissement à propos d'un nouveau venu, Buddy Revell, qui est réputé pour être un vrai barjo. Quand Jerry heurte accidentellement Buddy, ce dernier le met au défi de le retrouver à 3 heures du matin dans le parking du lycée pour régler leurs comptes. Jerry va devoir tout faire pour éviter la confrontation avec ce psychopathe.

Les trentenaires se souviennent certainement de Parker Lewis, excellente et délirante série ado qui rencontra un grand succès au début des années 90. Le plus souvent on associe la série à un décalque télévisé de La Folle Journée de Ferris Bueller, ultime et loufoque teen movie de John Hughes mais finalement hormis son facétieux héros pour tout le reste il faut aller chercher du côté de ce survolté et méconnu Three O'Clock High.

Le film est une sorte de géniale déclinaison adolescente du Train sifflera trois. Le lycée est en ébullition avec l'arrivée d'un nouvel élève que sa terrible légende précède, Buddy Revell (Richard Tyson). Le film débute d'ailleurs sur la rumeur de ses violents méfaits lors du brouhaha des conversations de couloirs. Jerry Mitchell (Casey Siemaszko) élève sans histoire va bien malgré lui croiser la route du danger public qu'il va se mettre à dos en ayant commis l'irréparable : le toucher. Revell lui fixe donc un funeste rendez-vous, à trois heures lors de la fin des cours il lui réglera son compte. Comme dans Le train sifflera trois fois, toute tentative d'aide extérieure est vouée à l'échec et une grande partie de l'intrigue repose sur les astuces de Jerry pour éviter la confrontation. Le script s'avère des plus inventifs pour faire monter avec drôlerie la tension et dépeindre les mœurs de cette communauté lycéenne.

La rumeur du combat s'étend à toute vitesse, attirant sur le discret Jerry les figures les plus azimutées tel ces deux élèves souhaitant faire un documentaire sur le "condamné" (pour le coup c'est carrément visionnaire du fonctionnement ado contemporain qui immortalise tout par l'image), les parieurs misant sur son temps de résistance, le principal qui arbore une allure à la Blofeld installé à son bureau. Cette journée maudite (phrase récurrente de Jerry accablé It's one of those days...) constitue en fait une forme de parcours initiatique pour Jerry forcé de sortir de sa coquille pour relever son plus grand défi.

Les stratagèmes pour y échapper se font ainsi plutôt lâche (cacher une arme dans le casier de Buddy pour le faire renvoyer, payer un membre de l'équipe de football pour lui régler son compte...) tandis que l'intrigue multiplie les allusions aux mythes (le cours de littérature où l'on étudie l'Iliade et le professeur ricanant avec sadisme sur le passage où Achille écharpe Hector) où dotant Buddy d'une menace quasi surnaturelle et omnisciente que Jerry ne peut fuir.

Le grand atout, c'est la mise en scène virevoltante et cartoonesque de Phil Joanou dont c'est le premier film (mais qui s'était fait la main sur la série Histoires Fantastiques de Spielberg ici producteur même s'il demanda à ne plus figurer au générique la folie du film étant loin de l'ersatz de Karaté Kid auquel il s'attendait).

Cadrage alambiqués et déroutant, zoom agressif, mouvements de grue improbable, tout est fait ici pour désarçonner et nous plonger dans l'esprit apeuré de Jerry. Les contres plongées donnent à Buddy des allures de cyclope (Tyson s'en donnant à cœur joie dans le jeu monolithique), l'échelle des décors varie d'une scène à l'autre et à nouveau en hommage au Train sifflera trois fois les inserts d'horloge nous rapprochant de l'heure fatidique se multiplient de façon toujours plus démesurée.

Casey Siemaszko est épatant en nerd insignifiant forcé de se faire violence. Plutôt placide et quelconque au départ, son jeu se met progressivement à la hauteur de la folie de l'ensemble avec notamment une scène de fiche de lecture comme on a rarement vue (et une enseignante sous le charme qui reviendra suite aux projections test pour une sacrée scène finale) et surtout une résolution finale le voyant accepter le duel avec dignité. La bagarre en elle-même est assez décevante vu la montée en puissance pour l'introduire, Joanou ne parvenant pas tout à fait à croiser la dimension loufoque et le côté mythologique amorcé jusque-là (malgré un beau panoramique sur les spectateurs lycéens aux fenêtres faisant du parking une arène romaine) même si le tout s'avère plutôt efficace.

