Chroniques du Cinéphile Stakhanoviste

La Cible humaine - The Gunfighter, Henry King (1950)

2012-02-01T01:01:00.004+01:00

Jimmie Ringo, qui tire plus vite que son ombre, mène une vie d'enfer. Les provocations incessantes lui interdisent de reprendre la vie commune avec sa femme Peggy. Et ils sont nombreux à vouloir sa peau.

Avec ce superbe et atypique western, Henry King réalisait une sorte de prolongement idéal des thématiques développées dans son Jesse James (1939). Dans ce dernier, s'il cédait bien volontiers à l'illustration du mythe avec les exploits flamboyant des frères James il n'en oubliait pas moins le revers de la pièce. La traque constante, la paranoïa et la violence omniprésente de cette vie de hors-la-loi venait obscurcir la tonalité excitante du récit avec en point d'orgue la légendaire mort de Jesse James tué par un de ses acolyte Robert Ford. Gunfighter étend à une intrigue entière cet aspect de Jesse James avec un sens de l'épure de la puissance dramatique soufflant.

Jimmie Ringo (Gregory Peck) est un hors-la- loi chevronné dont la réputation de tireur invincible précède partout où il passe. Les provocations des as de la gâchette en quête de renommée font partie de son quotidien, à l'image d'une scène d'ouverture où il doit répondre aux provocations infantile d'un jeune blanc-bec. L'idée serait du film serait d'ailleurs venu au scénariste William Bowers suite à un échange avec le boxeur Jack Dempsey qui lui expliquait être sans cesse provoqué par des bagarreurs souhait se mesurer à lui. Cette du rapport de force permanent intégré au western va en constituer une des trouvailles les plus emblématiques avec le film de King. Une chose frappe d'emblée, c'est l'allure maussade de Gregory Peck, aux antipodes du tueur menaçant attendu (un des répliques récurrentes de ses futurs adversaires étant He doesn't look so tough). C'est avec une profonde lassitude qu'il sent venir ce énième et inutile duel où on devine en quelques minutes un homme usé par cette existence. Qu'on ne s'y trompe pourtant pas, l'issue violente et sèche montre le tueur impitoyable qu'il peut être et ce qui l'a mené à cette situation.

Gregory Peck (qui souffla le rôle à John Wayne qu'une vieille rancœur envers Harry Cohn fit décliner un rôle pourtant désiré) et son air commun est parfait dans le rôle, illustrant bien la contradiction de cet homme souhaitant désormais se fondre dans la masse mais épié de tous. Tout en creusant le sillon de Jesse James, King annonce ainsi nombre de futurs westerns amenés à démythifier l'Ouest où la légende plus grande que la réalité peut s'avérer un poids immense.

Son parcours tumultueux ressurgit à tout instants par des rencontres fortuites où tout le monde semble le reconnaître et/ou avoir un compte à régler avec lui pour un passé dont il ne semble pas avoir le souvenir. Eastwood réutiliser cette facette (avec volontairement plus de panache dans son Josey Wales et dans un autre genre on pense aussi au Snake Plissken de New York 1997 caractérisé de la même façon dans son rapport aux autres.

La grande force du film demeure cependant l'étonnant resserrement qu'il offre dans son cadre et ses enjeux. Ringo décide ainsi de retrouver femme et enfant qu'il a abandonné depuis huit ans dans l'espoir fou de tout reconstruire mais les mêmes obstacles vont l'en empêcher. Henry King ose un traitement épuré et intimiste (le film pourrait être transposé sans difficulté en pièce de théâtre) où Gregory Peck exprime une vulnérabilité touchante au détour de très beaux moments tel les retrouvailles avec son épouse (Helen Westcott) ou la courte entrevue avec son fils.

La chaleur émanant des échanges avec l'ancien compagnon d'armes devenu shérif (excellent Millard Mitchell) contribuent aussi grandement à l'émotion de l'ensemble. Henry King réalise un western en forme de vraie tragédie grecque dont la construction parfaite ne laisse aucun doute quant à l'issue inéluctable et le crescendo émotionnel des dix dernières minutes marque durablement tout en faisant preuve d'une vraie retenue et pudeur. Très beau western crépusculaire.

Sorti en dvd chez Sidonis dans la collection western

Extrait de l'ouverture

Le Professionnel - Georges Lautner (1981)

2012-01-31T01:54:00.005+01:00

Issu de l'élite de l'armée française, Joss Beaumont est chargé d'exécuter le président du Malawi. Un contre-ordre tombe, la cible est devenue un ami de l'Etat. Pour l'empêcher de nuire, Beaumont est incarcéré, mais ne tarde pas à s'évader, décidé à mener à bien l'opération malgré l'opposition de sa hiérarchie.

Plus que n'importe quel autre de ses films à la même période, Le Professionnel témoigne de la toute puissance de Belmondo sur le cinéma français populaire d’alors. Un sujet explosif, un grand réalisateur aux commandes (Lautner, avec qui il avait déjà fait Flic ou Voyou et Le Guignolo), Ennio Morricone au score et un beau cast de gueules témoignent de l’ambition de l’entreprise. Pourtant, le film témoigne également du déclin imminent de Belmondo en tant que star d’action (ce que confirmeront ses derniers films dans le genre, les piteux Les Morfalous, Joyeuses Pâques ou Hold Up), enfermé dans une formule qui fait tâche quand il s’attaque à un récit un peu plus ambitieux.

Adapté du roman Mort d’une bête à peau fragile de Patrick Alexander, le thème du film s’avérait particulièrement audacieux dans une France encore marquée par le scandale des diamants de Bokassa (le film faisant indirectement référence à l’intervention française pour renverser le dictateur), en dénonçant les activités troubles des services secrets français dans une Afrique pas vraiment émancipée malgré la décolonisation. Avec autant d’atouts, la relative débandade n’en est que plus inexplicable, mais trouve pourtant son explication dans l’évolution de la carrière de Belmondo.

Au départ bien plus passionné par le théâtre, il intègre difficilement le Conservatoire (admis seulement à la troisième tentative) où, malgré un talent évident, on lui fait bien comprendre que son physique hors-norme n’entre pas dans les critères de « jeune premier » souhaités, au point qu’un de ses professeurs lui affirme qu’il ne sera jamais crédible en prenant une femme dans ses bras. La Nouvelle Vague, en quête de figures atypiques, l’accueillera à bras ouvert et lancera sa carrière. Il alternera ainsi avec brio durant les 60’s classiques du cinéma populaire de l’époque (Un Singe en hiver, Cartouche, L’Homme de Rio), films d’auteur exigeants (Pierrot Le Fou, A Bout de Souffle), et collaborations avec grands réalisateurs, dont une fructueuse association avec Jean Pierre Melville.

La rupture se fait au début des années 70 où, passé La Sirène du Mississipi de François Truffaut, le comédien Jean Paul Belmondo cesse d’exister et laisse la place à « Bebel », la star d’action rigolarde et indestructible effectuant elle-même ses cascades. Une décennie dorée pour Belmondo, qui se crée ainsi un personnage mythique (au point de littéralement inspirer un personnage d’animation avec le Cobra de Buichi Terasawa), et enchaîne les gros succès franchement divertissant (dont le génial Le Magnifique) qui auront bercé notre enfance. Cependant, l’absence de l’alternative qui lui aura si bien réussi dans les 60’s (hormis le Stavisky de Alain Resnais) l’enferme dans son personnage et sa formule, et pose ainsi toutes les limites du Professionnel.

Un tel sujet aurait mérité un traitement rigoureux et sans faille, une puissance dramatique de tout les instants (bien intermittente ici), et au final le film regorge de moments embarrassants, essentiellement dus à la volonté de traiter l’histoire à la sauce Bebel : Belmondo se déguisant en clochard pour aller voir sa femme, distribuant les baffes dans un bar ou frayant avec une prostituée de luxe forcément folle de lui au premier regard. On peut également y ajouter la scène d'ouverture de tribunal, avec ses avocats africains aux intonations outrées fleurant bon la vision sans âge de l’Afrique coloniale (et des scènes africaines tournées... En Camargue !), l’assistante flic lesbienne et adepte de la torture, ou encore un duel à la Sergio Leone entre Belmondo et Robert Hossein, amusant mais n'ayant strictement rien à faire là. Autant d’éléments présents uniquement pour mettre en valeur la virilité de Belmondo et amener une touche d’humour malvenue, la réalisation de Lautner (qui entamait là une belle décennie de disette) étant dépourvue de son inventivité coutumière, et les dialogues de Michel Audiard faisant rarement mouche.

Cela est d’autant plus regrettable que le film parvient à être réellement captivant quand il ose enfin ressembler à ce qu’il aurait dû être : un drame d’espionnage fort. Belmondo est ainsi formidable d’intériorité et de détermination dans sa vendetta suicidaire, avec de formidables échanges avec le personnage de Michel Beaune notamment. La dernière partie, où il manipule les services secrets pour régler son compte au dictateur africain, puis le destin final, dramatique, de Joss Beaumont (qui traumatisa les jeunes fans de Bebel en son temps), font ainsi largement regretter la direction prise par le film.

Un Belmondo assez symptomatique de la deuxième partie de sa carrière, ne devant au fond sa réputation qu’à sa conclusion qu'à sa conclusion brillante.

Sorti en dvd chez Studio Canal

Mille Milliards de Dollars - Henri Verneuil (1982)

2012-01-30T01:15:00.003+01:00

Journaliste à "La Tribune", Kerjean apprend que l'homme politique Benoit Lambert a reçu un pot de vin pour faciliter une transaction internationale. Après son article, Benoit Lambert se suicide, en apparence. La rumeur était fausse. Comprenant qu'il a été manipulé, Kerjean se cache en province, d'où il entend faire éclater la vérité.

Mille Milliards de Dollars est une belle réussite de grand thriller politique subversif et paranoïaque à la française. L’intrigue complexe et ambitieuse est toujours d'actualité dans sa dénonciation du capitalisme sauvage à travers les méfaits d'une multinationale américaine aux agissements des plus douteux sous couvert de profits. Ce démantèlement du capitalisme est un des aspects les plus intéressant du film avec pas mal de moments forts comme l'interview entre Patrick Dewaere et Mel Ferrer (fabuleux en grand patron cynique) où deux visions du monde s'oppose, la réunion des directeurs de filiale tremblant de trouille devant un Ferrer les humiliant comme des enfants quand les objectifs ne sont pas remplis.

Le côté très démonstratif que peuvent avoir les scènes de révélations (avec de longs tunnels de dialogues) sont tempérés par les rebondissements constamment surprenant, la petite histoire de pots de vin de départ nous emmène finalement très loin jusqu'à la Deuxième Guerre Mondiale et les origines douteuses de la multinationale.

Henri Verneuil (également auteur du scénario et qui signe un de ses meilleurs et plus ambitieux films, prolongement de son excellent I comme Icare) fait preuve d’une inventivité constante pour éviter toute lourdeur avec de nombreux flashback ou encore de fausses images d'archives dans un traitement glacial qui confère toutes la crédibilité nécessaire à cette grande machination internationale. Patrick Dewaere est parfait en journaliste tenace et jusqu'auboutiste, et son jeu décalé amène un peu de légèreté et d'humanité (d'ailleurs la conclusion relativement optimiste surprend) dans un univers faisant froid dans le dos, d’autant que l’actualité récente montre que rien n’a changé, bien au contraire.

Extrait qui n'a pas pris une ride...

127 heures - 127 Hours, Danny Boyle (2011)

2012-01-29T13:14:00.002+01:00

Le 26 avril 2003, Aron Ralston, jeune homme de vingt-sept ans, se met en route pour une randonnée dans les gorges de l’Utah. Il est seul et n’a prévenu personne de son excursion. Alpiniste expérimenté, il collectionne les plus beaux sommets de la région. Pourtant, au fin fond d’un canyon reculé, l’impensable survient : au-dessus de lui un rocher se détache et emprisonne son bras dans le mur de rocaille. Le voilà pris au piège, menacé de déshydratation et d’hypothermie, en proie à des hallucinations… Cinq jours plus tard, comprenant que les secours n’arriveront pas, il va devoir prendre la plus grave décision de son existence...

Au premier abord, ce nouveau film de Danny Boyle semble être un choix conscient du réalisateur de faire une œuvre en tout point opposée à son précédent et célébré Slumdog Millionnaire. Au conte de fée moderne de Slumdog répond un scénario adapté du livre de la réelle mésaventure de Aron Ralston, qui se retrouva six jours et cinq nuits le bras coincé dans un rocher, seul au fond d’un canyon. Ce cadre minimaliste et resserré (autant esthétiquement que narrativement) répond également au foisonnement de péripéties, au Bombay surpeuplé et la fougue galvanisante du film de 2008. Et pourtant, malgré les apparences, les deux œuvres sont étonnamment proches l’une de l’autre et significatives du changement amorcé par le réalisateur depuis le début des années 2000.

Pour comprendre cela, il faut sans doute remonter au film le moins connu d’une filmographie plutôt populaire, Millions, sorti en 2004. Jusqu’à celui ci, Boyle est plutôt un cinéaste associé à une tonalité noire (La Plage, 2000), cynique (Petits Meurtre entre amis, 1994) et désespérée (Trainspotting, 1996), et cela même lorsqu’il s’attaque à des genres populaires comme la comédie romantique Une Vie moins ordinaire (1997). Millions, malgré quelques maladresses, marquait donc une transition, le passage de Boyle à une facette plus lumineuse avec cette curieuse histoire de petit garçon qui, à quelques jours du passage à l’euros, décide de faire le bien avec le butin d’un cambriolage qu’il a découvert.

Touchant, naïf et original Millions a réellement changé l’approche de Boyle sur ses sujets, ce qui se ressentira sur ses films suivants comme Sunshine (qui malgré son ton sombre s’offre une étonnante note d’espoir dans sa conclusion) et surtout le conte moderne Slumdog Millionnaire. Dès lors (et pour qui connaît le livre de Ralston), ce 127 heures ne pouvait tout à fait avoir la noirceur qu’on semble en droit d’attendre au premier abord.

Boyle évite totalement la facilité de l’épure documentaire et évacue tout réalisme artificiel à son récit, esquivant ainsi le gadget du film concept en faisant confiance à ses qualités de narrateur. La première partie du film est donc sacrément tapageuse, avec un Boyle retrouvant ses réflexes tape à l’œil pour nous faire ressentir le sentiment de toute puissance du frimeur individualiste incarné par James Franco. Loin d’en être antipathique pour autant, notre héros est présenté dans toute sa fougue insouciante, le temps d’une jolie rencontre avant le drame qui va l’immobiliser. Une nouvelle fois, alors que l’on pourrait s’attendre à une certaine introspection et retenue dans le cadre clos qui emprisonne le héros, Boyle surprend.

L’idée est de ressentir physiquement comme spirituellement la manière dont l’aventure va profondément transformer Ralston et l’amener à se remettre en question. La première approche est de plonger dans ses souvenirs à travers des visions de son passé et des personnes qui lui sont proches. Dans l’idée, le procédé est très intéressant, mais malheureusement la nature des souvenirs qui submergent Franco s’avère trop commune et clichée, alors qu’il y avait matière à un mélodrame puissant façon Les Choses de la Vie. Les micros flash-back sont trop brefs pour sortir des lieux communs les situations qu’ils illustrent, tels Ralston se souvenant des bons moments avec son ex petite amie (jouée par Clémence Poesy) et de la rupture causée par son égoïsme.

De même, l’imagerie croisant new age et romantisme Arlequin de ces moments n’est pas des plus réussies, avec photo voilée céleste du plus mauvais goût. Malgré le parti pris intéressant d’éviter la claustrophobie facile exigée, Boyle se rate donc dès qu’il cherche à faire sortir la trame de la grotte où est coincé Ralston. Par contre, dès qu’il y reste, le film atteint une puissance émotionnelle extraordinaire.

James Franco confirme enfin ici tous les espoirs placés en lui depuis des années par une prestation incroyable. Objectivement, le personnage de Ralston tel que présenté paraît assez creux et il parvient à lui donner une vraie consistance dans l’épreuve qu’il traverse. Sa confiance en soi inoxydable s’effrite ainsi peu à peu face à ce piège inéluctable, et sa présence d’esprit avec. Dans la réalité, le vrai Ralston s’était filmé pendant ces moments là et Boyle reprend bien évidemment le procédé avec brio. Franco, seul face à l’écran pendant toute une moitié de film, se met ainsi à nu de manière bouleversante. La folie, la schizophrénie guettent dangereusement Ralston, qui passe de l’abattement le plus total à l’assurance suicidaire. Boyle fait preuve de bien plus de brio pour capter l’épreuve traversée par cet homme et, entre stylisation et épure, trouve le ton juste dans un grand moment hallucinatoire.

La fameuse séquence où Ralston se coupe le bras pour échapper à sa prison de roche se pare donc de cette intensité, tout l’effort et la douleur physique de l’acte se ressentant à travers le point de vue de Franco. Aucun débordement sanglant superflu, c’est juste de la rage de vivre d’un homme dont il est question. Cet instinct de survie se poursuit dans les derniers instants d’errance, avec un Ralston brisé mais transfiguré par l’expérience et plus fort que le poseur insouciant des heures précédentes. 127 heures se pose donc en véritable leçon de vie et de courage, dépassant ses maladresses par la force émotionnelle qu’il dégage et l’implication de son interprète principal. C’est également, après Slumdog Millionnaire, la preuve que Boyle est désormais devenu un cinéaste de la lumière. Cela lui va bien.

Sorti en dvd zone 2 français chez Fox

Rue sans issue - Dead End, William Wyler (1937)

2012-01-27T02:06:00.004+01:00

Dans l'East-side à New York, des immeubles cossus surgissent peu à peu au sein des quartiers déshérités. Ainsi l'opulence jouxte de façon éhontée des bâtiments délabrés, habités par une population miséreuse.

Au bout d'une rue qui se termine abruptement sur les bords de l'Hudson, se joue le théâtre ordinaire de la misère sociale. Drina participe à la grève de son usine pour obtenir une augmentation des salaires ; Joel, sans emploi, vit de petits boulots et ravale l'échec de sa carrière d'architecte ; une bande de gamins jouent aux durs et s'initient aux règles barbares des gangs.

Le tristement célèbre gangster "Baby Face", pris de nostalgie, revient incognito dans le quartier pour retrouver sa mère et son amour de jeunesse. Sa déconvenue sera à l'image de cette rue sans perspectives d'avenir.

Au premier abord, Dead End semble être une incursion inattendue de la MGM dans le film de gangster dans le but de concurrencer les productions à succès de la Warner qui triomphent depuis le début des années 30. Pourtant on constatera vite que plusieurs éléments dénotent avec ce que l'on est en droit d'attendre d'un film de ce genre. La mise en scène sèche, percutante et l'esthétique urbaine "réaliste" habituels sont oubliés dès la scène d'ouverture qui situe le modeste quartier de l'East-Sidé où va se dérouler l'action. Symboliquement, on part des cieux paisibles et hors du temps depuis les hauteurs des palaces luxueux habités par les nantis avant qu'un mouvement de caméra descende dans les ténèbres pour nous révéler ce qui les entoure. On découvre alors un quartier populaire grouillant et pauvre où les travailleurs modeste côtoient les mauvais garçons et voyous divers.