Le final rattrape cependant cet écueil avec une nouvelle fois bons sentiments et légèreté (Jerry sauvé par la solidarité lycéenne) et facette héroïque où Jerry devenu légende à son tour voit ses exploits sources de conversations et rumeurs déformées par ses camarades admiratifs.

Sorti en dvd zone 1 chez Universal avec sous-titre français mais l'édition est épuisée et hors de prix donc se tourner plutôt vers le zone 2 anglais qui comporte des sous-titres anglais.

Extrait

Entrée des artistes - Marc Allégret (1938)

François, Cécilia et Isabelle sont élèves de la classe d'art dramatique du conservatoire que dirige le professeur Lambertin. François est amoureux d'Isabelle qui l'aime également, mais il est poursuivi par Cécilia, son ancienne maîtresse.

Mettre un peu d'art dans sa vie et un peu de vie dans son art. Le leitmotiv du personnage de professeur incarné Louis Jouvet résume idéalement la trame d'Henri Jeanson et André Cayatte où se mêle la découverte passionnante de l'apprentissage de l'art dramatique au conservatoire et le chassé-croisé amoureux de ses élèves. Le lien se fait avec un brio constant et ce dès l'ouverture avec l'effervescence et l'angoisse du concours d'entrée qui expose et tisse les rapports entre les différents aspirants acteurs. François (Claude Dauphin) ancien amoureux éconduit et moqué par l'orgueilleuse Cécilia (Odette Joyeux) va tomber amoureux le temps d'une répétition endiablée d'Isabelle (Janine Darcey).

La scène et la fiction offre un reflet déformant, un mimétisme comique et tragique constant à la réalité à travers le marivaudage amoureux se jouant ici. C'est en jouant une scène plutôt légère de La mégère apprivoisée que se noue la romance entre Isabelle et François, tandis que le geste désespéré de la pièce se rejoue dans la réalité lors d'un rebondissement final surprenant. Le triangle amoureux est ravissant avec les jeunes premiers romantiques que sont Claude Dauphin alternant tirades désabusés ou passionnées, Janine Darcey amoureuse dévouée à son art et surtout Odette Joyeux jamais aussi enflammée que lorsqu'elle est repoussée.

L'intrigue et sa résolution pourrait sembler un peu trop conventionnelle et attendue si ce n'était la prestation étincelante de Louis Jouvet en professeur Lambertin. Si les élèves se perdent dans les méandres de leurs amours entre leur jeu et la réalité, Jouvet se sera pourtant chargé de les guider tout au long de remarquable scènes d'apprentissages.

Les scènes de cours sont fascinantes avec un Jouvet cherchant constamment à amener ses élèves dans une quête de la vérité de leurs personnages et de la fiction dans laquelle ils s'inscrivent. Que ce soit une porte imaginaire non ouverte/fermée par Bernard Blier, une tirade parfaitement exécutée mais qui pêche par le décalage de sa gestuelle où l'origine sociale de l'interprète qui ne s'efface pas derrière son personnage, Jouvet multiplie les remarques judicieuses et les conseils à travers les dialogues cinglants de Henri Jeanson.

Tu joues mollement. Tu t'installes confortablement dans un métier où il n'y a pas de confort. Tu es bourgeois. En scène, tu fais du tricot.

Mireille, mon petit, ce n'est pas mal, mais tu es un peu trop coquette. Tu as de très jolies jambes et je t'en félicite mais ton rôle n'est pas un rôle à jambes, c'est un rôle de sentiments. Il faut qu'on oublie les jambes.

Je te remercie. Tu ferais un excellent critique : tu parles fort bien de ce que tu connais mal.

Totalement dédié au jeu et à la scène, ce regard se prolonge dans la réalité tel cette manière dont il désigne les blanchisseuses comme des candidates au conservatoire en les qualifiant d'un emploi possible d'après leur allure (ingénue, amoureuse) lors de l'épatante scène où va convaincre les parents d'Isabelle de la laisser suivre sa voie. Lambertin est une figure quasi abstraite par cette rigueur et dévotion mais paradoxalement incarne une plus grande vérité que les intrigues sentimentales au premier plan (et qui n'en sont pas néanmoins prenantes). Contrairement à ses élèves, son choix est fait tandis que l'hésitation de ses derniers les plonge dans le tourment, tout en les rendant humains et vivant quand Jouvet s'avère l'incarnation d'un idéal, d'un absolu inaccessible.