Wyler fait preuve d'emblée d'une sophistication marquée dans sa mise en scène et le visuel du film. Ainsi entre maquettes et matte painting les buildings des riches se posent en tours de Babel irréelle et inaccessible tandis que le quartier en lui-même bien que très bien reconstitué (parmi les 4 nominations à l'oscar que recevra le film on trouve la meilleure Direction artistique) trahi à constamment sa nature de décor studio, que Wyler assume parfaite avec un mouvement de grue impressionnant qui nous le fait survoler. Le film tiendra finalement plus de tranche de vie à la ligne narrative ténue que du vrai récit criminel.

Ces diverses "entorses" tiennent en fait à l'origine du projet, Dead End étant adapté d'une pièce de Sidney Kingsley. Celui-ci est célèbre à l'époque pour avoir reçu le Prix Pulitzer grâce à Men in White, pièce de 1934 où il abordait la difficile question de l'avortement illégal. On l'a compris, le propos sera plus ouvertement social que les films Warner où cela constituait un arrière-plan et où les biopic plus ou moins officiels de gangsters côtoyaient l'adaptation de roman policier. Là où des films comme Scarface ou L'Ennemi Public jouent avec ambiguïté de la double option du divertissement excitant et de la dénonciation de cette vie criminelle, Dead End s'arrête uniquement à la seconde solution.

On a bien un criminel redoutable en la personne d'Humphrey Bogart mais l'empathie naît des très attachants Joel McCrea et Sylvia Sydney, gens ordinaires qui se démènent pour survivre. A la construction Ascension/Apogée/Chute typique du genre l'unité de temps et de lieu de la pièce escamote la facette la plus glorieuse qu'est l'apogée. On alterne ainsi entre les méfaits appelant à une escalade criminelle future de petites frappes du quartier et les désillusions que va vivre le caïd Baby Face Martin (Humphrey Bogart) en quête de souvenir sur les lieux de son enfance.

Si on oscille entre espoir et pessimisme pour les gamins, leur futur possible vu à travers Bogart s'avère implacable. Riche, craint et puissant Baby Face Martin est surtout un homme seul et désormais sans passé (l'opération lui ayant changée le visage est ainsi lourde de sens) ni racines. Rejeté par les sien (terrible scène avec sa mère) ou voyant des souvenirs tendre prendre un jour monstrueux (sa fiancée devenue prostituée jouée par Claire Trevor), le truand perd toute sa prestance pour révéler un être aux abois. Humphrey Bogart est excellent et traduit parfaitement ce changement d'état d'esprit tandis que Wyler ne magnifie jamais les quelques occasions données de mettre le gangster en action.

La dimension sociale s'avère très réussie grâce à la prestation de Joel McCrea toujours excellent en monsieur tout le monde modeste et une Sylvia Sidney au regard mélancolique et à l'allure fatiguée par un labeur sans fin. Le triangle amoureux avec une jeune femme riche amoureuse de McCrea (Wendy Barrie) est un peu trop esquissée pour captiver complètement (malgré des moments réussis McCrea qui guette sa riche soupirante oisive à son balcon tandis que Sylvia Sydney baissée se plaint de ses chaussures usagées), tout comme la sous-intrigues de grève et de combat syndical.

Le film pêche sans doute à un peu trop marquer son message (sans doute pour signifier clairement la différence avec les films Warner) notamment par une analogie et symbolique constante qui finit par lasser (les riches contraint de quitter l'hôtel par la porte de service débouchant sur le quartier pauvre, la fête constante sur fond de jazz tonitruant dans les étages tandis que le drame se noue en bas) mais néanmoins l'émotion fonctionne réellement de bout en bout. Wyler dynamise bien un récit qui ne se déleste pas complètement de son origine théâtrale une mise en scène percutante dans les quelques moments d'actions (très efficace bagarre et gunfight final) et une certaine audace dans la crudité de sa description notamment la vulgarité des gamins. Plutôt intéressant dans ses choix donc sans être un grand Wyler.

Sorti en dvd zone 2 français chez MGM

Kick-Ass - Matthew Vaughn (2010)

2012-01-26T00:35:00.007+01:00

Dave Lizewski est un adolescent gavé de comics qui ne vit que pour ce monde de super-héros et d'incroyables aventures. Décidé à vivre son obsession jusque dans la réalité, il se choisit un nom – Kick-Ass – se fabrique lui-même un costume, et se lance dans une bataille effrénée contre le crime. Dans son délire, il n'a qu'un seul problème : Kick-Ass n'a pas le moindre superpouvoir...

Phénomène récurrent dans le monde des comics, la mise en abîme de la figure du super héros a gagné le cinéma après dix ans de domination sans partage au box-office. Le mouvement avait été lancé l’an dernier avec l’excellent (et décrié par les geeks puristes) Watchmen de Zack Snyder. Ce dernier n’avait qu’un seul vrai défaut, la fidélité absolue au matériau d’origine qui plaçait l’intrigue dans un univers parallèle, plongé dans la Guerre froide et donc bien éloigné de nos préoccupations actuelles. Un défaut et une qualité en fait, puisqu’il conférait à l’œuvre ce fascinant aspect métaphysique et réflexif, sortant des sentiers battus du blockbuster.

Matthew Vaughn prend totalement le chemin inverse avec Kick-Ass, objet pop et référentiel bien de son époque. Si on ne sait pas encore comment le film vieillira, ici et maintenant c’est clairement une des sorties les plus réjouissantes de cette année ! Kick-Ass est tout d’abord l’adaptation d’un comics de Mark Millar. Scénariste remarqué pour son travail au sein de Marvel, il a bouleversé pour le pire et le meilleur les comics de ces dernières années. On retrouve dans ses titres les plus personnels un goût prononcé pour la violence, les personnages extrêmes et la provocation gratuite et juvénile. Tous ces éléments s’agençaient formidablement dans Wanted, reconstruction trash et bourrée d’humour noir d’un univers super héroïque parallèle (où les tueurs à gage ont supplanté les super héros). Le film qui en fut tiré en 2008 ne pouvait suivre les mêmes traces et donna au final un ersatz amusant et inoffensif de Matrix et Fight Club, bien éloigné du nihilisme de la version papier.

Pas de risque de ce côté-là avec Matthew Vaughn qui dut batailler et produire lui-même dans un premier temps ce Kick-Ass face au refus des studios. Par conséquent, le film garde la patine divertissante et fun du blockbuster, tout en se permettant des écarts de violence et de ton rarement vus dans un spectacle grand public. Le début offre un joyeux détournement des situations et dialogues les plus fameux des films de super héros. Le générique d’ouverture parodie ainsi quelques notes du célèbre thème de Superman sur fond de ciel nuageux. Ce sera ensuite le Spider-Man de Sam Raimi qui sera repris et moqué à la fois.

Face au cliché du traumatisme dramatique motivant la vocation de héros, nous sommes ici face à un simple adolescent, malingre et complexé, cherchant à tromper son ennui en se voyant plus beau qu’il n’est par ce moyen d’évasion. Un parti pris bien plus empathique avec le lecteur de comics donc, qui s’y identifiera bien plus qu'aux sentiments chevaleresques déployés habituellement. Vaughn retraduit sans détour les élans les plus extrêmes de Millar, tant dans le côté ludique que sombre. Ainsi la première expédition justicière du héros après une amorce de comédie se conclut avec une violence qui nous ramène brutalement à la réalité.

C’est paradoxalement avec les personnages les plus délirants que le film glisse progressivement vers une tonalité plus grave. Le duo de héros père et fille Big Daddy/Hit Girl offre ainsi une vraie tendresse sous l'aspect décalé. Nicolas Cage, singeant le jeu d’Adam West (interprète de Batman dans la série parodique des années 60) est aussi hilarant qu’émouvant en père attentif, bien qu’il ait fait de sa toute jeune fille le bras armé de sa vengeance. Cette dernière est jouée par la charismatique Chloé Moretz (déjà vue en ado mature étonnante dans 500 jours ensemble) qui crée instantanément un personnage culte avec sa Hit Girl. La jubilation est de mise face à cette gamine qui trucide à tour de bras les truands les plus coriaces sur fond de Joan Jett, en balançant des répliques "badass" tout en gardant son espieglerie enfantine.

A la manière d’un Tarantino, l’équilibre est ténu mais cette relation filiale porte réellement l’aspect dramatique (et héroïque) du film. Elle emmène aussi progressivement l’intrigue plus légère concernant Dave/Kick-Ass (Aaron Johnson tout en fragilité est très bon également) sur ce même terrain plus sérieux.

Les émotions se bousculent ainsi lors de la dernière partie où culmine le combat des héros avec le mafieux redoutable joué par Mark Strong. Les aspects finalement faussement parodiques et outrés qui ont précédé nous auront grandement attachés aux personnages. Matthew Vaughn qui avait si bien su mêler distanciation et émotion à fleur de peau dans son formidable Stardust parvient à un meilleur résultat encore. Ses intentions se dévoilent lors de la scène clé du film, un formidable morceau de bravoure héroïque réarrangé pour la génération myspace. Il y mélange filmage classique, vision de jeu vidéo FPS et images youtube dans un crescendo dramatique saisissant, porté par un montage parfait. D’amusante, Hit Girl devient soudainement poignante de courage et Dave dépasse les préoccupations superficielles adolescentes pour accéder à la figure de héros.

Matthew Vaughn réalise là un film bien de son temps (les références à la culture populaire du moment pleuvent), profondément ancré comics (l’ensemble est particulièrement flashy, décors comme costumes) mais dont la force narrative et émotionnelle peut rassembler autant les geeks que les non initiés. Périssable peut-être, le temps nous le dira mais ici et maintenant, Kick-Ass est presque un grand film.

Sorti en dvd zone 2 français chez Metropolitan

Romance d'amour - Love Story, Leslie Arliss (1944)

2012-01-25T01:48:00.007+01:00

Un magnifique mélo Gainsborough qui transcende totalement un pitch à faire peur tant il semble chargé dans le larmoyant outrancier. Lissa Campbell (Margaret Lockwood), pianiste à succès décide de mettre sa carrière entre parenthèse pour participer à l'effort de guerre. Catastrophe le jour de la visite médicale où les médecins lui annoncent qu'il ne lui reste plus que quelques mois à vivre ! Partie se ressourcer dans la campagne de Cornouailles, elle tombe amoureuse de Kit Firth (Stewart Granger) jeune ingénieur qui lui aussi dissimile un terrible secret, il devient aveugle...

Leslie Arliss le prouvera encore de magistrale façon avec son mémorable film suivant The Wicked Lady, il est passé maître dans l'art d'enchaîner les rebondissements les plus rocambolesque sans sombrer dans le ridicule. C'est encore le cas ici où les évènements évoqués s'enchaînent dans la première demi-heure avant que le récit (adapté d'un roman de Drawbell) prenne un tour intimiste étonnant. Arliss fait passer toutes les énormités par la caractérisation de son couple qui rend le tout crédible et touchant. Lissa et Kit ont ainsi deux attitudes totalement différentes face au funeste destin qui les attends et qu'ils se dissimulent encore(ce double secret rappelle un peu à Hollywood le I'll be seing you de Dieterle).

Pour les derniers mois qui lui reste à vivre, Lissa embrasse la vie plain-pied, bien décider à ressentir les émotions dont son existence reclus de musicienne professionnelle l'ont privées. Elle rayonne littéralement (cette magnifique scène où elle surplombe une falaise cheveux au vent) et semble plus vivante que dans les premiers instants du film où elle ne savait rien de son mal. A l'inverse, Kit se réfugie dans une vie de coureur de jupons sans attache ni responsabilité mais la rencontre de Lissa viendra bouleverser ses velléités de détachement.

Le script exploite d'ailleurs bien l'arrière-plan de la guerre pour accentuer le drame. Ainsi Margaret Lockwood se demande longuement pourquoi Granger, jeune homme fort et vigoureux n'est pas mobilisé. Honteux de lui avouer ses raisons, il feint l'égoïsme et finit par la faire douter de son courage et fait vaciller leur relation. Stewart Granger d'habitude si viril et imposant exprime ici une subtile vulnérabilité alors qu'à l'inverse la frêle Margaret Lockwood est d'une constante vigueur et saura remotiver son compagnon. A cela s'ajoute un triangle amoureux avec l'amie d'enfance de Granger jouée par Patricia Roc.

Sa performance est encore meilleure que celle plus connue de The Wicked Lady où elle étoffe déjà considérablement un rôle potentiellement ingrat. Moins affectée par les malheurs que ces partenaires, elle compose peut être le personnage le plus tragique du film par ses tourments bien plus ordinaires. Confrontée à de terribles dilemmes (laisser Kit devenir aveugle pour l'avoir rien qu'à elle), elle voit impuissante (beau moment symbolique lors des adieux à la guerre où elle est en retrait du couple qui ne se quitte pas des yeux) l'homme qu'elle depuis toujours s'attacher à une autre.

Leslie Arliss impose un rythme lent où chaque moment partagé par le couple se doit d'être vécus comme s'il était le dernier à travers de belles séquences romantiques rurales où les paysages de Cornouailles sont magnifiés (la balade en barque dans la crique, le théâtre en plein air face à la mer) par le lyrisme de la mise en scène.

L'alchimie entre Stewart Granger et Margaret Lockwood fait merveille et la nature hors-normes de leurs personnages (on peut faire un rapprochement avec Le Secret Magnifique de Sirk et ses héros plus grands que nature également) se voit équilibrée par une tout aussi touchante Patricia Roc et aussi Tom Walls en mentor bienveillant. Très beau film auquel on peut juste reprocher un épilogue à rallonge qui n'ose pas la grande tragédie finale attendue. Jusqu'au bout, le film esquive les clichés qui le guettent pour un étonnant happy-end en pointillé...

Sortie en dvd zone 2 anglais dans au choix le coffret consacré Stewart Granger ou celui de Margaret Lockwood tout deux édités par ITV et doté de sous-titres anglais. Vivement recommandé c'est gorgé de pépite dont plusieurs ont déjà été chroniquées sur le blog.

Film en entier sur youtube semble- il pas pour longtemps certainement...

Dommage que tu sois une canaille - Peccato che sia una canaglia, Alessandro Blasetti (1954)

2012-01-24T02:32:00.006+01:00

Un jeune chauffeur de taxi tombe amoureux d'une belle fille du peuple qui ne pense qu'à le voler.

Marcello Mastroianni/ Sophia Loren forment LE couple emblématique du cinéma italien dont la seule évocation éveille le souvenir de grands éclats de rires (Mariage à l'italienne, Hier aujourd'hui et demain...), de chaudes larmes (Un journée particulière) et surtout de grands moments de l'âge d'or du cinéma local tout au long de leurs douze films communs. Ce couple naît dans Dommage que tu sois une canaille, film charnière qui les réunit pour la première fois et les faits stars tout en étant un jalon fondamental de la Commedia all'italiana naissante.

Alessandro Blasetti façonne ce couple de légende en contribuant à créer l'image qui fera de Sophia Loren une star, celle de cette jeune italienne du peuple gironde et malicieuse. Il impose également un Marcello Mastroianni à la carrière déjà bien entamée mais abonnée aux seconds rôles, ce qui changera avec ce Peccato che sia una canaglia dont l'esthétique séduisante et touristique s'exportera avec succès et contribuera à la notoriété internationale de l'acteur.

Alessandro Blasetti de son côté a déjà une carrière bien remplie mais en perte de vitesse à ce moment-là. Son parcours l'aura vu être un des pionniers du néoréalisme avec Quatre pas dans les nuages (1942) (ou par les méthodes de tournages de Sole), être un fasciste convaincu (avant de se raviser) contribuant à la période dite des "téléphones blancs" et tâtant de tous les genres dont le péplum avec Fabiola (1949). Il se réinvente donc ici une nouvelle fois tout en créant presque la comédie italienne moderne.

Le film constitue vraiment un moment charnière où l'expérience de Blasetti associé au souffle nouveau de ses interprètes donne un résultat novateur. L'héritage néoréaliste se signale ainsi par l'arrière-plan réaliste de cette Rome mettant en valeur les milieux populaires, que ce soit du côté des travailleurs avec le vaillant taxi joué par Mastroianni ou la famille de joyeux escrocs formés par Sophia Loren et son père joué par Vittorio de Sica. Cependant l'esthétique misérabiliste laisse place à une imagerie élégante et joyeuse d'une cité estivale touristique (ce moment où Sophia Loren s'improvise guide dans un anglais impeccable) et grouillante.

On sent que l'on est encore dans la comédie italienne populaire des années 50 puisque sur des même bases Le Pigeon (voire même un Gendarmes et voleurs de Monicelli qui a précédé) ira bien plus loin mais l'idée est déjà là : apporter un décalage à un cadre, des personnages et situations réalistes par l'humour. Le couple Marcello Mastroianni /Sophia Loren instaure quant à lui une vraie dynamique de screwball comedy revisitée à l'italienne. On connaît la formule, un pauvre bougre masculin mené par le bout du nez par une espiègle jeune femme et c'est ici un honnête taxi dont la vie devient un cauchemar lorsque la peu recommandable Sophia Loren jette son dévolu sur lui. Quiproquos en pagailles et gags divers jalonnent le chemin de croix d'un Mastroianni génialement ahuri et malléable qui devra apprendre à mater une Loren qui n'attends que cela.

Celle-ci, gouailleuse, séductrice et sensuelle impose un charme dévastateur (très sérieux coup de chaud lorsqu'elle déambulera en maillot de bain) et exprime finement par ses moues et regards en coin son attachement à celui qu'elle ne cesse de tourmenter. Sans elle, cette Lina aurait pu être parfaitement détestable et il n'en est rien. Cerise sur le gâteau, un Vittorio de Sica absolument grandiose en patriarche arnaqueur qui lui aussi distille une élégance et une drôlerie pleines d'aplomb notamment l'hilarant final à rallonge dans le commissariat.

Blasetti parvient à un équilibre parfait avec des situations tout à la fois variées et répétitives (Mastroianni victime d'un des méfaits de Loren mais qui revient malgré lui vers elle) où l'aspect très enlevé (les échanges musclés des amoureux) masque en fait un film finalement fort nonchalant et sans vrai pic dramatique ni rebondissement marquant. L'aspect screwball bien que présent se voit dynamité par cette approche posée et typiquement européenne, l'approche anglo-saxonne millimétrée du genre s'estompe pour une langueur "à l'italienne" en somme. La preuve avec cette conclusion où jamais une gifle n'a été plus romantique, grande comédie. Suite au succès du film, Blasetti réunira les acteurs dès son film suivant La Chance d'être femme (1955) que j'ai très envie de voir du coup.