Sorti en dvd chez René Chateau

Extrait

La Grande Nuit - The Big Night, Joseph Losey (1951)

Adolescent calme et sans histoire, George La Main assiste un soir à une punition terrible qu'inflige Al Judge, personnage haut placé dans la presse, à son père, Andy La Main, qui semble consentant. George s'empare d'une arme et erre à travers la ville pour retrouver le tortionnaire. Au cours de cette traque et de cette longue nuit, il va découvrir peu à peu certaines vérités, perdre ses illusions et laisser derrière lui son adolescence.

The Big Night est le dernier film américain de Joseph Losey qui fuira la chasse aux sorcières l'année suivante lorsqu'il qu'il est convoqué par l'HUAC pour son engagement communiste alors qu'il est en tournage en Italie. Le film noir et le mélodrame s'entrecroise ici pour ce qui est un grand récit de perte d'innocence. George (John Drew Barrymore), adolescent paisible et sans histoire va brutalement découvrir la violence physique et psychologique du monde des adultes lorsqu’il assiste à la sévère correction qu'inflige le ponte de la presse Al Judge (Howard St. John) à son père, sans réaction de ce dernier.

On aura découvert un George très innocent et fragile, privé d'une présence maternelle et dont la figure d'autorité et de respect représenté par son père va être humiliée sous ses yeux, comme un symbole au moment où il fêtait son anniversaire, lui faisant ainsi quitter brutalement l'enfance. Dès lors ses propres frustrations se mêlent à la honte infligée à son père et souhaitant se venger et enfin s'affirmer il va traquer le coupable arme au poing au cœur de la nuit.

A l'image de ce caractère adolescent encore inconsistant, l'intrigue est assez décousue. Les rencontres au cours de cette nuit se font cocasse, tendre où dangereuse dans les cadres les plus divers et typiques du film noir : un match de boxe, un cabaret de jazz... Losey multiplie les astuces visuelles pour nous faire partager l'état d'esprit bouillonnant de son jeune héros tel le fondu entre le jeu du batteur de jazz et les coups de canne asséné à son père par Judge. On a quelques jolis moment avec l'apaisante rencontre avec une jeune femme qui semple comprendre et calmer la fougue de George mais celui-ci devra mener son odyssée vengeresse jusqu'au bout.

Losey instaure une atmosphère urbaine et sombre où le décalage est constant avec le visage poupin de John Drew Barrymore, sa silhouette engoncé dans des vêtements trop large, dans un rôle trop lourd pour lui. Le face à face tant attendu avec l'agresseur est des plus intenses et surtout fruit de révélations qui remettront pas mal de certitudes en question. La narration alerte et resserrée (le tout dure à peine plus d'une heure) illustre à merveille le sentiment d'urgence de l'ensemble, erratique et speedé à la fois. Même si l'on est encore loin des hauteurs à venir, un Losey sacrément inspiré et prenant.

Sorti en dvd zone 2 français chez Doriane Film 

Extrait

Le Temps de la colère - Between Heaven and Hell, Richard Fleischer (1956)

Sam Gifford est un riche propriétaire de champs de coton dans le sud des États-Unis. Il est marié avec Jenny Cousins, la fille d'un militaire. Imbu de lui-même, il mène une vie de plaisir et montre un mépris évident pour ses ouvriers. Lorsque la guerre éclate, il est mobilisé comme sergent. Suite à une violente altercation avec le lieutenant de son groupe, il est dégradé et envoyé dans une enclave disciplinaire au cœur de la jungle.

Richard Fleischer délivre une des visions les plus puissante de La Guerre du Pacifique dans Between Heaven and Hell, sommet de ce mouvement de film de guerres américains des années 50 (Attack de Robert Aldrich, La Gloire et la peur de Lewis Milestone, Baïonnettes au canons de Fuller) où La Guerre de Corée avait semé l'angoisse et le doute dans les intrigues même lorsqu'elle traitaient de conflits antérieurs. Le ton belliqueux laisse donc place à une atmosphère oppressante et dépressive à travers le parcours du soldat Sam Gifford (Robert Wagner). On le découvre désinvolte et détaché après qu'il se soit rendu coupable d'une agression sur un officier.