Sorti en dvd zone 2 français chez SNC/M6 Vidéo

Les Titans - Arrivano I Titani, Duccio Tessari (1962)

2012-01-23T01:06:00.003+01:00

Kadmos, roi de Thèbes, répudie sa femme pour épouser Hermione, sa favorite. Il consacre sa fille Antiope au culte virginal de Vénus, un oracle l'ayant prévenu de la perte de son trône le jour où celle-ci trouverait l'amour. Il se fait proclamer dieu par son peuple et abolit toute trace de religion étrangère. D'ailleurs, pour participer aux fêtes célébrant la destruction du dernier temple élevé à la gloire de Jupiter, Kadmos fait appel aux athlètes de tous les coins de l'Hellade. Il provoque ainsi la colère de Zeus, qui décide de le châtier, et arme, à cette fin, le bras de Kryos, chef des Titans, en lui promettant la libération de ses frères s'il mène à bien sa tâche...

Les Titans est un péplum mythologique mêlé de comédie des plus agréables et qui dépoussière pas mal un genre d'ordinaire si sérieux. Comédie et pas parodie, ce qui conserve tout son intérêt à l'histoire tout en lui donnant un tour sacrément ludique et enlevé. Le récit est mené tambour battant par Tessari, bourrées d'idées (le casque qui rend invisible) et d'énergie (des combats d'un dynamisme euphorisant) avec une direction artistique élégante (seules les scènes aux enfers et la Gorgone sont un peu kitsch) et des effets spéciaux au charme rétro euphorisant.

Loin des colosses bodybuildés qui peuple le péplum italiens, Giuliano Gemma (teint en blond pour l'occasion) dénote pour notre plus grand plaisir est en Kryos. Tel un héros de film de cape et d'épée qui se serait trompé de genre, il est constamment bondissant, moqueur et charmeur, tout en aisance moqueuse. Usant plus de son intelligence que de ses muscles, il évoque plus des héros littéraires roublards comme Bilbo le Hobbit ou encore Cugel L'astucieux plutôt qu’une figure plus imposante et sérieuse.

Si le film s'emmêle pas mal les pinceaux entre la mythologie grecque Tessari évite le kitsch dans la représentation des dieux, celle-ci étant évoquée à travers le dialogue (soulignant ainsi sans l’illustrer leur importance dans le quotidien de ces croyances) où de manière assez discrète hormis une séquence très réussie avec Pluton.

Ennio De Concini, scénariste à qui on doit le renouveau du genre au sein du cinéma italien (il a participé au Ulysse de Camerini, le diptyque Les Travaux d’Hercule/ Hercule et la Reine de Lydie de Pietro Francisi et contribué à des tentatives singulières comme Le Colosse de Rhodes de Sergio Leone ou l’excellent Messaline de Vittorio Cottafavi) semble avoir voulu clairement donner une œuvre en décalage et trouve avec le touche à tout Duccio Tessari le partenaire idéal pour cela. Parmi les très bons moments, toutes les scènes de séduction entre Genma et Jacqueline Sassard sont charmantes notamment grâce à la candeur de cette dernière assez en Antiope inconsciente de son charme.

On saluera également l’énergie des scènes d’actions tel Kryos qui se joue de multiples assaillants en riant (renforçant le sentiment de cape et d’épée transposée dans le péplum) et surtout l'arrivée triomphale des Titans au secours de Kryos pour une grosse baston finale démesurée. L’esprit d’Astérix n’est pas loin lors des combats délirant où l'armée du méchant Kadmos (très bon Pedro Armendriz) est ridiculisée de fort belle manière. Une certaine idée du divertissement à l’état pur.

Sorti en dvd zone 2 français chez René Château mais uniquement en (excellente) vf. Sinon se tourner vers un dvd italien s'il en existe, si un lecteur peut renseigner là dessus éventuellement.

Extrait

Les Aventures du Baron de Münchausen - The Adventures of Baron Munchausen, Terry Gilliam (1988)

2012-01-21T01:04:00.009+01:00

Dans une ville assiégée par les Turcs, une pièce de théâtre conte les aventures du fameux baron de Münchausen. Surgit alors un vieillard, affirmant être le « vrai » baron de Münchausen, faisant un scandale et interrompant la pièce. Horatio Jackson, le dirigeant de la ville, un notable méprisant, l'ignore ; les membres de la troupe le prennent pour un fou. Seule Sally, fille du directeur de la troupe de théâtre, le prend au sérieux. Il lui raconte comment, avec l'aide de ses compagnons Berthold, Adolphus, Albrecht et Gustavus, il a gagné le trésor du sultan, et déclenché ainsi la guerre.

Parmi les romans occidentaux les plus populaires jusqu’à la première moitié du XXe siècle (au point de connaître une première version cinéma orchestrée par Goebbels pour le régime nazi), le roman de Rudolf Erich Raspe est largement tombé dans l’oubli lorsque Gilliam s’attaque à son adaptation en 1988. Münchausen est probablement le plus fascinant des trois films du cycle de l'imaginaire de Gilliam, car élargissant le propos au-delà du simple questionnement sur le rapport entre le réel et l’imaginaire. Totalement identifié à son héros, Gilliam fait définitivement le choix du monde imaginaire. Associant la maîtrise formelle acquise dans Brazil et le foisonnement d’idées de Time Bandits dans un film ayant enfin le budget de ses ambitions, Terry Gilliam livre là un spectacle total.

Dès l’introduction du vieux baron dans le théâtre, le réalisateur esquive l’artifice de la transition et des reflets semant le doute sur la véracité des événements se déroulant sous nos yeux (hormis les acteurs du théâtre ayant les mêmes traits que les compagnons légendaires du baron). Dès l'instant où la petite Sally voit en lui le héros qu’il est, le statut du baron ne se verra plus discuté. Dans Bandits Bandits, l’imaginaire était un moyen d’évasion et dans Brazil, il faisait figure de refuge. Gilliam va plus loin encore ici, en en faisant tout simplement une source de vie. Les manifestations saisissantes – traque incessante de la mort –, les alternances entre vieillissement et rajeunissement du Baron, tout cela se voit provoqué par la croyance absolue dans le pouvoir de l’imaginaire, l’aventure étant un moyen constant d’échapper au temps qui passe, au poids du destin.

Tourné à Cineccittà et composé d’une équipe technique parmi les meilleures d’Italie (dont le grand Dante Ferreti aux décors, et Michele Soavi à la seconde équipe), Münchausen s’approprie et réinvente l’esthétique des plus grands visionnaires du cinéma d’évasion. On pense évidemment à Méliès lors du voyage dans lune, au Pinocchio de Walt Disney durant l’épisode de la baleine, le tout régulièrement bousculé par l’humour de Gilliam, telle la prestation hilarante d'Oliver Reed en Vulcain.

L’ombre de Fellini plane dans ce foisonnement visuel et exubérant, Gilliam troquant l’ambiance décadente du maître italien (malgré une première apparition érotique à souhait d'Uma Thurman) par une euphorie et un plaisir de raconter tout enfantin. Les séquences féeriques sont légions, telle cette danse avec Uma Thurman où l’exaltation permet de poursuivre la valse dans les airs.

La menace des Turcs en filigrane fait le lien d’une narration audacieuse multipliant les saynètes et temps forts indépendants, parti pris qui décontenança grandement le public de l’époque, habitué à une forme plus classique. Probablement le film le plus impressionnant de Gilliam, Münchausen multiplie les prouesses techniques et visuelles dans plusieurs séquences inventives et spectaculaires. On se souviendra longtemps du baron faisant un aller retour dans les airs, projeté par un boulet de canon et se raccrochant à un obus, le tout en étant pourchassé par la mort.

Alors qu’il faudra à Peter Jackson l’armée des infographistes de Weta pour reproduire le même effet dans La Communauté de l’Anneau, Gilliam réalise en live, vingt ans plus tôt, ce travelling arrière insensé sur la rangée de lance de l’armée turque avant la grande bataille finale. Les facultés surhumaines des compagnons du baron provoquent quant à elles des élans outranciers à la Tex Avery (Berthold qui rattrape la balle tirée sur le baron à toute vitesse), qui renforcent le melting pot des inspirations.

La conclusion, révélant que tout était narré par le baron et que l’on n'a jamais quitté le théâtre, laisserait craindre une pirouette malvenue. C’est bien mal connaître Gilliam, qui fait bénéficier le monde réel des exploits accomplis dans celui de l’imaginaire : les Turcs sont partis sans demander leur reste. Quand on croit, tout est réalisable.

Tournage cauchemardesque, budget explosé et échec cuisant au box office, Gilliam paye encore aujourd’hui les excès des Aventures du Baron de Münchausen. Pratiquement aucun projet personnel accepté par les studios depuis 20 ans : l’adaptation de Watchmen, envisagée dès le début des années 90, celle du roman De Bons présages de Neil Gaiman et Terry Pratchett ou encore Defective Detective, le film de science-fiction matiné de film noir écrit avec son ami Charles McKeown.

La mise en images des folies de Gilliam le visionnaire coûte cher et les studios ne sont plus du tout disposés à ouvrir les caisses au wonder boy déchu. Même s’il réalisera encore de grands films, jamais plus il ne retrouvera la verve, l’insouciance et la prise de risque de son cycle de l’imaginaire (Bandits, Bandits, Brazil et ce Münchausen. Le jeu en valait il la chandelle ? Oui, assurément, tant ce maëlstrom de visions folles hante encore les grands enfants rêveurs qui sommeillent en nous. Merci du voyage, Monsieur Gilliam !

Sorti dans une très belle édition collector anniversaire chez Sony avec notamment un making-of édifiant sur le cauchemar que fut le tournage. Et dire que Gilliam connaîtra pire encore par la suite...

Manon - Henri-Georges Clouzot (1949)

2012-01-20T02:11:00.009+01:00

Dans le climat trouble de la fin de l'occupation et des premiers mois de la Libération, les amours passionnées de l'inconsciente et tendre Manon et du jeune et naïf Robert Dégrieux...

Remis en selle par le succès de Quai des Orfèvres après les remous provoqués par Le Corbeau, Clouzot enchaînait avec ce fort étrange film qu'est Manon. Si on devine que le contenu de Manon dû faire grincer quelques dent, on ressent grandement la différence avec Le Corbeau sorti sous l'Occupation où l'écho contemporain du propos sur la calomnie et la délation bien qu'explicite évitait les allusions directes au contexte. Clouzot transpose ici le roman L’Histoire du Chevalier des Grieux et de Manon Lescaut dans une France au lendemain de la Libération.

L'intérêt est donc de voir en arrière-plan de la relecture du récit classique le portrait peu reluisant que le réalisateur fait du pays. Les bas-instinct et les rancœurs longtemps contenues explosent dès la sordide scène de lynchage dont réchappe Manon mais dont nous seront néanmoins témoin de la violence, à distance avec d'autres femmes du village promenée nues et tondues.

Lorsque le couple Degrieux/Manon s'enfuit à Paris, le visage de la capitale semble tout aussi vicié par le passage des allemands. Les profiteurs enrichi du marché noir circulent librement et flambent au grand jour tandis que le reste de la population végète. A l'image du personnage corrompu de Serge Reggiani, les magouilleurs à la petite semaine sont également plus préoccupés par leur réussite personnelle dans des affaires douteuse que par la reconstruction du pays.

Tous ses éléments se définissent à travers la tumultueuse relation entre Manon et Degrieux. Dès le départ, l'équilibre du couple semble ténu entre la candeur romantique et une vraie noirceur. Outre la rencontre déjà discutable où Degrieux sauve Manon du lynchage, la scène de coup de foudre est trop soudaine (et plus semblable à du désir qu'à de l'amour) et maladroite, Clouzot exprimant d'emblée la fragilité de cette relation par le regard inquisiteur des figures religieuse de l'église où a lieu cette première étreinte. Enfant de l'Occupation qui a connu la pauvreté et les privations (et dont il est sous-entendu qu'elle a frayée avec des soldats allemands), Manon (Cécile Aubry) veut désormais tout et tout de suite.

L'argent, les fêtes, les beaux appartements et la grande vie quitte à trahir plus d'une fois l'homme qu'elle aime. Degrieux représente aussi une forme de renoncement puisque ancien résistant, il reniera ses principes et tout amour propre par sa folle passion pour Manon dont il doit assurer le train de vie pour ne pas la perdre. C'est un Paris des bas-fonds, vivace avant-guerre et le seul à prospérer sans changer ses habitudes qui est montré là entre maisons closes luxueuses, séduction des uniformes au pouvoir par intérêt les officiers américain remplaçant les allemands, trafics de vin et cigarettes toujours aussi vivace. Clouzot dresse un portrait cinglant de cette population qui semble mieux accepter ce regard sans concession au vu de l'accueil critique du film, Lion d'or à Venise et lauréat du Prix Méliès en France.

Si la toile de fond est passionnante, on ne peut en dire autant de la trame principale. Le scénario ménage tout ce qu'il faut d'ambiguïté, de romantisme sincère et de cruauté mais ne captive pas la faute au manque de charisme des interprètes. Michel Auclair exprime une vraie fragilité mais son jeu est trop unilatéral et monolithique pour susciter un vrai intérêt. Pour le coup Serge Reggiani parfait en grand frère escroc aurait bien mieux su pousser la nature pathétique et humiliante de Degrieux. Pour Manon il aurait également fallut une actrice captivante capable d'égale manière d'exprimer la fragilité et l'égoïsme du personnage, détestable et attrayante à la fois.

Cécile Aubry avec son physique étrange et séduisant de femme enfant (que Clouzot exploite bien mieux que le pauvre Henry Hathaway qui ne sut qu'en faire sur La Rose Noire) est plutôt à l'aise en mauvaise fille attirée par la lumière mais trop maniérée et forcée dans les scènes sentimentales. Cela marche parfois vu le double jeu et les multiples trahisons de Manon mais hormis la belle scène où elle traverse tout un train pour retrouver Robert, pour le reste on est plus atterré qu'ému par cette romance. La narration en flashback (pour les trois quart du film) rate ainsi le coche puisque l'on a du mal à comprendre la compassion du capitaine du bateau pour le couple après un tel récit. Dans un registre voisin, Mylène Demongeot était autrement plus convaincante dans L'Inassouvie de Dino Risi, assez proche du Clouzot.

La dernière partie est à l'image des défauts et qualités de ce qui précède. Un aspect historique captivant et peu vu à l'époque avec l'arrivée de la diaspora en juive en Israël (et l'accueil sanglant qui annonce des décennies de conflits) qui perd de sa force par la présence du couple. La conclusion s'avère ainsi particulièrement interminable (malgré la beauté formelle des séquences de traversée du désert) avec un pathos bien lourd et forcé qui échoue dans sa tentative de transcender le destin des personnages.

Sorti en dvd chez SNC M6 Vidéo

Extrait

Brazil - Terry Gilliam (1985)

2012-01-19T00:08:00.004+01:00

Sam Lowry, fonctionnaire modèle d'une mégapole étrange, à la fois d'hier, beaucoup d'aujourd'hui et tout à fait de demain, a des problèmes avec sa maman et avec l'Etat, tout puissant. Pour couronner le tout, des songes bizarres l'entraînent chaque nuit sur les ailes d'Icare, à la recherche d'une jeune femme blonde, évanescente, inaccessible. Chaque fois qu'il est sur le point de l'atteindre, leurs trajectoires se séparent et le songe s'interrompt cruellement.
Pourtant une nuit, la belle Jill Layton entre dans sa vie...

Bien que le film soit sorti en 1985, le tournage de Brazil durant l'année 1984 était un signe pour ce qui reste la meilleure adaptation (officieuse) du roman de Georges Orwell, en dépit de l’honnête illustration qu’en tira Michael Radford lors de cette même année symbolique. Le scénario, co-écrit avec Tom Stoppard et Charles McKeown (rôle secondaire chez les Pythons, dont le plus fameux est l’imitateur de bruits de sabots à l'aide de noix de coco dans Sacré Graal ; collaborateur essentiel de Gilliam dans les années à venir, il tiendra un des premiers rôles de Münchausen), est la manifestation la plus accomplie du bouillonnement d’idées agitant le réalisateur depuis des années.

Le court métrage The Crimson Permanent Assurance, qui servait de préambule à l’ultime film des Monty Python, Le sens de la vie, contenait déjà tous les germes de Brazil. On y voyait de vieux fonctionnaires oppressés par leur supérieur, contre lequel ils finissaient par se rebeller. Brazil nous dépeint, à l’échelle d’une société entière, le même genre d’administration, froide, rigoureuse et inhumaine. Une des premières scènes, kafkaïenne en diable, navigue donc entre drôlerie la plus complète et noirceur absolue, illustration brillante de l’effet papillon.

Un fonctionnaire maniaque s’acharne à pourchasser une mouche dans son bureau et, ce faisant, commet une erreur administrative aux conséquences dramatiques, provoquant une série de réactions en chaîne : arrestation arbitraire effectuée par erreur et entrée en scène du héros Sam Lowry. Ce dernier reste à ce jour le personnage le plus attachant de la filmographie de Gilliam.

Fonctionnaire blasé végétant dans un poste indigne de ses talents, Sam Lowry traverse son quotidien terne et monotone comme un fantôme, pour ne réellement exister que la nuit venue, dans des rêves à l’imaginaire extravagant dont il est le héros. Contrairement à Time Bandits, la nuance entre le réel et l’imaginaire n’est ici jamais remise en cause.

L’opposition entre les rêves foisonnants de Lowry et l’esthétique austère, entre Metropolis et le film noir des années 40 (esthétique déjà datée à l’époque, en comparaison d’un Blade Runner et renforçant ainsi le caractère métaphorique du cadre du récit), est suffisamment marquée, les transitions de l’un à l’autre suffisamment brutales pour ne pas provoquer la confusion volontaire du film précédent ou du Münchausen à venir.

Cependant, alors que dans Bandits Bandits des éléments du réel venaient s’insérer et influencer le monde imaginaire, c’est ici l’inverse qui se produit, à travers le personnage de Jill. Princesse à sauver et symbole d’amour absolu dans les rêves de Sam, la rencontre de son équivalent dans le monde réel va l’inciter à ne plus seulement survivre, mais vivre pour mériter l’attention de cette femme.

C’est lors des échanges entre ces deux-là que le film trouve charme et légèreté, respirations bienvenues face à tant de noirceur. L’échange dans le camion où la maladresse touchante de Sam finit par avoir raison de la dureté de Jill, ou encore le moment où celle-ci subjugue Sam en arborant littéralement l’image qu’il se fait d’elle dans ses rêves, figurent parmi les séquences les plus émouvantes. Dans Brazil, la puissance de l’imaginaire n’est plus seulement un moyen d’amener du piquant à son quotidien, mais une des forces incitant à le bouleverser. C’est par amour pour Jill que Sam va se rebeller contre le système et bouleverser sa mécanique bien huilée.

Les embûches sont diverses, dans ce monde de plus en plus cauchemardesque, allant du tentaculaire Ministère de l’Information à la malveillance de techniciens trop zélés. C’est dans la menace terroriste que Sam trouvera son seul allié et mentor, en la personne de l’agent du désordre Tuttle, joué par Robert De Niro (présent grâce à Arnon Milchan, qui produisait parallèlement La Valse des pantins de Scorsese).