En guise de punition, il est envoyé dans une section constitué de rebus plus pathétique encore, à commencer par son supérieur Waco Grimes (Broderick Crawford) lâche cherchant avant tout à sauver sa peau dans cette enclave dangereuse au cœur de la jungle. Là, isolé et abattu, Gifford va pouvoir se souvenir des évènements l'ayant mené jusque-là dans des flashbacks remarquablement introduit par Fleischer.

Riche et arrogant propriétaire de plantations de cotons dans le sud des États-Unis, il est aussi aimant avec son épouse Jenny (Terry Cook) qu'il est impitoyable et froid avec ses métayers auxquels il mène la vie dure. Mobilisé en tant que soldat réserve de la Garde Nationale, c'est pourtant en ceux qu'il a tant rudoyé qu'il va se trouver les compagnons les plus solides et fidèles sur le front. Le scénario n'exploite pas les frictions pouvant naître des cartes de l'autorité redistribuée entre le patron et ses employés pour au contraire célébrer l'amitié et l'unité du groupe, le changement qui s'opère chez Sam Gifford. Cela se manifeste par le premier grand morceau de bravoure où soudés comme jamais, Gifford et ses compagnons réalise un grand acte d'héroïsme en tuant des snipers embusqués dans une grotte qui décimait leur compagnie.

 Les mains tremblantes de Gifford après l'exploit annoncent pourtant que la mort et la peur vont hanter l'ensemble du film. Un officier pétrifié qui va mitrailler ses propres soldats, un moment de camaraderie interrompue par une mine piégée, une balle perdue stoppant net dans son élan, des embuscades japonaises traîtresses à la tombée de la nuit : il y a mille façons de mourir dans cette jungle suffocante toutes plus éprouvantes les unes que les autres. Fleischer filme avec force ces moments guerriers brutaux, alternant crudité inattendue et mise en scène virtuose avec notamment ses travellings véloce accompagnant les avancées éperdues au cœur de cette jungle, la plus intense étant la dernière où Wagner traverse les lignes japonaise comme un dératé.

Le film évite le désespoir complet en donnant du sens à l'héroïsme de Gifford, qui en devant sauver un compagnon retrouve le courage qu'il n'avait plus à donner la mort envahissante de part en part. Robert Wagner jeune premier de la Fox est remarquable et trouve un de ses meilleurs rôles tandis que Fleischer démontre une fois de plus son brio avec ce film annonçant le Trop tard pour les héros de Robert Aldrich aux thèmes voisins.

Sorti en dvd zone 2 français chez Fox

Bande-annonce assez décalée du film par son ton belliqueux

Room in Rome - Habitación en Roma, Julio Medem (2010)

Lors d'un séjour à Rome, deux étrangères de passage se rencontrent. L'une (Natasha) russe est hétérosexuelle et l'autre (Alba) espagnole est homosexuelle. Une passion torride naîtra entre les deux femmes qui se retrouveront dans une chambre d'hôtel à huis-clos pour le dernier jour de leur séjour à Rome.

Julio Medem nous offre un bijou de sensibilité et de romantisme avec Habitación en Roma. Medem aborde dans une intrigue resserrée (unité de temps et de lieu) les thèmes au cœur de deux de ses films les plus fameux, Les Amants du cercle polaire et Lucia et le sexe. On retrouve ici la recherche esthétique et la force mélodramatique des Amants tout en retrouvant la sensualité et l'oubli de soi par le sexe de Lucia. Tout cela démarre pourtant sous une aune faussement superficielle avec ses deux jeunes femmes se retrouvant un peu par hasard entre les murs d'une chambre d'hôtel après s'être rencontrée dans un bar.

Dès l'introduction, la chambre est définie comme un espace hors du temps et du monde extérieur, où tout peut arriver, où tout peut se révéler. Ainsi la drague insistante de la brune et espagnole Alba (Elena Anaya) envers la blonde et russe Natasha (Natasha Yarovenko) et leur échange de la rue afin qu'elle l'accompagne à son hôtel est filmé en plongée du ciel (un leitmotiv au cœur du film tout ce qui concerne l'extérieur et le passé des personnages sera filmé de cette façon à travers une application à la Google maps) avant qu'un délicat plan séquence ne nous ramène de cette ruelle au balcon, puis dans la chambre où sont enfin arrivées les deux jeunes femmes.

C'est le cliché qui domine au départ, Alba la brune latine incendiaire et lesbienne affirmée se montre très entreprenante avec la blonde glaciale Natasha amenée là par la curiosité et une attirance nouvelle pour elle. Uniquement basée sur le désir, la rencontre va pourtant tourner court tant que son seul enjeu reposera dessus et entre la réticence de Natasha et les assauts trop pressants d’Alba il ne se passera rien dans un premier temps. Il faudra un oubli de portable et le retour quelques minutes plus tard pour que tout se rejoue, plus sincèrement. Les scènes de sexe s'avèrent libératrice dans leur déroulement de ce qui ronge les deux héroïnes. Que cherche à oublier Alba dans l'alcool et ce déchaînement d'abandon lascif ?

Quelles fêlures dissimule Natasha dans cette retenue alors que son désir paraît évident dès le départ ? Les étreintes filmées avec fièvre mais également une grande sobriété par Medem serviront de révélateur aux amantes plus intimes et susceptible de se livrer dans cette nuit forcément sans lendemain. Entre semi-vérité, mensonge et invention diverses le passé de chacune se révèle au cours de leurs échanges. Ce désir de l'instant s'avère donc une libération soulageant leur peine, mais peut être cache-t-il un sentiment plus profond qu'elles n'osent s'avouer.

Medem instaure un dispositif brillant dans la composition de plan, la gamme chromatique et la topographie de la chambre. L'intérieur de la chambre baigne dans un mélange d'ombres (le passé et les douleurs secrètes des personnages) et de couleurs plus ocre, brunes et orangées symbolisant ce qui les lie l'une à l'autre. Cela se vérifie avec les deux tableaux se répondant d'un mur à l'autre de la pièce et auxquels elles sont particulièrement sensibles, exprimant ainsi une interaction allant au-delà de cet attrait physique.

D'un côté la philosophe Aspasie (magnifiquement dépeinte récemment par Amenabar dans son Agora) se rendant à l'Agora entouré de Socrate et Périclès montant vers l'Agora et de l'autre la réponse quelque mètres et siècles plus tard avec un autre philosophe Leon Battista Alberti expliquant l'art des grecs dans un cénacle des Médicis. Le cadre romain, l'emplacement de l'hôtel dans la ville au-dessus du théâtre Pompée et les divers objets évoquant cette culture dans la chambre instaure donc une ambiance baignée de cette sensibilité artistique, signifiant la communion des âmes autant que du corps d'Alba et Natasha. La salle de bain toute de blanc immaculé sera lui le lieu de la mise à nu, aucun artifice ne dissimulant plus le lien fort qui s'est imperceptiblement noué.

L'ambiance éthérée, la profonde délicatesse de l'ensemble confère un ton unique au film. Bien que beaucoup vendu sur son aspect sexuel et saphique (et que cette facette soit frontalement abordée par Medem et son casting) le film va bien au-delà de ça, nous emmenant vers un une belle histoire d'amour et un grand mélodrame. La nudité permanente des actrices s'oublie ainsi très vite, semblant naturelle pour nous et pour elles dans leur rapprochement progressif. Elena Anaya et Natasha Yarovenko donnent richesses et mystères à leur personnages dans ce cadre restreint, forte et fragile chacune à leur tour, méfiante et passionnée, cultivant différence et mimétisme avec une complicité constante.

Les premières lueurs du jour arrivées, rien de tout ce que l'on vient d'assister ne devra dépasser les quatre murs de cette chambre, Medem reprenant de manière inversée son plan séquence d'ouverture où l'on passe cette fois de la chambre à la rue en plongée. En grand romantique qu'il est, il nous laissera pourtant une lueur d'espoir pour la suite avec une superbe fin ouverte et le leitmotiv Loving Strangers de la chanteuse Russian Red n'est pas près de nous sortir de la tête.

Sorti en dvd zone 2 français chez Wild Side

Rose bonbon - Pretty in Pink, Howard Deutch (1986)

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Au sein d'un lycée chic, les élèves sont divisés : les 'riches' d'un côté, avec leur beaux costumes et leurs fêtes, et les 'pauvres' de l'autre - musique punk, et rébellion. Andie tente d'y survivre tant bien que mal, grâce à son esprit d'indépendance, son père, et surtout ses amis, Duckie, Jena et également Iona, patronne foldingue de la boutique de vinyles où Andie travaille après les cours. Un jour, Blane, du camp des 'riches', fait son entrée. S'ensuivront disputes, histoire d'amour, pleurs, réconciliations, jusqu'au tant attendu bal de promo.