La dernière partie est la seule à jouer ouvertement du mélange imaginaire / réalité, mais avec suffisamment d’emphase (la spectaculaire évasion de Sam, trop belle pour être vraie, les retrouvailles avec Jill) et de symbolique (le mentor Tuttle noyé sous la paperasse, tous les bâtiments représentant le pouvoir et l’oppression détruits) pour ne pas être dupe. Le but n’est plus d’égarer la perception du spectateur, mais de définir le rêve comme ultime refuge face à la cruauté du monde réel. Sam l'a bien compris, rejoignant en songe son amour tandis que son enveloppe physique succombe à la torture. Avec ce second film de son cycle de l'imaginaire (qu'il concluera en apothéose avec Les Aventures du Baron de Münchausen), Terry Gilliam signait son premier chef d'oeuvre.

Sorti en dvd zone 2 français cez Fox. Mais pour avoir une édition à la hauteur, se pencher vers le zone 1 Criterion qui revient longuement sur le conflit de production du film et propose même plusieurs montages alternatifs très étonnants.

Ceux de chez nous - Millions like us, Sidney Gilliat et Frank Launder (1943)

2012-01-18T02:02:00.007+01:00

Lorsque Celia Crowson est mobilisée, elle rêve de gloire militaire, mais c'est une jeune femme célibataire et, dès lors, elle est orientée vers une usine fabriquant des pièces d'avion. Là, elle fait la connaissance d'autres jeunes filles de tous horizons, et entame une relation avec un pilote…

Millions like us est un grand mélodrame typique de ce qu'on associe au récit de home-fronts dramas surtout vivace durant la Deuxième Guerre Mondiale et où on s'attarde sur le quotidien des civils en temps de guerre. Dans le cinéma américain le plus connu serait sans doute le beau Since you went away de John Cromwell (1944) et ici du côté anglais l'aspect film de propagande s'avère nettement plus prononcé. Les films de Powell/Pressburger et le cinéma anglais de cette période l'ont prouvé, cela n'empêche absolument pas de délivrer des oeuvres intéressantes et réussies, ce qui est exactement le cas ici.

L'aspect propagande se fond finalement très bien dans la progression dramatique de la trame et avec les thèmes évoqués grâce au scénario équilibré de Sidney Gilliat et Frank Launder. Millions like us est le premier film des deux acolytes qui ont surtout brillé jusque là en tant que scénaristes pour des titres aussi remarquables que Une femme disparaît, sa vraie fausse suite Train de nuit pour Munich de Carol Reed ou pour revenir à Hitchcock La Taverne de la Jamaïque. Ils franchissent donc le pas pour passer à la réalisation ici et fondent par la même occasion leur société de production Individual Pictures.

Le film s'ouvre sur le grand départ de la famille Crowson pour la côte sud de l'Angleterre en ce tout début de guerre. Parmi eux Celia (Patricia Roc) jeune fille timide et réservée qui vit dans l'ombre de ses deux soeurs aînées dont la très séduisante Phyllis (Joy Shelton)., ce qu'on constate dès une courte scène dans un dancing où elle est laissée à son sort tandis que les prétendants se disputent Phyllis. La contribution à l'effort de guerre sera l'occasion pour Celia de s'émanciper et voler de ses propres ailes lorsqu'elle.

Ses rêves de gloire tournent court pour cause de célibat et elle est orientée vers une fabrique de pièce d'avions. On sent vraiment le brio de l'écriture du duo croque avec tendresse cette petite famille à travers le père bougon attachant (Moore Marriott), les deux soeurs et un Patricia Roc parfaite de candeur et d'innocence tel ce fondu qui la voit fantasmer un destin d'infirmière de choc ou d'assistante chevronnée de pilote avant de déchanter pour une plus modeste condition d'ouvrière d'usine.

Quitter son foyer pour ces nouvelles responsabilités l'amènent à mûrir en rencontrant d'autres jeunes femmes d'horizon divers, mais aussi à rencontrer l'amour avec une jolie romance avec un jeune pilote (Gordon Jackson). Là encore on a un éventail variés de figures féminines parmi les ouvrière, tous marquants quelque soit leur temps à l'écran. D'ailleurs si l'histoire d'amour entre Celia et son pilote est charmante (cette entrevue empruntée à l'extérieur du bal, les petites disputes d'incompréhension) on est finalement plus intéressé par celle plus piquante entre l'ouvrière snob peu coopérative Jennifer (Anne Crawford) et le contremaître psychorigide incarné par Eric Portman.

On évite ainsi de tomber dans la niaiserie béate avec deux visions de rapprochements possible complémentaire, que ce soit des de jeunes gens découvrant la vie ou des adultes aux mondes différents que le contexte amène à se lier. Le jeu amoureux entre Portman et Anne Crawford durant le bal ou les échanges vachards à l'usine amènent ainsi une agréable touche de screwball comedy, la jeune snob hautaine étant progressivement séduite par la poigne de fer de cet homme (feignant d'être) insensible à ses charmes.

Gilliat et Launder par ses petites touches et cette description du quotidien humanisent magnifiquement leur personnages tandis que l'arrière-plan funeste ne s'estompe jamais vraiment. La touche documentaire (les séquences en usine, les scènes de bombardements, les rondes, issues des images militaires réelles) est toujours soumise aux réactions des personnages, favorisant ainsi l'identification.

On tremble avec les ouvrières réfugiées dans leur local durant les bombardements, la bande son saturées d'explosions et de bruits de moteurs d'avion vient constamment rappeler à Celia le danger que cours l'homme qu'elle aime. Plus symboliquement, la dernière partie voit le couple en voyage de noce revenir à l'hôtel où s'était réfugiée la famille en début de film et désormais seul un bâtiment s'élève au milieu des décombres qui constituait le quartier. Sans un mot, les ravages matériels et humains du conflit sont montrés avec pudeur.

Après une douloureux rebondissement, ce dur labeur dédié à la nation apparaît comme le seul refuge provisoire de ces femmes courageuses dans une magnifique dernière scène où elles entonnent Waiting at the Church en écho à un moment plus heureux du film où elle était déjà chantée. Une belle conclusion mélancolique mais qui ragaillardit par sa notion de courage et assimile parfaitement la volonté de propagande à l'émotion réelle de l'histoire. Un film comme A Canterbury Tale est certainement plus complexe sur ces même questions et Gilliat délivrera une oeuvre bien plus aboutie sur des thèmes voisins dans l'excellent Waterloo Road. Cela n'enlève rien au mérite de ce très beau film qu'est Millions like us.

Sorti en dvd zone 2 anglais et dépourvu de sous-titres anglais

Extrait

Le Dernier Train du Katanga - Dark of The Sun (ou The Mercenaries), Jack Cardiff (1968)

2012-01-17T01:24:00.005+01:00

Le Capitaine Curry est un mercenaire engagé cette fois par le nouveau président du Congo à peine sorti des colonies, pour aller chercher le stock de diamants d'une compagnie minière étrangère ainsi que des ressortissants occidentaux sur une région contrôlée par les rebelles. Il a à sa disposition une quarantaine de soldats dirigé par un ancien nazi dont il n'a aucune confiance, et son fidèle bras droit et congolais d'origine, le caporal Ruffo...

Après la tonalité intimiste et le romantisme d’Amants et Fils, on n’attendait pas Jack Cardiff dans un registre aussi brutal que ce féroce Dernier train du Katanga. Le film nous plonge dans un contexte peu traité à l'époque, les guerres civiles et ethniques africaines à l’heure de la décolonisation des 60’s, sur fond de chasse aux diamants (ici inspirés des réels évènement survenu au Congo belge). On peut le rapprocher du récent Blood Diamond d’Edward Zwick qui bien que relativement efficace paraît bien gentillet à côté.

L’histoire narre la mission d'un commando chargé de remonter la jungle en train afin de récupérer un stock de diamants et (accessoirement) sauver un groupe de civils prisonniers des rebelles. Le ton est posé d'entrée avec un président du Congo qui s'avère un infâme dictateur cherchant à asseoir son pouvoir et briser la révolte naissante, cela avec l'assentiment et l'aide logistique de grands industriels européens pour peu qu'il puisse les fournir les diamants.

Le film dégage un constat très noir sur l'humanité qui ne se dément pas avec la description des militaires. Rod Taylor (vu en fiancé de Tippi Hedren dans Les Oiseaux et habitué des rôles de barbouze Tarantino lui réservera d’ailleurs une apparition dans son Inglorious Basterds) trouve le rôle de sa vie avec ce mercenaire dur à cuire, revenu de tout et uniquement motivé par son salaire.

Il évite d’être rendu détestable par son amitié avec Ruffo (excellent Jim Brown pas loin du rôle de sa vie aussi) soldat humaniste et désintéressé. Cette relation entre l’archétype du mercenaire et un autochtone éduqué et engagé est un des point les plus passionnants et fouillés du script de Ranald MacDougall (adapté d’un roman de Wilbur Smith). La description de l'armée congolaise est des plus cinglante également puisqu'on peut y trouver les pires ordures du moment qu'elles sont compétentes, dont un glaçant ancien nazi incarné par Peter Carsten.

Comme souvent avec le film de chefs-opérateurs, c'est visuellement somptueux et Cardiff filme les profondeurs insondable de cette jungle avec maestria tout en nous livrant des morceaux de bravoures aussi haletant que barbares. Le film surprend voire choque carrément par sa violence et sa sauvagerie mettant tous les camps dos à dos. Entre les enfants mitraillés, les massacres des troupes rebelles sur les occidentaux montrés dans toutes leur sauvageries et l’odyssée meurtrière finale de Rod Taylor. Le Dernier train du Katanga est un voyage au bout de la nuit qu’on n’oublie pas.

Rarement les guerres ethniques d’une Afrique faussement émancipée et sous le joug économique des occidentaux n’aura été montré aussi crûment. Bien évidemment on est avant tout devant un gros divertissement d’aventures et les raccourcis simplistes sont légions mais l’audace est bien là malgré tout. Le film est palpitant de bout en bout avec des moments d'action furieux dont retiendra le montage alterné haletant du hold-up des diamants et surtout l’affrontement (qui orne l’affiche mythique) entre Rod Taylor et le nazi armé d’une tronçonneuse !

L’émotion parvient néanmoins à surgir dans ce déluge de testostérone lors du final magistral. Rod Taylor y montre enfin son humanité de manière bouleversante, avant de céder à ses instincts les plus sanguinaires lors d'un mano à mano final d'anthologie et filmé au cordeau par un Cardiff très inspiré. Après avoir assouvi sa vengeance de façon pire encore que les brutes qu’il combat, l’heure est à la rédemption et l’apaisement pour notre héros.

Un grand classique du film d’aventures et une des grandes réussites de la trop mince carrière de réalisateur de Jack Cardiff. Malgré la violence prononcée, c’est pourtant bien dans un montage censuré qu’est le plus connu le film. Le montage originel était parait-il plus sauvage encore notamment la vengeance finale de Taylor virant au cannibalisme tandis que le grand massacre des otages multipliait les excès. Une version rarissime semble-t-il puisque uniquement diffusée par Tarantino (grand fan du film) dans un festival au début des années 2000 et issue d’une copie personnelle. Vu ce qui est conservé on n'ose imaginer le contenu de ce montage qu'on ne verra probablement jamais...

Longtemps introuvable, le film est sorti depuis peu en zone 1 dans la collection Warner Archives et donc sans sous-titres.

L'Engrenage fatal - Railroaded!, Anthony Mann (1947)

2012-01-16T01:13:00.004+01:00

Le hold-up d’une salle de paris clandestins tourne mal et un policier est abattu. Un coupable « idéal » est arrêté. L’inspecteur Ferguson mène l’enquête qui le mène vers un redoutable assassin.

Railroaded! s'inscrit dans la série des nombreux films noirs de série B dans lesquels se révéla Anthony Mann à la fin des années 40 avant d'accéder à des budgets plus prestigieux et montrer son brio dans d'autres genres tel le western dès la décennie suivante. Sans être aussi réussi qu'un Marché de Brute ou La Brigade du suicide, Railroaded! s'avère néanmoins tout à fait digne d'intérêt. Adapté d'un roman de Gertrude Walker, le film s'inspire néanmoins d'un fait divers commun au Appelez nord 777 d'Henry Hathaway (en tout point supérieur) avec le récit d'un accusé à tort du meurtre d'un policier au début des années 30 et qui après enquête fut finalement innocenté. La Fox menaça de procès la petite compagnie et Anthony Mann dû retourner de nombreuses scènes pour que la parenté entre les deux films soit moins prononcée.

Passée une remarquable ouverture sur un hold-up film avec sécheresse et efficacité par Mann, tous les aspects attendus d'un tel pitch sont abordés avec un minimum de conviction et d'implication. Malgré le soin apporté à l'intrigue policière (ou on retrouve dans une bien moindre mesure le côté documenter de T-Men pour l'aspect "police scientifique"), le fade faux coupable dont on ne s'occupe guère (Steve Ryan), sa très gironde sœur cherchant à l'innocenter (Sheila Ryan) et le flic propret menant l'enquête (Hugh Beaumont) manquent singulièrement de charisme et les scènes sont trop convenues et plates peinent à susciter l'intérêt.

L'attention de Mann ici est ailleurs, du côté obscur et trouble du personnage de tueur incarné par John Ireland (et dans une moindre mesure sa séduisante et torturée acolyte jouée par Jane Randolph étonnant sosie de Nicole Kidman très perturbant !). Le faciès sournois, sadique et inquiétant Ireland ajoute également toute une dimension fétichiste à son personnage. Celui-ci passe ainsi tout le film à caresser langoureusement le canon de son arme (dans un sous-entendu sexuel bien appuyé) dont il parfume carrément les balles et chacun de ses meurtres violents voit son arme tonner comme dans une explosion orgasmique frappante.

Mélange de calme menaçant et de tension prête à exploser, John Ireland confère un côté pulsionnel instinctif au film qu'il vampirise totalement. On arrive ainsi à tolérer ce qui est tout de même une énorme incohérence : pourquoi donc au lieu de faire profil bas ce tueur va-t-il conter fleurette avec la sœur de celui qu'il veut faire accuser à sa place ? On a la réponse un peu plus tôt dans une scène chargée de tension sexuelle où Ireland observe la Sheila Ryan de l'accusée se battre avec la principale témoin du meurtre. Tandis que les deux femmes se débattent en arrière-plan, Mann montre la silhouette d’Ireland jouissant littéralement du spectacle dissimulé dans un coin de l'appartement. Ainsi excité par la hargne de cette femme à innocenter son frère, il va donc tenter séduction risquée.

Ces facettes sortent Railroaded! des lieux communs du genre et le tout s'avère remarquablement filmé par Mann (outre le hold-up d'ouverture la confrontation finale est bien tendue bien que trop brève) avec une superbe photo de Guy Roe (et pas John Alton comme souvent) aux noirs profonds qui ne rendent que plus inquiétantes les apparitions de John Ireland. Bon petit film noir donc même si Mann a fait mieux dans le genre.

Sorti en dvd zone 2 chez Bach Film, et comme ce n'est pas forcément toujours le cas avec cet éditeur on signale que la copie est très bonne en plus.

Extrait

Bandits, Bandits - Time Bandits, Terry Gilliam (1982)

2012-01-15T15:09:00.006+01:00

Une nuit, un petit garçon reçoit la visite de six nains très malins qui l'entraînent dans un voyage fantastique à travers le temps. Ainsi, l'enfant remonte à l'époque de Napoléon avant de se retrouver dans la forêt de Sherwood avec Robin des bois, puis de vivre l'aventure du Titanic.

Après Jabberwocky, première réalisation hors du giron des Monty Python, Gilliam a déjà Brazil en tête. Toutes les portes se ferment malheureusement devant l’ambition du projet et le nom encore peu porteur du réalisateur. En réaction au ton sombre de Brazil, Gilliam a alors l’idée d’un film d’aventure adoptant le point de vue d’un enfant. Il convoque son compère des Monty Python, Michael Palin, pour co-écrire le scénario, dont le principe du voyage dans le temps et foules d’idées délirantes emballent immédiatement les décideurs de Handmade Films (société de production détenue en partie par le Beatles George Harrison, véritable mécène des Python).

Bandits Bandits montre un Gilliam en train de chercher son style et de définir ses thèmes. Jabberwocky, brouillonne mais sympathique adaptation d’un récit de Lewis Carroll, était encore très fortement imprégné de l’esprit des Monty Python et ce second film sera pour le cinéaste celui de l’émancipation, cette dernière se faisant clairement sentir au fil de l’avancée de l’intrigue. Ainsi passée la fulgurante introduction, les premiers sauts dans le temps évoquent l’ambiance farceuse typique des Python. Napoléon (génialement campé par Ian Holm) devient donc un nabot caractériel obsédé par la taille de ses adversaires, tandis que le Robin des Bois de John Cleese est un savoureux dandy plein de condescendance.

Le film trouve son ton et respecte réellement son parti pris à partir de la rencontre avec Agamemnon, auquel Sean Connery prête toute sa noblesse. La présence de l’acteur écossais incite à plus de retenue et se dessine ainsi un joli rapport père / fils entre le jeune héros et le roi Agamemnon. Gilliam admettra d’ailleurs par la suite que cet instant le força à ne plus systématiquement aborder ses récits sous l’angle de la distance et de l’ironie, les poignantes conclusions de Brazil ou de L’Armée des douze singes venant confirmer la portée de ce pas en avant décisif.

Le scénario distille, parallèlement à la grande aventure, toutes les problématiques qui seront plus approfondies dans la filmographie de Gilliam, et en particulier les deux autres volets de ce qu'on peut qualifier chez lui de cycle de l’imaginaire (Brazil, Les Aventures du Baron de Münchausen). L’apathie des masses et le pouvoir des médias notamment, fondamentaux dans Brazil, s’illustrent ici par l’attitude passive et les conversations creuses des parents de Kévin au début du film, plus sensibles au dernier produit électroménager à la mode qu'à leur fils. Le jeu de miroir, la perte de repères entre le rêve et le réel sont également exprimés, avec divers indices qui laissent à penser que l’aventure que vit Kévin est issue de son imagination.

Le décor de l’antre du méchant David Warner, lors de l’affrontement final, comporte plusieurs éléments aperçus dans la chambre du petit garçon et certains renforts comme les chevaliers sont des manifestations grandeur nature de ses jouets. Les passages de certains personnages du monde imaginaire au monde réel entretiennent également la confusion, tel David Warner prenant les traits du présentateur télé ringard du jeu suivi par les parents de Kévin, ou encore l’apparition surprise de Sean Connery en pompier héroïque. La fin ouverte laissant la question en suspens : rêve ou réalité ?