En cette année 1986, John Hughes en finissait avec le genre auquel il donna ses lettres de noblesses, le teen movie. D'abord en réalisant le cultissime La Folle Journée de Ferris Bueller puis en signant le scénario et en produisant ce Pretty in Pink mis en scène par Howard Deutch dont c'est le premier film (et qui réalisera un autre script de Hughes l'année suivante La Vie à l'envers). On retrouve ici la grande thématique des comédies adolescentes de Hughes à savoir le clivage du paraître au sein des communautés lycéennes où chacun s'enferment dans un masque et une posture dissimulant sa vraie personnalité et ses fêlures.

Hughes avait signé son chef d'œuvre sur la question avec Breakfast Club où il ramenait progressivement des pantins et archétypes du manège lycéens (l'intello, le sportif, la bimbo, le rebelle) au statut de personnage dans un bouleversant crescendo. Pretty in Pink creuse le même sillon ici mais avec un peu moins d'originalité puisque l'opposition cette fois est sociale et à la place du choral Breakfast Club on aura là une comédie romantique nettement plus convenue.

Le traitement témoigne néanmoins de la finesse d'écriture de Hughes notamment par la manière de montrer la séparation clans lycéens. Le film est une sorte de Roméo et Juliette teenage où le nanti Blane (Andrew McCarthy) et la "pauvre Andie (Molly Ringwald) vont tomber amoureux l'un de l'autre et s'opposer ainsi à leur milieu n'acceptant pas ce rapprochement entre leur deux mondes. Cela est amené subtilement, narrativement comme visuellement avec ces regards furtifs entre les amoureux dans le cadre du lycée témoignant autant d'une timidité naturelle que d'une gêne lus problématique vis à vis de la réaction des autres.

Les premiers échanges se déroulent donc forcément à l'abri des regards, que ce soit dans le magasin de disque où travaille Andie où à travers un dialogue informatique ancêtre du chat. Ce n'est qu'en montrant les difficultés de ce rapprochement que l'on découvrira les univers opposés au cœur du fonctionnement du lycée : c'est un établissement d'élite pour riche où Andie et quelques autres de milieu plus modestes sont inscrit mais certainement pas intégrés. Les petites moqueries vestimentaires que subit Andie et qui pourrait passer pour anecdotique prennent donc un tout autre sens dans cet optique.

Quelques choix discutables font néanmoins tiquer telle cette vision du monde assez uniforme. Les pimbêches riches sont toutes des bimbos blondes écervelées, l'esthétique n'est pas très heureuse dans sa séparation des deux sociétés (brushing impeccable et veste décontractée pour les riches, look punk multicolore pour les pauvres), la façon assez schématique de renvoyer les préjugés dos à dos lorsque chaque amoureux accompagne l'autre dans son milieux au point d'altérer la cohérence de l'ensemble (comme emmener pour un premier rendez-vous sa copine dans une fête gorgée de gens hostile plutôt que d'apprendre à la connaître seul avec elle).

On est loin de l'intelligence d'un Breakfast Club mais la comédie romantique exigeait sans doute ce traitement plus manichéen d'autant plus que les scènes sentimentales sont splendides.

Le premier baiser dans la pénombre à la lumière des phares de voiture est craquant, le spleen de la séparation sur le titre Elegia de New Order superbe et Molly Ringwald est toujours aussi attachante tel ce moment où elle refuse que Blane la raccompagne et voit sa demeure dont elle a honte. Les quelques respirations arrivent lorsque le film s'échappe de son schéma restrictif grâce aux échanges avec la délurée mère de substitution Iona (Annie Potts), l'assurance gauche et fragile du meilleur ami amoureux Duckie (Jon Cryer) et surtout un très touchant Harry Dean Stanton en père traumatisé par le départ de son épouse.

Plus convenu et pas à la hauteur des films directement réalisés par Hughes (si ce n'est Une créature de rêve qui vieillit assez mal) mais sympathique dans sa naïveté et sa candeur.

Sorti en dvd zone 2 français chez Paramount

Le Professeur - La prima notte di quiete, Valerio Zurlini (1972)

Daniele Dominici (Alain Delon) remplace un professeur malade au lycée de Rimini. Bien que séparé de sa femme (Lea Massari), il vit toujours avec elle. Riches et oisifs, ses élèves l'ennuient, exceptée Vanina (Sonia Petrovna), une jeune fille qui éveille son intérêt par la blessure secrète qu'il décèle en elle.