Hormis quelques saisissantes contre-plongées à la Orson Welles (l’affrontement entre Agamemnon et un ennemi à tête de taureau, l’apparition du cavalier dans la chambre de Kévin), la réalisation de Gilliam dans Bandits Bandits est encore très classique dans ses cadrages et ses mouvements de caméra. Cependant, le réalisateur y démontre sa capacité à faire des miracles avec des budgets dérisoires, le film paraissant avoir coûté bien plus et regorgeant d’idées folles. L’ambiance antique du royaume d’Agamemnon, le naufrage du Titanic ou les guerres napoléoniennes sont traversés avec une énergie trépidante dans une suite de péripéties délirantes, en particulier la dernière partie, dans le « Territoire des légendes ».

La séquence de la découverte du palais du méchant, née d’une contrainte budgétaire, s’avére des plus impressionnantes. Le casting des nains est des plus réjouissants et comprend entre autre David Rappaport (futur héros de la série tv « Le Magicien »), Kenny Baker (l’homme qui se cache dans la cuirasse de R2D2) et Jack Purvis (qui sera également des aventures Brazil et Münchausen).

L’irrévérence typique du réalisateur s’exprime par intermittence dans une conclusion parmi les plus osées dans un film pour enfants (genre dont il semble être une des plus belles réussites) et surtout par la représentation de Dieu – so british – sous les traits de l’acteur Shakespearien Ralph Richardson, renvoyant au Michael Powell d'Une question de vie ou de mort ou aux œuvres du studio Ealing. Enorme succès au box office américain, Time Bandits va permettre à la production de Brazil de se mettre en route.

Sorti en dvd zone 2 français chez Studio Canal dans une très belle édition collector

Spartacus - Spartaco, Riccardo Freda (1952)

2012-01-13T00:01:00.008+01:00

Vers 75 avant J.C., les Romains ont conquis la Thrace et ramènent à Rome des prisonniers, dont Amitys, fille d'un chef thrace tué, et Spartacus. Celui-ci est envoyé dans une école de gladiateurs. Il s'en évade avec plusieurs compagnons d'infortune, emmenant avec lui Amitys dont il s'est épris, et bientôt conduit une révolte d'esclaves contre les Romains...

Spartacus est un film précurseur puisqu’il s’aventure dans le péplum bien avant le Ulysse de Mario Camerini (1953) et surtout le premier Hercule de Pietro Francisi qui relanceront complètement le genre au sein de la production italienne (où il fut très populaire durant le muet ou encore le cinéma des « Téléphone Blancs »). Riccardo Freda aura un impact similaire quelques années plus tard en ranimant l’épouvante gothique avec Les Vampires. La touche serial de typique du réalisateur s'exprime d’ailleurs d'emblée avec une intrigue nettement plus fantaisiste que la définitive future version de Kubrick.

Spartacus est donc ici au départ un décurion romain enrôlé de force (on sait que Spartacus fut auxiliaire dans la légion Romaine mais pas à des grades si élevé) qui en s'opposant à un supérieur qui molestait une femme est rétrogradé au rang d'esclave. La première partie est sous haute influence du péplum hollywoodien, en particulier les œuvres de Cecil B. DeMille. Freda se délecte à opposer la débauche de la société Romaine corrompue, entre d'orgies et autres écarts divers à la condition difficile des esclaves.

Le fait d'avoir un Spartacus partagé entre le plaisir de la chair symbolisé par la vénéneuse Gianna Maria Canale (future reine du péplum spécialiste des rôles de méchante tentatrice, elle retrouvera Freda dans l’excellent Théodora Impératrice de Byzance, mais aussi Les Vampires) et Ludmila Tcherina (danseuse étoile reconvertie actrice, plus connue pour ses rôles chez Powell dans Les Chaussons Rouge et Les Contes d'Hoffman) esclave prête à tous les sacrifices pour lui reprend une construction typique des péplums bibliques. La seule différence étant l’absence de dimension religieuse et c’est d’ailleurs une particularité étonnante du péplum italien dans l’ensemble largement plus païen et fantaisiste que son très pieux pendant américains adepte de la grande fresque biblique.

Il faut arriver à mi film pour retrouver l'aspect typique de l'histoire de Spartacus telle qu'on la connaît mais Freda s'avère un peu plus laborieux de ce côté avec notamment un rythme assez poussif. C'est durant le passage à Rome le film est le plus intéressant et extravagant. Les moyens sont là avec une reconstitution somptueuse, des décors monumentaux et quelques moments spectaculaires très réussi comme lorsque Spartacus surgit dans l'arène pour affronter plusieurs lions qui s'apprêtaient à dévorer une esclave.

Malgré une allure imposante, Massimo Giroti est un fade Spartacus et les deux rôles féminins sont bien plus digne d’intérêt, surtout Gianna Maria Canale parfaite en romaine hautaine et égoïste s’humanisant par son mais réel amour de Spartacus. Carlo Ninchi fait également un très charismatique Crassus, et Freda semble se délecter à dépeindre les intrigues de palais du sénat Romain avec quelques répliques assassines fort réussies. Dans l’ensemble on sent Freda bien plus intéressé par ses à-côtés décalés et sulfureux que par son personnage principal (les américains l’on bien saisit, rebaptisant le film Sins of Rome pour sa sortie là-bas). Il trouvera un matériau à sa mesure le bien meilleur et palpitant Théodora Impératrice de Byzance son meilleur péplum.

Sorti en dvd zone 2 français chez Atlas dans la collection Péplums

Extrait ah Maria Giana Canale...

Maria Chapdelaine - Julien Duvivier (1934)

2012-01-12T02:30:00.005+01:00

Au Québec, François Paradis retrouve la civilisation après trois années passées dans la forêt. Maria Chapdelaine est de retour chez les siens, après un mois passé à la ville. François rencontre par hasard le père de Maria, puis celle-ci, pour laquelle il éprouve " du sentiment ". Paradis est heureux de retrouver la rude mais sympathique ambiance des villageois québécois. Les Chapdelaine font la veillée, en compagnie d'Eutrope Gagnon, voisin de la famille, autre soupirant de Maria, mais celle-ci pense à François. Lors d'une autre veillée, Maria rencontre Lorenzo Surprenant, un jeune homme de la ville qui se sent attiré par elle. Eutrope est dépité, et Maria encore plus troublée quand Paradis fait irruption à la même veillée. Plus tard, au cours d'une fête, Maria danse successivement avec ses trois soupirants. La vie s'écoule doucement, avec son lot de fêtes et de labeurs...

Maria Chapdelaine est le film qui voit naître un des grands duos du cinéma français des années 30 avec Julien Duvivier derrière la caméra et Jean Gabin devant pour des films comme La Bandera, Pepe le Moko ou encore La belle équipe. Nous n'en sommes pas encore là et si Duvivier saisit déjà magnifiquement le charisme et la beauté de Gabin, ce dernier tient finalement un rôle assez secondaire et n'est présent que durant la première moitié du film. Duvivier adapte ici le roman éponyme de Louis Hémon, écrivain français alors résident au Québec où il écrivit cette œuvre qui demeure sa plus célèbre et parue après sa mort.

Fidèle au roman, le film est une ode à la vie rurale et sauvage de campagnard québécois à travers la description du quotidien d'une famille. Soucieux d'authenticité, Duvivier par tourner le film au Québec sur les lieux même décrits dans le roman à Péribonka. Malgré quelques allégements nécessaire pour la compréhension, les dialogues se font néanmoins dans le français tel que pratiqué au Québec avec son lot d'accents marqués et d'expression surprenante (pour le spectateur contemporain les multiples Sa mère ! vivement lancés pour dire maman prête un peu à sourire) mais le tout reste parfaitement compréhensible tout en étant imprégné du sceau local.

Il y a plusieurs pistes narratives à grand potentiel dramatique et romanesque dans Maria Chapdelaine mais dont la force se voit constamment atténuée par le récit, notamment (et surtout en fait) le triangle amoureux. La belle et douce Maria (Madeleine Renaud très touchante et vraie star du film) est ainsi partagée entre trois prétendant tous symbole d'un idéal de vie future différent. Eutrope balourd mais vaillant bucheron qui prolongerait son existence actuelle, Lorenzo (Jean-Pierre Aumont) riche garçon de la ville synonyme d'attrait et de peur de l'inconnu et celui pour vers qui toutes ses pensée se porte François Paradis (Jean Gabin) trappeur tout aussi fou amoureux d'elle.

Ces intrigues et questionnements restent pourtant étonnamment en retrait et diffus et Julien Duvivier délivre finalement toutes les clés par la seule force de l'image. Toutes ces choses ne sont que des évènements annexes qui s'inscrivent dans le cycle naturel des saisons et de cette existence rurale. Les travaux fermiers, la cueillette, les repas au grand air ou la rigueur de l'hiver sont décrit avec une minutie quasi documentaire si ce n'était la profonde humanité et chaleur de l'ensemble.

Le réalisateur saisit avec une poésie certaine les habitudes et la solidarité de cette communauté et sa mise en scène caresse avec grâce et emphase les majestueuses contrées sauvages du Québec. C'est bien simple on a très souvent l'impression d'être dans un western : l'entrée dans le champ de Gabin face aux décors forestier traversé par la rivière Péribonka, la traversée en canoë ou encore l'arrivée au village en charrette...

C'est par cette même expressivité dans la réalisation que Duvivier explique finalement les non-dits. La photo (due à Jules Krüger, Marc Fossard, Georges Périnal et Armand Thirard on comprend les étonnants changements d'atmosphère) s'orne d'une teinte blanche immaculée lors des entrevues Gabin/Renaud en pleine nature (l'arrière-plan de la salle de bal qui s'estompe durant leur danse quand elle reste identique lorsque Maria est avec les autres prétendants) , des fondus enchaînés d'images urbaines sur le visage de Marie dévoile sa tentation de la grande ville et le tout atteint des sommets lors de la séquence de noël où plusieurs personnages semblent presque communiquer par télépathie par la grâce d'un montage subliminal.

Sous cette description idyllique, Duvivier semble néanmoins jeter quelques ombres peut-être pas forcément aussi appuyée dans le livre. Derrière le sentiment d'harmonie et de vie paisible en communauté on devine comme une volonté un peu inquiétante de monde en vase clos. C'est la figure inquiétante du curé (Daniel Mendaille) qui fait ressentir cela, entre sa morale inflexible, sa vision de la vie étriquée (il interdit à Marie de pleurer un homme avec qui elle n'était pas fiancée) et les discours patriotiques qu'il tient dans son église sur la fierté d'être québécois et de respecter la tradition en ne s'aventurant pas hors de la communauté.

Plus concrètement, c'est carrément les éléments qui viendront rappeler les risques de cet isolement en provoquant deux morts tragiques. La dernière est la plus marquante lorsque le patriarche veille son épouse agonisante et regrette sa décision d'avoir vécu si loin de tout, sa tirade s'illustrant en montage alterné avec une séquence où le bûcheron Eutrope vante justement leur vie future dans ces lieux à Marie qu'il demande en mariage.

Le final est donc en quelque sorte une forme de renoncement pour une héroïne à la joie de vivre désormais éteinte et résignée. Elle suivra la voir des générations précédentes et jamais elle ne connaîtra autre chose que ces lieux magnifiques mais impossibles à quitter.

Sorti en dvd chez SNC M6 Vidéo

Extrait

Mon homme Godfrey - My Man Godfrey, Gregory La Cava (1936)

2012-01-11T07:48:00.004+01:00

Lors d'une « course aux objets », Irene Bullock — qui appartient à la « haute société » — fait la connaissance d'un aristocrate vagabond nommé Godfrey. Elle le fait engager par sa mère, Angelica Bullock, qui, tel un mécène, entretient Carlo qui se dit artiste. Cornelia, la sœur d'Irène, éprouve rapidement une véritable aversion pour Godfrey, et lorsqu'un collier de perle disparaît, elle tente de le faire accuser du vol.

Au croisement de la pure screwball comedy et récit social grinçant, une étonnante et inventive comédie. Le contexte de la crise des années 30 est au cœur du scénario où sous l'angle de l'humour l'insouciance des nantis face à la misère environnante est passée au vitriol. C'est même par une course à l’objet insolite que l'on découvre notre héros sans abris Godfrey qui accepte d'être désigné comme trophée pour le bon loisir des riches. Un concours de circonstances l'amène à devenir le majordome au sein de la famille de sa "mécène" Irene Bullock et d'ainsi côtoyer de près la folie de la haute société.

Gregory La Cava assène ainsi un rythme éreintant truffé de situations loufoques (le cheval dans la bibliothèque, Carlo imitant le gorille) et de personnages délirants à travers les membres de la famille Bullock. La mère de famille (Alice Brady) écervelée et superficielle entretenant un pseudo artiste, une fille aînée (Gail Patrick qui retrouvera La Cava dans le beau Pension d'artistes) séduisante mais aussi vénéneuse qu'un serpent et un père dépassé mais qui laisse faire et paie toujours les dégâts.

Même la très attachante Irene (Carole Lombard) s'avère être une insupportable gamine capricieuse qui trépigne et boude lorsque les évènements ne tournent pas en sa faveur dont les tentatives de séductions avortées de Godfrey. Carole Lombard est aussi agaçante qu'à croquer et tout comme Godfrey on ne sait trop si on veut la secouer ou l'embrasser, une sorte d'enquiquineuse magnifique. L'alchimie avec William Powell (son ex-mari à la ville) fait constamment des étincelles.

La leçon du film c'est que cette oisiveté détachée n'est pas un point de non-retour grâce au personnage de Godfrey. Une révélation nous apprendra qu'il a lui aussi brûlé la chandelle par les deux bouts en son temps, ce qui l'a conduit à sa misérable situation où on le trouve au début. De cette expérience, il tentera discrètement de ramener cette famille à la raison et finalement contribuer à son tour au bien être de la communauté.

William Powell est absolument parfait de prestance, de bagout et seul figure calme plongée au milieu du chaos ambiant. Sa prestation irrésistible lui vaudra une nomination à l'Oscar. En plus de son rythme enlevé et de ses thèmes passionnants, le film a pour lui un soin plastique marquant avec la belle photo de Ted Tetzlaff et l'incroyable décor que constitue cette immense demeure bourgeoise. Grande comédie et difficile d'imaginer meilleur fin que ce mariage (presque pas) contraint, génial !

Sorti en dvd zone 2 français chez Wild Side dans la collection Vintage Classic. Pour les anglophones je recommande la très belle édition Criterion en zone 1.

The Shanghai Gesture - Joseph Von Sternberg (1941)

2012-01-10T02:08:00.012+01:00

Shanghaï, enclave internationale, ville paraissant livrée à elle-même, peuplée d'individus de toutes nationalités. Des personnages au nom d'emprunt, au passé secret, évoluent dans un casino luxuriant appartenant à une femme non moins mystérieuse appelée Mother Ging-Sling. Poppy Smith découvre ce lieu fascinant et, sous l'influence d'un Égyptien indolent, plonge dans l'enfer du jeu.

Cependant, le casino est menacé d'expropriation par un milliardaire qui accapare peu à peu le quartier. Mother Ging-Sling, jouant de ses relations, cherche à découvrir l'identité de l'acheteur pour le faire tomber.

Dix ans après son fameux Shanghai Express, Von Sternberg gouttait à nouveau aux saveurs toxiques du monde oriental avec ce Shanghai Gesture. Il accentue ici les motifs de son classique de 1931 qu'il tire vers plus de noirceur. On retrouve notamment le sentiment de claustrophobie Shanghai Express mais l'ambigüité le situant entre protection et enfermement devient ici un pur enfer étouffant avec le casino. Le happy-end est ici troqué pour un final d'une noirceur absolue et on suppose que c'est sans doute la censure qui a empêché Von Sternberg à ne pas forcer le trait plus encore. La pièce originale de John Colton dépeignait elle carrément une maison close remplacée ici par le casino mais le réalisateur en fait un lieu d'oubli et de perdition tout aussi terrifiant malgré ce changement.

Le casino représente dans un cadre restreint le microcosme de ce qu'est la vision de Shanghai selon Von Sternberg : une Babylone moderne cosmopolite, viciée et dangereuse où seuls les plus corrompus peuvent survivre. Dès la première séquence dans le casino, un plan d'ensemble en plongée parcoure la salle de jeu dépeinte comme un immense magma grouillant de vie, un précipice où l'attrait du vide entraînera la perte des plus faibles. C'est le destin qui attend la malheureuse Poppy (Gene Tierney) jeune femme en quête de sensation qui va connaître une terrible descente aux enfers. Gene Tierney donne une de ses plus troublantes et fascinantes prestation avec cette figure tragique.

La dégradation morale et physique se fera graduellement avec un sens du détail minutieux et pervers de la part de Von Sternberg. Poppy nous apparaît ainsi sûre d'elle et arrogante durant sa première apparition, mais sa coiffure stricte, sa robe élégante mais sobre (dont Victor Mature rabattra le tissu sur son épaule dénudée) et le mot d'esprit de Mother Ging-Sling qui la laissera sans voix montre clairement son innocence et vulnérabilité face à ce monde. Alors qu'elle s'enfonce dans le jeu et les dettes, les robes se font de plus en plus provocantes, les maintiens contenu issu de son éducation laisse place à des poses lascives provocantes (créant un mimétisme avec la dépravée Phyllis Brooks) et symbole ultime elle lâche ses cheveux pour signifier cet abandon à la luxure ambiante. L'actrice n'a jamais été plus vénéneuse et sensuelle (si ce n'est sans doute dans Péché Mortel), irradiant l'écran par ce mélange de séduction et de fragilité.

Le film est aussi le constat d'un impossible rapprochement entre l'Orient et l'Occident. Les européens sont tous dépeint comme hautain et racistes mais les autochtones plein de vices ne valent finalement guère mieux. Le magnat incarné par Walter Huston (parfait de distinction arrogante) fait peu de cas des commerces qu'il fera disparaître pour l'avancée de ses affaires. De son côté Mother Ging-Sling n'hésitera pas à totalement pervertir la fille de son ennemi pour conserver son casino.

L'esthétique force le trait volontairement jusqu'au cliché dans les touches asiatiques marquées et kitsch des décors (Boris Leven sera nominé aux Oscars) et costumes pour souligner la facticité de l'ensemble. On retient ainsi les extravagantes tenues et coiffures de Mother Ging-Sling (Ona Munson) et ses robes au croisement du kimono, de la robe occidentale et de la tenue traditionnelle chinoise, chacune de ses apparitions étant soulignée par un gong retentissant.

Cet orient-là n'est que poudre aux yeux, à l'image d'un incroyable Victor Mature qui transpire littéralement le vice et incarne la figure la plus mystérieuse et manipulatrice du film. C'est la seule figure sans passé, sans vraie nation malgré son accoutrement oriental et ainsi parfaitement représentatif de ce cadre perverti. Ces éléments s'amplifient lors d'un mémorable final où l'argument purement matériel (qui le rapprochait du film noir dépaysant) laisse place à une révélation tragique sur les liens unissant les protagonistes. Le film se conclut alors sur ces même plans du casino enfumé, ce Shanghai monstrueux qui a englouti de nouvelles victimes et continue de respirer.

Sorti en dvd zone 2 français chez Film Sans Frontières dans une copie correct mais pas extraordinaire. Le film devrait être réédité par Wild Side début avril dans une meilleure copie donc patience ou alors se tourner vers le zone 1.

Extrait

Sahara - Zoltan Korda (1943)

2012-01-09T02:17:00.005+01:00

Pendant la campagne d'Afrique, un petit groupe de soldats alliés retranché dans une oasis résiste de manière acharnée aux assauts d'une division allemande assoiffée.

Un film de guerre sorti au plus fort de la Seconde Guerre Mondiale et plus précisément peu après les victoires des Alliés lors de la campagne africaine où nous plonge l'intrigue, ce qui renforce la tonalité de propagande. Le film est inspiré du film soviétique Les Treize (Trinadtsat, 1937) de Mikhaïl Romm (cités au générique) et effectivement on entrevoit vaguement comment les vertus de collectivité associée au communiste ont pu être transposée dans un film de guerre de propagande. Pratiquement toutes les nations engagée dans le conflit participent à l'intrigue avec du côté alliés des américains, des anglais, un français et un soldat soudanais de l'armée britannique et en face pour l'Axe les allemands (dont un odieux officier fanatique fait prisonnier et qui sème la discorde) et un italien. Les clichés associés à chaque nationalité sont bien marqués dans la caricature mais on parvient rapidement à dépasser cela grâce à l'intrigue habilement construite.

Alors que l'armée britannique est mise en déroute par les blindés allemands qui viennent de s'emparer de Tobrouk, un groupe de soldat s'associent pour suivre les ordres de replis. On a ainsi une longue odyssée dans un désert du Sahara impitoyable où le groupe devra rester uni pour arriver à bon port. Face à eux une étendue de sable qui semble sans fin, le soleil de plomb et le manque d'eau ainsi que les assauts d'avions allemands pour lesquels ils constituent une cible de choix.

Le film prend ainsi le temps pour rapprocher les personnages dans l'adversité et malgré les clichés on s'attache réellement à eux grâce à diverses petites scénettes et dialogues : les paris des américains sur les réactions du sergent joué par Humphrey Bogart, le dialogue entre l'américain et le soudanais sur la polygamie, le sauvetage du prisonnier italien... Humphrey Bogart domine le casting par son charisme, la droiture et le mystère qui entoure son personnage qui est le seul à ne pas se livrer vie hors de l'armée quand les autres s'épanchent longuement sur leur ville, familles et petites amies...

Le film est ainsi pratiquement construit comme un western et notre unité ne fait plus qu'un lorsqu'arrive le moment de vérité du morceau de bravoure final. Réfugié dans une oasis, les héros vont tenter de retarder une division allemande assoiffée en les dupant sur leur nombre réel. Le long siège est une vraie ode au courage et à l'astuce de ses soldats qui parviennent à tromper et narguer l'ennemi (ce moment où ils se lavent joyeusement face aux allemands envieux et déshydratés) et chaque perte est un déchirement magnifiquement amené par Zoltan Korda.

Celui-ci avait déjà filmé le désert avec une rare puissance dans Les Quatre Plumes Blanches et ici il a une approche bien plus intimiste mais aussi étouffante et menaçante que le film de 1939 plus proche du récit d'aventure ample.On a du beau monde à l'équipe technique qui contribuent à rendre l'ensemble visuellement solide notamment Rudolph Maté à la photo ou encore Eugene Lourie à la direction artistique. On est tenu en haleine jusqu'au bout (et quel score de Miklós Rózsa !) et le final est assez mémorable et inattendu. Très bon donc.

Sorti en dvd zone 2 français chez Sony Columbia

Extrait

Histoire de fantômes chinois - Sinnui yauwan, Ching Siu-tung (1987)

2012-01-08T14:16:00.006+01:00

Ning (Leslie Cheung) est un inspecteur des impôts un peu timide, qui doit se rendre dans des campagnes reculées pour faire son travail. Lors de l'une de ses habituelles tournées, il passe la nuit dans le temple Lan Jou. Il rencontre le taoïste Yen (Wu Ma) et une femme mystérieuse Hsiao-Tsing (Joey Wong). Celle-ci est un fantôme séduisant les hommes pour les offrir à son maître l'arbre démon.

Film emblématique de l’engouement de l’occident pour le cinéma de Hong Kong (avec un peu plus tard The Killer de John Woo), Histoire de fantômes chinois est la première manifestation marquante de la politique d’hybridation de Tsui Hark. Bien que réalisé par Ching Siu Tung (brillant homme à tout faire de la FilmWorkshop et grand chorégraphe d’arts martiaux), on peut largement attribuer le film à Tsui Hark tant il porte son empreinte, sa réputation de producteur omnipotent étant bien connue (nombre de films de la FilmWorkshop signés par d’autres lui sont attribués comme L’Auberge du Dragon).

Le film est l’adaptation de la nouvelle Petite Grâce de Pu Song Ling (grand auteur chinois du XVIIe siècle), issue du recueil de textes fantastiques Liao Zhai (sorti en France sous le titre Chronique de l’étrange, Ed. Philippe Picquier). Celui-ci se caractérisait par des récits confrontant toujours un jeune et innocent lettré à des puissances surnaturelles, bienveillantes ou non et le plus souvent dépeintes sous les traits d’une belle jeune fille. Hormis une conclusion plus tragique, Tsui Hark ne modifie pas outre mesure la trame du texte original. C’est au niveau esthétique que le bouleversement se fera, le réalisateur y définissant pour les dix ans à venir l’imagerie du wu xia pian (film de sabre chinois) et développant les différentes touches qui feront toute la particularité de The Lovers et Green Snake.

L’œuvre de Pu Song Ling avait déjà connu une première version filmée en 1960, The Enchanting Shadows réalisée par Li Hang-Hsiang pour la Shaw Brothers. Par l'apport d'influences diverses et variées, Tsui Hark va respecter et pervertir à la fois le souvenir de cette œuvre fortement imprégnée dans l’inconscient collectif local. Le récit convoque tout le bestiaire démoniaque du folklore chinois : esprits malins, revenants, démons et autres animaux maléfiques.

Comme l’avait déjà démontré Zu et ses effets visuels en pagaille (dûs en partie à l’équipe des Star Wars) Tsui Hark est fortement influencé par la production occidentale (ses études de cinéma aux Etats-Unis le prédisposant plus à l’ouverture que d’autres). Les diverses créatures traversant l’histoire se voient donc attribuer des caractéristiques évoquant notamment les classiques de George Romero et Sam Raimi, La Nuit des morts vivants et Evil Dead.

Les maquillages outranciers des démons, les transformations grotesques du méchant, les travellings agressifs et l’ambiance générale des séquences horrifiques en forêt lorgnent largement sur le film de Sam Raimi. Le tout marié aux séquences martiales chorégraphiées par Ching Siu Tung et aux effets drapés des apparitions/disparitions de Joey Wong, donnera un résultat étonnant, entre grâce absolue et aspect bricolé, alternant les moments contemplatifs et la frénésie débridée.

L’aspect le plus fascinant de Histoire de fantômes chinois reste cependant son mélange de romance et d’érotisme soft. Grand découvreur de talents, Tsui Hark révèle deux immenses stars en devenir du cinéma hongkongais, Leslie Cheung (jusqu’ici chanteur pop cantonais) et la divine Joey Wong. La maladresse et l’innocence du premier associée à l’aura glamour et la beauté éthérée de la seconde offriront de purs moments de grâce romanesque et piquante.

La photo ouatée, les couleurs pastels et la musique envoûtante de James Wong (dont la sublime chanson accompagnant la scène d’amour des héros et ses paroles poétiques traduisant leur fatalité) se mêlent dans l’instant le plus magique du film : dissimulé des démons dans un bac d’eau et manquant d’air, Leslie Cheung est sur le point de se trahir quand Joey Wong à moitié nue lui redonne du souffle dans un baiser passionné. Magique.

Succès relatif à Hong Kong mais au retentissement international certain, Histoire de fantômes chinois connaîtra deux suites avec un deuxième volet plus sombre imprégné du traumatisme de Tian'anmen et un troisième en forme de remake répétant l’histoire cent ans plus tard. Quant à Tsui Hark, après avoir réinventé la forme du conte chinois, il va pouvoir le malmener sur le fond dans Green Snake et The Lovers.

Sorti en dvd zone 2 français chez HK Vidéo dans un magnifique coffret réunissant les trois films.

Waterloo Road - Sidney Gilliat (1945)

2012-01-06T02:41:00.004+01:00

Une jeune femme, délaissée par son mari parti pour la guerre, se console dans les bras d'un mauvais garçon. Averti, le mari s'échappe et poursuit les amants dans les rues de Londres.

Joli film croisant mélo et comédie qui sur fond de triangle amoureux classique offre une vision assez juste du quotidien des anglais sous le Blitz. Tillie Colter (Joy Shelton) est une jeune mariée qui n'a guère eu le temps de gouter aux joies du bonheur conjugal puisque son époux Jim (John Mills) fut mobilisé peu après les noces. Esseulée elle se sent désormais étouffée entre la bienveillance pressante de sa belle-mère et la surveillance permanente de sa belle-soeur qui la soupçonne d'adultère. Ainsi oppressée et malheureuse, Tillie est finalement malgré elle toute disposée à céder aux avances du fourbe séducteur Ted Purvis (Stewart Granger) mais averti le mari fuit sans permission pour connaître le fin mot de l'histoire.

Avec pareil pitch on s'attend forcément à du gros vaudeville et si le film joue parfois dessus le propos s'avère bien plus intéressant. Sidney Gilliat avait déjà abordé le thème des conséquences de la guerre sur une famille anglaise dans son précédent Millions Like Us (déjà avec Joy Shelton) et poursuit sa réflexion ici à l'échelle d'un couple. On découvre ainsi comment l'irruption du conflit a brisé l'élan des jeunes gens, les faisant abandonner leur responsabilités avant qu'ils se montré digne de les assumer et de grandir.

Gilliat exprime sobrement cette idée à travers un court flashback sur le dernier moment heureux commun du couple le jour de leur mariage et leurs timidités et manières empruntées témoignent de leur candeur et d'une complicité qui ne demande qu'à s'installer mais ils n’en auront pas le temps. Le script rend étonnement peu coupable l'adultère potentiel de Joy Shelton (cela va même plutôt loin pour la tatillonne censure anglaise) et justifie ses motifs par le caractère effacé de John Mills. Ce dernier n'a rempli aucun de ses "devoirs conjugaux" en laissant sa femme sans foyer (qui vit donc chez sa belle-famille où elle se sent épiée) ni enfant, ce dernier point soulevant une interrogation sur sa virilité et donc puissance sexuelle puisque symboliquement lorsque tout sera résolu l'épilogue montrera désormais la présence d'un nourrisson au sein du couple.

A l'opposé le coureur de jupon incarné par Stewart Granger déborde de masculinité, autant par son physique imposant (face à la frêle carrure de John Mills) que par ses attitudes désinvoltes envers les femmes. Un aspect bien appuyé par la caractérisation du personnage, ancien boxeur qui se plaît à claquer les fesses de ses futures conquêtes. Face à cette toute puissance, Joy Shelton ne peut/veut pas résister et pour la reconquérir, John Mills devra lui prouver qu'il est désormais un homme, un vrai.

Hormis des inutiles prologues et épilogue nostalgiques avec le personnage de médecin joué par Alastair Sim, l'histoire fonctionne en unité de temps et de lieu dans ce quartier ferroviaire de Waterloo Road. Le rythme se fait trépidant et riche en péripéties où John Mills sillonne le quartier tout en étant traqué par l'armée pour retrouver son épouse avant qu'elle ne commette l'irréparable. On a quelques moments et rencontres amusantes comme ce soldat canadien en fuite également qui va occasionner quelques courses poursuites communes trépidantes avec notre héros mais sous la légèreté, les hurlements des sirènes, le grondement des bombes et les destructions inattendues d'édifices nous ramènent constamment aux temps difficiles que l'on vit alors.

La résolution se fera bien évidemment par une empoignade brutale entre les deux rivaux, filmée avec énergie par Gilliat qui y amènent une émotion inattendue. Ainsi John Mills (excellent comme toujours) sévèrement malmené trouvera les ressources pour se relever par un échange de regard avec sa femme inquiète, aimante et enfin admirative de son homme venu l'arracher des bras d'un autre. Stewart Granger demeure étonnement sympathique malgré la goujaterie de son personnage et on est finalement fort admiratif du trio d'acteur qui dote d'une belle humanité ces héros imparfait et attachant. Vraiment un excellent et riche film bouclé en 1h15 à peine. Ça donne envie de découvrir d'autres films de Sidney Gilliat.

Disponible en dvd zone 2 anglais dans le coffret Stewart Granger sous-titrée anglais et pour le film seul une édition anglaise existe également mais sans sous-titres.

Un million d'années avant J.C. - One Million Years B.C., Don Chaffey (1966)

2012-01-05T00:04:00.006+01:00

L'homme préhistorique Tumak (John Richardson) est banni de sa tribu. Sur sa route, il rencontre la belle Loana (Raquel Welch), qui décide de quitter elle aussi son clan pour l'accompagner sur sa route.

One Million Years B.C. est un très sympathique divertissement qui témoigne de l'évolution de la Hammer dans les 60's qui grâce au succès et à la mue entamée avec She alternait désormais sa production entre bestiaire gothique aventure fantastique plus bariolée. La Préhistoire fantaisiste à la sauce Hammer peut prêter à sourire (rien qu’en faisant côtoyer hommes et dinosaures, les seconds ayant bien sûr disparu s 65 millions d’années avant l’apparition des seconds) le but est plus ici de délivrer un spectacle en enlevé que d’approcher un "véracité" façon La Guerre du Feu et malgré ses contresens volontaire le film est tout sauf ridicule. Le tout début dans la tribu est ainsi barbare et brutal à souhait avec le parti pris très fort de totale absence de dialogues (option qui va en s'estompant au fil du film malheureusement) remplacé par des grognements et cris divers.

Cela amène une sorte de pureté et de simplicité assez agréable au récit qui repose car ainsi essentiellement sur la mise image et également du jeu de mime des acteurs plutôt très inspirés et convaincant. La trame bien que simple et au schéma narratif un peu répétitif (alternance entre moments d'accalmie et arrivée d'une grosse bestiole) parvient ainsi à livrer quelques thèmes intéressant comme l'échange de culture entre Tumak (John Richardson) qui apprendra la paix et la coexistence au côté de Loana (Raquel Welch dont c’est le premier rôle consistant avec Le Voyage Fantastique sorti la même année), cette dernière découvrant l'instinct de survie et l'art de tuer pour se défendre.

Ray Harryhausen (dans un de ses rares projets sans son partenaire producteur Charles Schneer) qui avait montré déjà montré son amour pour les bêtes préhistorique dans ses premiers courts métrages et le projet avorté Evolution (et redonnera dans l’aventure préhistorique dans La Vallée de Gwangi trois ans plus tard) s'en donne ici à cœur joie avec un bestiaires foisonnant porté par des effets spéciaux époustouflants.

Alternant la stop motion parfaitement maîtrisée avec la rétro projection de vrais reptiles devenus gigantesque, le film enchaîne les morceaux de bravoure les plus haletants avec un affrontement de titans entre un T- Rex et un stégosaure, Loana enlevée par un ptéranodon, un féroce duel entre Tumak et un raptor, sans parler de la très spectaculaire éruption volcanique .. C’est certainement à ranger parmi ces travaux les plus aboutis par le souci du détail et l'ampleur.

Don Chaffey (à qui on doit la plus fameuse des productions Harryhausen avec Jason et les Argonautes) livre une réalisation impeccable avec l'efficacité qu'on lui connait, entre décors studios et les impressionnant extérieurs rocailleux (le tournage eu lieu à Tenerife aux Îles Canaries) où évoluent les tribus. Il jongle habilement entre livre des plans d'ensemble naturels et mattes painting embellissant le cadre d’une aura plus irréelle tandis que les divers affrontements s’avèrent bien nerveux notamment le final mémorable. Ce n’est pourtant pas des monstres en tout genre ou de l’avalanche de péripéties que se souviendra le spectateur érotomane.

Effet spéciale à elle toute seule, Raquel Welch affolante tout du long dans son micro bikini en peau de bête gagne définitivement ses galons de sex symbol en s’inscrit dans l’inconscient collectif cinéphile, plus pour ses formes que pour ses talents dramatiques qu’elle aura l’occasion de prouver plus tard. Le plaisir fantasmatique est d’ailleurs à son comble lors d'un combat à main nue entre elle et une Martine Beswick tout aussi peu vêtue. Cette dernière aura même droit à une suite/spin off exploitant le filon avec l’amusant mais anecdotique The Prehistoric Women. Un spectacle des plus agréable donc et très loin de la réputation de nanar que le film se traîne parfois.

Sorti en dvd zone 2 français chez Fox

Rendez-vous - The Shop Around the Corner, Ernst Lubitsch (1940)

2012-01-04T01:49:00.007+01:00

À Budapest, Alfred Kralik et Klara Novak travaillent dans la boutique de maroquinerie de Monsieur Matuschek. Les deux employés ne s'entendent guère. Alfred correspond par petites annonces avec une femme qu'il n'a jamais vue. Il découvre bientôt que cette mystérieuse inconnue n'est autre que Klara, l'employée qu'il déteste au magasin. Sans révéler à celle-ci la vérité, il cherche à se rapprocher d'elle et à s'en faire aimer.

Dans le flot de glorieuse comédie qu’il enchaîna durant les années trente, Ernst Lubitsch connu un de ses rares échecs commercial lorsqu’il daigna fendre l’armure avec le magnifique et plus retenu Ange. Le bien plus enlevé La Huitième Femme de Barbe-Bleue qui suivrait le verrait revenir aux vertus de la si efficace Lubitsch’s touch : sexe, argent et romantisme saupoudré d’un joyeux cynisme. Pourtant les derniers films du réalisateur à partir de Ninotchka (1939) témoignent d’une volonté de bousculer la formule à succès. Sans doute sensible à la situation politique inquiétante en Europe, Lubitsch engage progressivement son propos qui ira de l’audacieuse critique du Stalinisme dans Ninotchka à l’hilarante et féroce diatribe contre le nazisme dans le légendaire To Be or not to Be. Rappelons que ce dernier bien que sorti en 1942 fut tourné avant Pearl Harbor et donc de l’engagement américain dans la Seconde Guerre Mondiale ce qui en fait un réel acte politique (au même titre que Le Dicteur de Chaplin) de la part du réalisateur.

Ce changement chez Lubitsch se manifeste aussi et surtout au niveau du ton et du contenu des films. L’ironie s’atténue pour montrer une sensibilité et une simplicité aux antipodes de la Lubitch’s touch. Les personnages sophistiqués et/ou issu de la grande bourgeoisie en vogue dans la comédie américaine (chez Lubitsch, Cukor, Hawks et quelques autres) laissent place à des êtres ordinaire dans lesquels le spectateur peut se reconnaître. Ce seront le mari défunt attachant du Ciel peut attendre, Jennifer Jones femme de chambre adepte de la plomberie dans La Folle Ingénue et surtout les employés de magasins de The Shop Around the Corner.