Avec Le Professeur, Valerio Zurlini creuse le même sillon que dans les grands mélodrames qui firent sa renommée comme La Fille à la valise et Été violent. Dans La Fille à la valise, les clivages sociaux brisaient l'histoire d'amour naissante entre Claudia Cardinale et Jacques Perrin tandis quel le contexte historique d'une guerre empêchait la romance entre Eleana Rossi Drago et Jean Louis Trintignant dans Été violent. La différence d'âge des amants relie Le Professeur à ces œuvres mais là où le contexte magnifiait ses histoires d'amour désespérées dans le mélodrame flamboyant, Zurlini nous plonge ici dans un ordinaire sordide et austère.

 Daniele Dominici (Alain Delon) fraîchement intronisé professeur au lycée de Rimini traîne son spleen entre des élèves superficiels dont il se désintéresse, son épouse (Lea Massari) avec laquelle il cohabite plus qu'il ne vit et les parties de cartes jusqu'au bout de la nuit. Ce mal être passif est issu d'une fêlure passée qui ne se dévoilera qu'en toute fin et Daniel en reconnaissant ce même désespoir chez une de ses élèves, Vanina (Sonia Petrovna) va tenter de se rapprocher d'elle.

On sent bien l'esprit des années 70 dans l'absence totale de questionnement moral sur ce professeur s'intéressant d'un peu trop près à l'une de ses (jolies) élèves. On voit surtout deux solitudes se rapprocher et deux acteurs incarnant la dépression et la mélancolie avec une grande force. On a rarement vu Alain Delon aussi fragile et vulnérable qu'ici, trait tirés, tenue négligé et totalement apathique à son environnement. Sonia Petrovna poignante mêle allure virginale et innocente avec le regard de celle qui en a trop vu, trop fait...

Ayant cédé par le seul attrait qu'on semble lui reconnaître elle sera touchée par la délicatesse de Delon (avec cette superbe réplique lorsqu'un amant jaloux l'interroge sur son choix "Il m'a parlé...") qui semble voir au delà de cette beauté.Tous deux sauront se reconnaître et s'aimer peu à peu mais autour d'eux la fange les assaille. Le romantisme est bien plus intermittent ici que dans d'autres Zurlini, la plate réalité amenant moins d'envolée que là la dramatisation exacerbée que su offrir le réalisateur qui nous apparaît bien plus désabusé dans ce qui est son avant-dernier film.

Point de grands conflits et enjeux pour séparer notre couple torturé ici, juste la médiocrité provinciale sordides où entre secrets scabreux, dépravations et flambe ordinaire tous paraissent aussi déplaisant les uns que les autres. Le sexe est déplaisant et glauque, les rares scènes d'amours sont intenses mais brèves comme une courte bouffée d'oxygène (magnifique première étreinte entre Delon et Sonia Petrovna) et chacun, les héros comme les seconds rôles bienveillants semblent dissimuler une part d'ombre peu glorieuse à l'image d'un excellent Giancarlo Giannini. La ville portuaire de Rimini se résume pour Zurlini à son port brumeux, ses soirées grivoises et ses bars et quand on explorera la beauté d'une demeure abandonnée ce sera pour éveiller un douloureux souvenir.

Les obstacles les dépassant intensifiait la flamme des amants de Zurlini autrefois, la nature triviale de ce qui les retient dans Le Professeur semble les clouer au sol sans espoir de se relever. Ce sera évidemment le cas lors de la superbe conclusion où l'on ne sera pas dupe malgré tous les éléments en place pour un nouveau départ. Le malheur surgira de nulle part, agrippant dans la brume, le métal et les flammes notre héros inadapté au bonheur.

Sorti en dvd zone 2 français chez Pathé, dommage tout de même de ne pas avoir la version italienne incluse.

Pépé le Moko - Julien Duvivier (1937)

La police cherche à coincer le caïd de la pègre parisienne Pépé le Moko, réfugié dans la Casbah d'Alger avec sa bande. Il y est intouchable, mais ne peut en sortir sans se faire arrêter. Sa vie bascule le jour où il tombe amoureux de Gaby, une jeune femme demi-mondaine, entretenue par un homme riche, passée là en touriste, représentant tout ce que la Casbah n'est pas : parisienne et sophistiquée. Cette relation est jalousée par Inès, maîtresse de Pépé. L'inspecteur Slimane, lui, suit tout cela très attentivement : il compte sur les conséquences de ce triangle amoureux pour faire sortir le caïd de sa planque.