Les intrigues se déplacent de la société américaine (ou des cadres mondains français souvent revisités par Lubitsch) pour un retour aux sources moderne en Europe de l’est, que ce soit la Pologne de To Be or no to be ou le Budapest de The Shop around the Corner. Dans ce cadre sous la légèreté on distingue désormais une angoisse latente quant aux évènements dramatiques à venir puisque l’intrigue de La Folle Ingénue (1946) se déroule en 1938 en Pologne la veille de la guerre (avec un Charles Boyer dans le rôle d’un juif) et que le monde dépeint dans The Shop around the Corner est déjà révolu au moment de la sortie du film.

Modeste fils de tailleur berlinois ayant passé son enfance dans le magasin familial, Lubitsch pose donc un regard particulièrement tendre et personnel dans The Shop Around the Corner. Les scénarios aux timings millimétrés des films précédents laissent place à une belle tranche de vie qui prend son temps pour dépeindre le quotidien des employés de cette petite boutique de Budapest. Les personnages loufoques sont toujours là, les quiproquos et répliques assassines aussi, tout comme le couple mal assorti qui finira inévitablement ensemble. L’approche modeste, chaleureuse et intimiste change pourtant tout.

Margaret Sullavan n’en sera que plus touchante dans sa quête idéalisée d’une âme sœur flamboyante aux antipodes de son ordinaire de vendeuse, au point de ne jamais voir qu’elle l’a sous les yeux depuis toujours en la personne de James Stewart. Celui-ci est une fois de plus parfait en Alfred Kralik, emprunté et gauche pour exprimer ses sentiments, ordinaire et unique à la fois. L’alchimie avec Margaret Sullavan fait des étincelles et réserve son lot de moment de comédies irrésistibles et d’échanges savoureux :

Well I really wouldn't care to scratch your surface, Mr. Kralik, because I know exactly what I'd find. Instead of a heart, a hand-bag. Instead of a soul, a suitcase. And instead of an intellect, a cigarette lighter... which doesn't work.

On saluera aussi la prestation de Frank Morgan en patron bougon mais aimant ou Felix Bressart (un des trois communiste converti de Ninotchka) en heureuse victime de ses remontrances. Les hauts et les bas de cette boutique et de ses employés soumis aux humeurs de leur employeur qu’ils aiment néanmoins comme un père en dépit de ses excès enchantent de bout en bout. Lubitsch se réinvente avec talent abandonnant courageusement tous les artifices qui ont fait son succès. Il ne signe pas là son film le plus drôle (To be or not to be accomplit aisément cette prouesse) mais sûrement le plus attachant. Chef d’œuvre.

Sorti en dvd zone 2 français chez Warner

Le Mur du Son - The Sound Barrier, David Lean (1952)

2012-01-03T01:41:00.003+01:00

John Ridgefield est un riche magnat du pétrole qui, en tant que propriétaire d'une usine de construction aéronautique, conçoit également des avions. Tony Garthwaite, pilote d'essai, ancien pilote de chasse pendant la Seconde Guerre mondiale, est employé par Ridgefield après son mariage avec Susan, la fille de ce dernier. Les tensions entre le magnat et sa fille, présentes depuis la mort du frère de Susan lors d'un vol effectué sous l'impulsion de son père, sont accentuées lorsque Garthwaite effectue des essais de vol dangereux dans un nouveau prototype qui doit franchir le Mur du son.

David Lean nous offre un ébouriffant et exaltant livre d'image avec cette fascinante évocation du courage des pionniers de l'aviation. Comme toujours le réalisateur mêle avec brio spectaculaire et humain, les exploits aériens étant profondément liés au drame familial se déroulant au sol. Les protagonistes du film se divisent ainsi clairement entre les "croyants" et les sceptiques. Les croyants son symbolisé par un Ralph Richardson qui domine la distribution avec cette figure d'industriel et ancien pilote, passionné et exalté par le défi technique symbolisé ici par la mythique Mur du Son.

Les non croyant se trouvent paradoxalement être de son propre sang avec son fils Chris (Denholm Elliott surtout connu pour son tardif rôle de Marcus Brody dans les Indiana Jones) qui n'a pas l'étoffe et est effrayé par les airs, et sa fille Ann Todd. Cette dernière souffre en silence de voir son époux (Nigel Patrick) faire le pilote d'essai pour les vols expérimentaux à haut risque des appareils de son père.

Partagé entre ses deux visions, le film alterne séquences de plus en plus angoissées au sol avec d'autres où l'ivresse des airs et le mélange de danger et d'excitation se ressentent comme rarement. La vérité criante de ces deux aspects n'est pas due au hasard, le scénario de Terence Rattigan s'inspirant d'une série d'articles sur la réelle perte que subit le concepteur Geoffrey de Havilland lorsque son fils périt en voulant franchir également le Mur du Son.

L'évènement est évoqué dans le film mais le script préfère réutiliser les évènements avec des personnages imaginaires, tout en tournant l'exploit à l'avantage des anglais puisque le Mur du Son fut franchi en réalité par l'américain Chuck Yeager au sein de la US Air Force. Les séquences de vol sont techniquement époustouflantes, entre trucage (les passages dans le cockpit avec les vrais acteurs et une incrustation et/ou rétro projection parfaite) et vrais moments dans les airs aux vues impressionnantes.

Lean a eu accès au dernier cri technologique de l'époque lors du tournage prêté par la de Havilland Comet (responsable du premier avion de vol commercial justement) dont le biplace de Havilland Vampire est utilisé dans la scène où Nigel Patrick et Ann Todd font un aller-retour entre l'Angleterre et l'Egypte toujours dans cette volonté de vanter les possibilités de l'aviation.

Le culte des airs se paiera au prix fort, tant pour les pilotes prêt à tout risquer pour dépasser les limites que pour leurs familles. Ann Todd comme toujours excellente traduit bien cette détresse tandis que le casting masculin s'avère plutôt fade entre les peu charismatiques Nigel Patrick et John Justin. C'est donc tout naturellement lors d'une séquence entre Ralph Richardson et Ann Todd qu'on atteint le clou du film lorsque cette dernière est gagnée malgré elle par la fièvre de l'aviation. Venue voir son père pour un tout autre sujet, leur conversation se voit complètement détournée par l'excitation des informations radio sur l'exploit sur le point d'être enfin accomplit, le franchissement du Mur du Son.

Lean réussi l'exploit d'être encore plus intense que les précédentes scènes de vol avec justement moins de moments en avion (si ce n'est quelques inserts) pour justement s'attarder sur l'écoute anxieuse du père et de la fille sur le défi en cours. Une belle manière d'exprimer cette fois en le progrès par un angle plus humain que technique et ainsi bien plus galvanisant. La belle et sobre dernière scène montre que les non-croyant son désormais convertis, tout comme le spectateur.

Sorti en dvd zone 2 anglais au sein du coffret consacré à la période anglaise de David Lean et plusieur fois évoqué sur le blog.

Extrait

Si tu tends l'oreille - Mimi wo sumaseba, Yoshifumi Kondo (1995)

2012-01-02T05:11:00.005+01:00

L'histoire se déroule à Tama, petite ville en banlieue de Tokyo, dans le milieu des années 90. Shizuku Tsukichima, une collégienne de 14 ans, est une jeune fille rêveuse et passionnée par les romans et les contes, qu'elle emprunte souvent à sa bibliothèque. Un jour, sur les fiches d'emprunts, elle remarque qu'un mystérieux Seiji Amasawa lit exactement les mêmes livres avant elle. Plus tard, alors qu'elle emprunte un nouveau roman, elle s'aperçoit qu'il s'agit d'un ouvrage rare offert par un donateur, un certain Amasawa. A-t-il un lien avec ce mystérieux Seiji ?

Mimi wo sumaseba est un film qui faillit changer bien des choses au sein du Studio Ghibli avec pour la première fois une réalisation qui n'était pas due à l'un des deux membres fondateurs Hayao Miyazaki et Isao Takahata. L'heureux élu Yoshifumi Kondo y montra un talent quasi égal aux deux maîtres et avec un si brillant successeur Miyazaki envisageait de prendre une retraite bien méritée après son monumental Princesse Mononoké.

Le destin en décida autrement puisque le décès tragique de Yoshifumi Kondo obligea Miyazaki à revenir aux affaires pour le meilleur (le merveilleux Voyage de Chihiro allait suivre avec une reconnaissance désormais mondiale pour Miyazaki et le Studio Ghibli) et pour le pire (aucun successeur digne de prendre le relai à l'image du récent et très impersonnel Arriety). Reste donc un petit bijou de sensibilité qui laisse entrevoir un talent immense dont les possibilités éclatent dès ce premier film.

Mimi wo sumaseba s'affirme comme un prolongement idéal des thématiques chères à Ghibli et ses auteurs puisque Miyazaki supervisa le projet et signa le scénario adapté du manga éponyme d’Aoi Hīragi. Les quelques changements effectué par Miyazaki vont d'ailleurs dans ce sens de fondre le récit sans le dénaturer dans le moule Ghibli. Entre autre changements, l'héroïne Shizuku a 14 ans (au lieu de 12 dans le manga) et vit dans un appartement (au lieu d'une maison) et surtout l'esthétique plus marqué cartoon du manga (c'est à l'origine un shojo soit un manga destiné au lectorat adolescent féminin) laisse place à la ligne claire chère à Ghibli.

Tout cela rend l'ensemble très familier avec un croisement de thèmes typique de Miyazaki (la quête initiatique et existentielle d'une jeune héroïne adolescente, le passage de l'enfance à l'âge adulte soit Nausicaa, Kiki la petite sorcière précédemment, Chihiro, Le Château Ambulant voire même Mononoké pour après) et l'atmosphère réaliste et bucolique de Takahata (Souvenir goutte à goutte, Le Tombeau des Lucioles). Yoshifumi Kondo trouve pourtant sa propre voie en éliminant les éléments "fantasy" et magiques chers au premier et adopte une tonalité plus légère que le spleen nostalgique associé au second.

L'histoire nous conte les aventures de Shizuku, jeune adolescente plongée dans les mondes imaginaires des livres qu'elle dévore entre la bibliothèque municipale tenue par son père et celle de l'école. Les examens à venir ne sont qu’une préoccupation lointaines, et plus encore les garçons dont commence déjà à se soucier ces petites camarades. Tout change lorsqu'elle découvre qu'un même garçon Seiji Amasawa a emprunté avant elle toutes ses lectures récentes.

Dès lors on a une quête fantasmée du mystérieux lecteur qui prendra les traits d'un taquin qu'elle aura croisée plusieurs fois précédemment et avec qui elle va tisser un lien magnifiquement amené par Kondo. Cette découverte amoureuse va éveiller des questionnements plus profonds chez l'héroïne quant à sa voie future, bien prolongée par la toile de fond des examens. Seiji s'est trouvé un idéal dans sa passion à fabriquer des violons, et Shizuku va exploiter à corps perdu son amour des livres et des histoires en écrivant son propre récit.

L'amour et les velléités créatives s'entremêlent constamment, Shizuku dissimulant dans son énergie à écrire la tristesse du départ futur de Seiji dans une école spécialisée. C'est seulement là que Kondo laisse éclater l'imagerie fantastique, au gré des sentiments de Shizuku et en y fondant les figures les plus fascinantes de son quotidien comme la fameuse poupée du Baron. Le passé de la figurine et les histoires inventées par Shizuku s'avéreront avoir des réminiscences avec la réalité des personnages dans cette même idée de séparation et de retrouvailles qui parcoure tout le film.

Yoshifumi Kondo a une longue carrière en tant que technicien chevronné avant ce film notamment au sein de Ghibli où il fut tour à tour character designer, animateur clé ou directeur de l'animation sur Porco Rosso, Kiki, Pompoko... Le film est donc d'une beauté formelle assez sidérante tant dans la recherche d'un réalisme où vient s'insinuer une sobre et douce poésie (Shizuku et Seiji admirant le soleil se lever) et laissant éclater des visions folles et bariolées (utilisée de manière roublarde dans la promotion en occident laissant croire à tort à une fantasy à la Miyazaki). Shizuku, par la gamme d'expression subtiles et variées que lui confère Kondo est une des héroïnes les plus attachantes de Ghibli.

On retiendra notamment cette sublime séquence musicale où Shizuku entonne sa reprise japonaise du Take Me Home, Country Roads de John Denver, accompagné au violon de Seiji puis de son grand-père et amis musiciens, un pure instant de magie. Une merveille qui porte haut l'étendard de l'imaginaire Ghibli, mais par le prisme d'un regard neuf et tout aussi talentueux. On ne peut que regrette que Kondo n'ai pu donner suite tant la réussite est grande personne plus que lui ne méritait plus d'être l'héritier de Miyazaki et Takahata.

Etrangement toujours inédit en zone 2 français (mais annoncé depuis pas mal de temps) se pencher éventuellement vers les éditions anglo-saxonnes zone 1 américain ou zone 2 anglais qui comportent la vo accompagné de sous-titres anglais.

No et moi - Zabou Breitman (2010)

2011-12-30T02:31:00.004+01:00

On dit de Lou qu’elle est une enfant précoce. Elle a treize ans, deux classes d’avance et un petit corps qui prend son temps. Elle a une mère emmurée dans les tranquillisants, peu d’amis, et le ressenti aigu d’un monde qui va de travers. Lou doit faire un exposé sur une jeune femme sans abri. Elle en a vu une à la Gare d’Austerlitz. Une qui fait la manche, demande des clopes, s’endort sur la table du café lorsque Lou lui offre à boire pour l’interviewer. Elle a 18 ans, s’appelle No, Nora en fait mais tout le monde dit No, et bientôt Lou ne pourra plus se passer d’elle.

En une petite dizaine d’années, l’actrice réalisatrice Zabou Breitman aura réussi une œuvre d’une remarquable cohérence. Chaque film, même dans ses défauts, aura témoigné d’une volonté de constante remise en question au service d’un cinéma au croisement d’une pure vision d’auteur et d’une fibre émotionnelle à fleur de peau. Consacrée dès son premier film, Se souvenir des belles choses (2001), Breitman y cédait pourtant (en dépit de beaux moments et d'une interprétation intense de Bernard Campan et Isabelle Carré ) à un sentimentalisme dont l’intensité était sur la corde raide d’un pathos forcé. Le suivant, L’Homme de sa vie (2006), tombait exactement dans le travers inverse, où la sophistication narrative et visuelle (les discussions répétées dans le jardin en auront épuisé plus d’un) finissait par annihiler toute l’émotion de cette histoire d’homme marié (Campan à nouveau) troublé par l’attirance qu’il ressent pour son voisin gay (Charles Berling).

Cet équilibre entre grands sentiments et recherche esthétique, Zabou Breitman avait fini par l’atteindre avec le splendide Je l’aimais (2008). L’assise narrative préétablie du roman d’Anna Gavalda permettait alors à la réalisatrice de mieux équilibrer les différentes directions qu’elle souhaitait proposer. Enfin confiante en le matériau qu’elle racontait, Zabou se débarrassait au fil du film de tous les tics agaçants qui entachaient les précédents (pathos lourdement appuyé, acteurs en sur régime, vaines afféteries visuelles) pour aboutir à une histoire d’amour fougueuse, passionnée et puissamment romanesque dans un cadre contemporain. On tenait là l'un des plus beaux drames adultères français depuis La femme d’à côté de Truffaut (avec Les Sentiments de Noémie Llvosky en 2003), surclassant les autres tentatives poussives du genre comme Les Regrets de Cédric Kahn.

Bien qu’elle se soit montrée réticente à s’attaquer de nouveau à une adaptation, on pouvait donc se montrer confiant en voyant Zabou mettre en image le roman No et moi de Delphine Le Vigan. Le défi est pourtant différent cette fois, avec une trame, des thèmes et des personnages assez éloignés du ton adulte adopté habituellement. L’histoire dépeint la rencontre de deux solitudes.

D’un côté Lou, jeune adolescente de treize ans isolée par sa nature d’enfant précoce surdouée. Trop mûre pour le monde des adultes avec des parents moins attentifs et pris dans leurs soucis quotidiens, et trop jeune pour le si clanique monde du lycée puisqu’elle a deux ans d’avance. De l’autre No, jeune sans abri élevée à la DASS, aussi exubérante que Lou est éteinte, comme pour compenser une enfance sans amour et un avenir sans espoir. Le lien se fait lorsque Lou est amenée à réaliser un exposé sur les SDF.

Zabou use à merveille de la narration à la première personne du livre, la voix off témoignant du regard de Lou sur monde. Ce regard est observateur, un peu ironique (la scène où elle compte les lycéennes vêtues de bottes) mais surtout distant pour une héroïne éloignée des agitations de son âge. Cette froideur détachée s'estompe avec la rencontre de No, véritable livre ouvert d’émotion tranchant avec le masque de Lou. Le scénario révèle subtilement les manques que chacune est amenée à combler chez l’autre. Paradoxalement, Lou ressent une affection quasi maternelle pour No, qui se sent aimée et protégée pour la première fois par cette gamine. Lou trouve quant à elle un modèle féminin à qui s’identifier puisque sa mère dépressive (jouée par Zabou Breitman elle-même) n’est plus qu’une ombre depuis un terrible drame familial.

Tout comme cette voix off s’enhardit (la froideur du début laisse place à toute une gamme d’émotions plus maladroitement et sincèrement exprimée), la réalisation se libère aussi pour illustrer cette amitié hors norme. Caméra à l’épaule pour accompagner les folles courses dans Paris, la spontanéité des éclats de rire, montage dynamique et même des séquences d’animation donnent vie aux tribulations de No et Lou. Le monde gris indifférent (pour Lou) et menaçant (la rue où vit No) s’orne enfin de joie et de bonheur lumineux.

La réussite du film tient grandement à l’interprétation de son duo principal. La jeune Nina Rodriguez est formidable de justesse en adolescente perdue, dissimulant constamment un bouillonnement sous ses airs de petite fille modèle. Quant à Julie-Marie Parmentier, bien que déjà presque trentenaire, elle incarne parfaitement cette jeune paumée infantile autant dans les comportements inhérents à la vie dans la rue (parler très fort, constamment somnolente car demeurant éveillée pour ne pas se faire voler ses affaires dans la rue) que dans sa sensibilité à fleur de peau.

Pour exemple cette bouleversante scène où elle retrouve sa mère qui refuse de lui ouvrir sa porte (c’est d’ailleurs une constante du film, ces enfants physiquement ou symboliquement livrés à eux même…). Antonin Chalon (fils de la réalisatrice) complète parfaitement le duo en meilleur ami turbulent, empêchant la relation de prendre une tournure malsaine.