Un des chef d'œuvre de Duvivier et un des films majeurs du réalisme poétique français qui porte au plus haut cette tonalité de mélodrame tragique, ce romantisme désespéré et cette dimension de l'échec. Duvivier (adaptant le roman d'Henri La Barthe) offre ainsi une poignante et captivante marche en avant vers cet échec. Tout est déjà dans la scène d'ouverture qui mêle inexorablement le destin de Pépé (Jean Gabin) à cette tentaculaire Casbah d'Alger. Bien avant son apparition à l'écran Pépé est baigné d'une aura mythologique à travers le portrait de truand chevronné et insaisissable des policiers qui le pourchasse, et la Casbah est son royaume. Par sa description pittoresque, ses ruelles tortueuses, sa population grouillante et cosmopolite, sa beauté et sa laideur, la casbah est un monde à part dont Pépé est le maître. Une première péripétie où il se joue d'une embuscade, séduit la mondaine Gaby (Mireille Balin) et s'enfuit avec une nonchalante prestance.

On le comprendra pourtant assez vite, ce royaume est aussi une prison pour Pépé terré là depuis 2 ans et sachant que la police l'attends dès qu'il cherchera à quitter la casbah. Duvivier amène progressivement la dimension oppressante de ce cadre, d'abord narrativement en isolant son héros peu à peu isolé sous différentes formes : la trahison avec des indicateurs rêvant de s'enrichir en le vendant à la police, l'amitié où la seule figure innocente tombera justement sous le coup d'une manipulation et bien sûr la nostalgie de l'ailleurs, de chez lui, de Paname.

Sous ses dehors de vrai truand implacable, Gabin incarne en effet une figure romantique honnête à sa manière et fidèle en amitié dont la raison et la volonté vacille peu à peu face à l'horizon constamment bouchée de la fourmilière que forme le souk. Il faut ainsi les rares échappées sur les toits pour apercevoir un bout de ciel et lorsque l'on pourra enfin apprécier les grands espaces et cet environnement marin en conclusion, cette brève respiration sera cruellement récompensée. Le décor façonné dans les studios Pathé Cinéma (les quelques extérieurs étant tourné à Sète et à Marseille) contribue grandement à cette facette étouffante et cauchemardesque de la casbah, vraie extension mentale du mal être de Pépé.

L'amour et le mal du pays s'incarne donc à travers Gaby et la belle romance qui se nouera avec Pépé. Cela fonctionne d'ailleurs dans les deux sens, la gouaille de Gabin ramène Gaby à une jeunesse loin de son présent de femme entretenue et dépendante, tandis que la prestance et l'élégance de celle-ci dénote avec la poussière de la casbah. Les magnifiques dialogues d'Henri Jeanson ornent cette facette de la plus belle façon tel ce moment où Gabin avoue à Muriel Balin qu'avec elle il entend presque le bruit du métro, rustre et touchant. Cette nostalgie s'exprime de manière plus sous-jacente et tout aussi poétique lorsque le personnage la chanteuse déchue jouée par Fréhel (quasiment dans son propre rôle et tout aussi oublié à l'éoque du film) entonne un air évoquant sa gloire passée tandis que le portrait de sa beauté disparue trône à l'image.

Le film de gangsters truffé de mines patibulaires (chaque acolytes étant caractérisés par un tic notamment la brute épaisse et cupide incarné par Gabriel Gabrio) amorcé au départ, la course poursuite avec les flics tenaces, tout cela s'estompe peu à peu au profit de cette courte et passionnée évasion par les sentiments. C'est un être à l'image de cette sinueuse et imprévisible casbah qui nous ramène au réel avec le rusé et manipulateur inspecteur Slimane (excellent Lucas Gridoux), vrai maître du jeu. Le manichéisme de la terre étrangère hostile est atténué par l'amoureuse délaissée Inès (Line Noro), refuge et source de rejet pour Gabin qu'elle sauve puis cause la perte finale.

La conclusion est un summum inoubliable de tragédie, le regard embué de Pépé, Gaby ne le voyant pas et un dernier adieu que les circonstances cruelles rendent impossible. Puissant.

Sorti en dvd chez Studio Canal