La réalité rattrape pourtant cette belle histoire, Lou étant trop jeune pour supporter le besoin d’amour énorme de No, tandis que cette dernière est encore trop victime de ses démons pour accepter l’amour idéalisé qui lui est voué . Si la séparation est inéluctable, Zabou Breitman aura accompagné ce court moment de toute la sensibilité et toute l’inventivité dont elle est désormais capable dans ce qui est à ce jour son film le plus maîtrisé et le plus touchant.

Sorti en dvd chez Diaphana

Et vu que ça sera le dernier texte du blog pour 2011 bonne année un peu en avance et rendez-vous en 2012 !

New York 1997 - Escape from New York, John Carpenter (1980)

2011-12-29T13:08:00.006+01:00

En 1988, suite à une explosion de criminalité aux États-Unis, l'île de Manhattan est devenue une ville-prison. En 1997, alors que le président des États-Unis se rend à une importante conférence, son avion Air Force One est détourné par des terroristes. Le président parvient à s'enfuir en s'éjectant à bord d'une capsule de survie qui s'écrase au cœur de Manhattan. Il est aussitôt retenu en otage par les prisonniers de l'île. Le responsable de la sécurité, Bob Hauk, fait alors appel à Snake Plissken, un redoutable hors-la-loi et lui donne 24 heures pour sauver le président en échange de sa grâce.

Grand classique de John Carpenter, Escape from New York s’affirme à cette étape de sa carrière comme son film le plus aboutit et surtout le plus représentatif de sa personnalité. Si on excepte le potache Dark Star inaugural et plus création collective que film personnel, les premiers films de Carpenter surent chacun poser les jalons essentiels de sa future filmographie. Assaut, remake officieux et moderne de Rio Bravo est la profession de foi de ce grand admirateur de Howard Hawks dont il reprend tous les motifs (personnages taciturne qui se définissent et tissent leur lien dans l’action, maîtrise bluffante du scope). Halloween chef d’œuvre de l’épouvante le pose en digne disciple d’Hitchcock et dévoile son attirance pour le mal, le goût du mystère et à nouveau cet art de l’épure narrative et visuelle.

Avec Fog Carpenter se fond définitivement dans le créneau du cinéma de genre (et fantastique plus précisément) et montre sa capacité à en tirer des scripts toujours inventifs et surprenant. Il ne manquait à cet ensemble que le Carpenter iconoclaste et politisé qui explosera notamment dans l’excellent Invasion Los Angeles et New York 1997 vient corriger cela.

Le film est issu d’un des premiers scénarios écrit par Carpenter qui le relance lorsqu’il piétine sur son futur projet d’alors Philadelphia Experiment. Lorsqu’il le proposa pour la première fois aux producteurs en 1974, les portes se refermèrent devant ce récit un peu trop caustique envers le Président des Etats-Unis alors qu’on nage en plein scandale du Watergate. Quelques années plus tard, fort du succès d’Halloween et dans un contexte politique plus propice le film pourra enfin se faire. L’inspiration de Carpenter est multiple sur New York 1997.

La montée d’insécurité croissante dans la ville de New York et les films angoissants et violent inspirés de ce cadre (Un Justicier dans la ville surtout) donne un arrière-plan fort au réalisateur qui va l’exacerber. Carpenter décide également de reprendre à son échelle le formidable point de départ du roman SF de Harry Harrison Le Monde de la Mort où l’homme le plus dangereux de l’univers se voit justement envoyé en mission sur la planète la plus dangereuse de la galaxie.

A l’écran, cela donnera donc cette cité de New York désormais condamnée par des murailles autour de l’île de Manhattan et réduite à une prison à ciel ouvert dans une zone de non droit où les criminels sont livrés à eux même sans espoirs de sortie. Lorsque des terroristes font s’écraser Air Force One dans ces lieux sinistres (avec une séquence tristement prémonitoire où Air Force One percute un gratte-ciel) c’est un malfrat plus dangereux encore qui est envoyé pour le sauver, amnistie à la clé. Presque tous les films de Carpenter sont des westerns masqués et Escape From New York s’avère le plus manifeste entre tous. Le pitch délesté de ses aspects futuristes est typique du genre et avec Snake Plissken on a un archétype du héros solitaire taciturne et digne descendant des Eastwood et autres John Wayne.

Carpenter en amplifie la dimension asociale avec cette formidable création qu’est Snake Plissken. Le personnage est un double filmé et radical du réalisateur qui n’a de héros que le nom. Sociopathe uniquement préoccupé par lui-même, Snake n’agit que dans son propre intérêt (ce moment où il passe son chemin imperturbable alors qu’une femme est violée sous ses yeux) et s’avère rétif à toute autorité sauf s’il est contraint et forcé. A nouveau tel un héros de western, sa réputation quasi légendaire le précède partout ici manifestée par un amusant leitmotiv où chaque personnage le reconnaissant lui affirme qu’il le croyait mort.

Formidable rencontre artistique et naissance d’une belle amitié entre Carpenter et Kurt Russel (les deux avaient collaborés sur un téléfilm à succès Le Roman d’Elvis ou Russel interprétait le King), ce dernier se détachant des rôles propret de Disney dans lesquels il a débuté. Le bandeau sur un œil borgne tandis que le valide vous gratifie du regard le plus dédaigneux, barbe de trois jours et l’allure menaçante, il EST Snake Plissken.

Hormis la présence du World Trade Center datant forcément le film, l’illusion reste intacte près de 30 ans plus tard malgré un budget limité. Les grands films de SF de l’époque (Alien, Blade Runner…) sont ceux qui auront su inscrire leur futur dans un prolongement du monde contemporain plutôt que d’en mettre plein la vue avec une esthétique trop dépaysante.

New York 1997 est dans cette lignée avec son univers dont l’architecture laissent deviner la nature totalitaire, la sobriété de sa technologie dans l’ensemble purement fonctionnelle et sans artifice. Les trucages « à l’ancienne » restent brillants avec cet usage brillant de maquettes, de matte painting et de trucages visuels qui offrent des vues impressionnante de ce New York carcéral (l’arrivée en planeur de Snake).

La science du montage et du cadrage (l’usage du cinémascope de Carpenter est sans égal dans le cinéma récent) entretiennent cette crédibilité qu’on doit notamment à un certain James Cameron responsable d’une grande partie des effets visuels. Le paysage apocalyptique et menaçant de New York sera filmé à Saint-Louis dont les extérieurs se prêtaient bien à cette désolation puisque la ville en crise avait subit un grand incendie qui ravagea un partie des quartiers en 1977. Le film impose ainsi une esthétique maintes fois copiée (les allures de punk peroxydés des malfrats) mais jamais égalée.

La science de l’épure de Carpenter atteint ici des sommets avec cette introduction glaciale (sur une voix off de Jamie Lee Curtis héroïne d’Halloween et Fog) qui pose avec concision le contexte. Le scénario limpide nous emmène d’un point à un autre selon les informations et les rencontres (tout en s’autorisant des pauses surprenantes comme lorsque Snake pourtant pressé par le temps s’assoit un moment, dépité), le tout sans fioritures ou apartés quelconques une vraie leçon de narration classique dont Carpenter est le chantre.

Le rythme se fait haletant de bout en bout dans un récit riche en péripéties (la traversée finale du pont de Brooklyn inoubliable) et personnages haut en couleurs : Ernest Borgnine en taxi candide, Lee Van Cleef manipulateur Hauk, Harry Dean Stanton fourbe et calculateur Brain (assisté par la plantureuse Adrienne Barbeau épouse de Carpenter à l’époque) et un terrifiant Isaac Hayes en Duc de New York.

Carpenter associe avec brio cette influence western avec les atmosphères surnaturelles d’Halloween et Fog notamment les premières scènes nocturnes dans la prison, avec son obscurité menaçante, ses silhouettes quasi spectrales (Romero et ses zombies ne sont pas loin lorsque surgissent de terrifiants êtres des égouts) rendent les lieux non seulement dangereux mais inquiétant et hanté lors de la découverte à travers le regard de Snake.

La conclusion fait du cynique Snake l’être le plus droit et moral du film, celui qui va jouer un drôle de tour à ce Président qui ne vaut finalement guère mieux que les criminels qui l’on séquestrés (Donald Pleasance parfait de couardise). John Carpenter exprime ainsi son iconoclasme et son individualisme de manière sobre et cinglante, et c’est sur les nappes synthétiques de son score hypnotique (qui fera école dans la musique électronique) que l’on quitte Snake, poor lonesome cowboy rebelle des temps futurs qui s’éloigne lentement. Un grand film dont Carpenter tirera une suite fort dispensable quinze ans plus tard…

Sorti en en dvd zone 2 français chez Studio Canal, également en zone 1 chez MGM avec un bonus de taille à savoir la scène d'introduction coupée au montage.

Et la fameuse scène d'introduction judicieusement coupée mais une curiosité à voir.

L'Héritage - L'eredità Ferramonti, Mauro Bolognini (1976)

2011-12-28T04:49:00.008+01:00

À Rome, en 1880, Gregorio Ferramonti qui a fait fortune dans la boulangerie, méprise et rejette ses trois enfants, Mario, Pippo et Teta, qu'il accuse de ne pas l'aimer et de n'en vouloir qu'à son argent. Teta est mariée à Paolo Furlin, haut fonctionnaire du Ministère des Travaux Publics et bientôt député. Mario est un spéculateur maladroit, couvert de dettes de jeux, qui collectionne les maîtresses. Pippo est un faible qui se lance sans succès dans un négoce de quincaillerie. Il acquiert son fonds de commerce des époux Carelli, dont il épouse la fille, Irène, laquelle entreprend, à des fins arrivistes, de réconcilier et de séduire toute la famille Ferramonti

Quinze après La Viaccia, le film qui fit de lui le grand esthète du récit en costume, Mauro Bolognini en réalisait l'œuvre jumelle avec L'Héritage. Le point de départ de l'intrigue est identique avec un conflit familial autour d'un héritage et la période historique également, 1885 pour La Viaccia et 1880 pour L'Héritage dans une Italie en pleine mutation. Le regard du réalisateur a cependant changé entretemps et c'est par les différences de cette variation sur un même thème qu'on jugera de cette évolution thématique. La Viaccia se situait à Florence dans un milieu ouvrier modeste tandis que L'eredità Ferramonti se situe dans une Rome fraîchement (et contestée) promue capitale du pays au sein de la grande bourgeoisie. Le plus important surtout c'est la bienveillance envers les personnages malgré la tonalité sombre (dans l'esprit d'un Rocco et ses frères) qui régnait dans le film de 1960 tandis qu'il n'y a presque personne à sauver dans L'Héritage.

Les deux précédentes œuvres de Bolognini, les très politisés Vertiges et Liberté, mon amour avaient amorcés cette tonalité plus amère chez celui qui avait osé un final poignant et plein d'espoir quelques années plus tôt dans Metello. La situation contemporaine agitée du pays (abordée indirectement dans Vertiges et Liberté mon amour) semble avoir déteint sur son humeur et ce n'est donc pas un hasard de le voir délivrer son œuvre la plus âpre en adaptant le roman de Gaetano Carlo Chelli.

Le film s'ouvre sur les échanges haineux d'une famille brisée. Gregorio Ferramonti (Anthony Quinn) vieil homme ayant fait fortune dans la boulangerie réunit autour de lui ses enfants alors qu'il décide de prendre sa retraite. Pour lui aucun d'entre eux ne semble digne de lui, que ce soit le faible de caractère Pippo (Luigi Proietti), le flambeur Mario (Fabio Testi) ou la vénale Teta (Adriana Asti) et c'est tout naturellement qu'il leur annonce qu'il ne leur léguera rien de sa fortune considérable. Il leur reproche leur manque d'affection et de n'être intéressé que par son argent mais une scène au début révèlera la dureté dont l'homme est également capable lorsqu'il confisque à un ouvrier une misérable pièce trouvée dans sa boulangerie.

Si on retrouve la beauté formelle typique du réalisateur avec ses cadrages en forme de tableaux vivant, ses mouvements de caméras opératiques et la photo somptueuse d’Ennio Guarnieri, l'ensemble dégage une surprenante froideur. Alors que les élans romanesques de Metello ou Bubu de Montparnasse transcendaient par l'émotion cette recherche plastique on est ici dans la pure étude clinique distanciée.

On se trouve dans une Rome sale, sinistre et en pleine reconstruction où l'on va constater les changements des mentalités en cours. D'un côté l'existence austère et sans plaisir d'un Anthony Quinn qui ne goûte guère à la bagatelle malgré ses richesses et de l'autre ses enfants aux moyens limités qui mènent la grande vie. Gregorio est un homme qui s'est élevé à la force du poignet et au franc parlé brutal, ses descendants préfèrent accumuler les courbettes dans la haute société dans l'espoir d'une récompense.

Le lien entre ses deux mondes va se faire par le personnage de Dominique Sanda. Issue d'un milieu modeste, elle allie la détermination impitoyable de Gregorio (et à sa manière la patience de "l'entrepreneur" dans ses manigances) et les gouts de luxe de ses enfants, à mi-chemin entre l'ancienne et la nouvelle génération. Faussement timide et introvertie, elle va se révéler une ambitieuse sans scrupule qui va cajoler, séduire et finalement tromper tout le monde pour s'adjuger l'héritage.

Belle-fille attentionnée qui trouvera la faille dans la solitude du vieil ours bourru qu'est Gregorio, épouse attentionnée pour Pippo et amante torride pour Mario (formidable première étreinte où Fabio Testi manipulé pense avoir eu l'initiative) elle est fausse en tout point. Dominique Sanda est fabuleuse (et judicieusement récompensée du Prix d'interprétation féminine à Cannes en 1976), séductrice et charnelle mais avec toujours ce discret regard en coin où on devine le calcul constant dans les actions. Tout ce monde s'avère grandement détestable dans cette intrigue en forme de partie d'échecs où l'enjeu reste uniquement matériel avec le legs du patriarche.

Pourtant Bolognini n'oublie jamais que ses protagonistes n'en reste pas moins humains et c'est par l'expression de leurs émotion qu'ils se perdront : Irène (Dominique Sanda) trop joyeuse lorsqu'elle approche du but, Mario (excellent Fabio Testi) le séducteur qui tombe amoureux contre tout attente et surtout Gregorio qui s'endort pour de bon après avoir goûté les joies du sexe une dernière fois. Au final le constat s'avère identique et aussi cinglant que La Viaccia (les puissants sont toujours vainqueurs) mais sans désomais qu'on s'émeuvent du sort de victimes tout aussi méprisable en définitive.

Sorti en dvd zone 2 chez Seven Sept, édition un peu ardue à trouver tout de même

Extrait

Les Gangsters - Payroll, Sidney Hayers (1961)

2011-12-27T01:39:00.005+01:00

Des gangsters pillent la camionnette blindée transportant les salaires d'une compagnie. Le chauffeur est tué. Sa femme se lance dans son enquête, parallèlement à la police.

Une redoutable série noire bien retorde qu'on retient surtout désormais pour être le premier rôle en anglais de Françoise Prévost. Le point de départ est classique. Une bande de malfrats projettent de braquer un fourgon blindé depuis longues semaines. Leurs plans sont contrecarrés par l'arrivée d'un nouveau modèle de véhicule dont la sécurité est bien plus difficile à franchir.

Heureusement pour eux, ils possèdent une taupe au sein de la compagnie avec le modeste Denis Pearson (William Lucas) qui va leur donner les plans de la camionnette afin qu'ils en trouvent les points faibles puisqu'ils sont mécaniciens dans le civil. La première partie dépeint donc la minutieuse préparation du casse et parallèlement insère des scénettes qu'on pense futiles sur le quotidien des agents de la compagnie et leur vie de famille, ainsi que des rapports orageux entre la taupe et son épouse Jackie (Françoise Prévost).

La scène de braquage, filmée au cordeau par Sidney Hayers est une merveille de tension et de violence sèche à l'issue spectaculaire. Passé ce moment, le film part dans une direction étonnante. Tous les protagonistes même les gangsters sont dépeints comme des "monsieur tout le monde" plongé dans une situation inhabituelle. Pour les auteurs du hold-up, c'est un coup d'éclat inespéré qu'ils ne vont pas savoir gérer pour faire profil bas.

L'informateur sombre dans le remord et la paranoïa tandis que son épouse par son trouble devine le fin mot de l'histoire et entame une liaison avec le redoutable chef de gang incarné par Michael Craig. Ce qu'ils n'avaient pas prévus, c'est la vengeance impitoyable de l'épouse d'un des convoyeurs tués. On saisit alors l'importance des apartés bucoliques du début et Billie Whitelaw femme au foyer quelconque au départ devient une veuve glaciale bien décidé à faire payer les meurtriers de son époux.

Le script (adapté d'un roman de Derek Bickerton) joue intelligemment de la frêle allure du personnage en donnant un tour bien plus sournois à sa vengeance. Elle va briser psychologiquement les truands amateurs à coup de lettre anonymes, d'appels téléphonique dans le vide et de filature dans un Newcastle sinistre et grisâtre qui se prête parfaitement à cette ambiance de film noir. Billie Whitelaw est parfaite de froideur et de détermination (et un regard d'une intensité incroyable) et il est dommage que le film ne s'appuie pas plus sur elle au lieu de laisser la place à des moments plus classiques sur l'errance et la suspicion des gangsters et aussi les manigances de Françoise Prévost un peu trop mise en avant.

Le final est redoutable d'efficacité avec notre veuve qui traque les meurtrier jusqu'à une ultime séquence jubilatoire (et qui l'absous avec un peu d'hypocrisie morale) tandis que ceux-ci se seront joyeusement trahis entre eux auparavant le temps de mémorables retournements de situations. Très alerte et diablement efficace, porté par une mise en scène nerveuse de Sidney Hayers, un très bon thriller.

Sorti en dvd zone 2 anglais et dépourvu de sous-titres anglais.

La Canonnière du Yang-Tse - The Sand Pebbles, Robert Wise (1966)

2011-12-26T00:14:00.004+01:00

En 1926, en Chine, la canonnière américaine San-Pablo patrouillant sur le Yang-Tse Kiang dans les environs de Changsha, se retrouve en plein cœur de la première guerre civile chinoise opposant les forces nationalistes de Tchang Kaï-chek aux communistes.

Sous ce mastodonte du film de guerre se cache une des œuvres les plus personnelles de Robert Wise. Il poursuivit en effet ce projet d'adaptation du roman de Richard McKenna avec ténacité et il est vrai qu'on y retrouve (sur un mode plus pessimiste) les velléités humaniste du Jour où la Terre s'arrêta notamment. La véracité des descriptions de Richard McKenna (qui servit réellement sur une canonnière nommé San Pablo en 1936 mais situe son roman dix ans plus tôt) incite également Robert Wise à faire preuve d'un réalisme sans faille durant la pré production.

Les extérieurs furent tournés à Hong Kong et Taiwan (première production internationale d'envergure sur l'île dont l'industrie cinématographique allait se moderniser quelques années plus tard avec le passage de King Hu) le vrai fleuve Yang-Tsé ne pouvant être investi pour cause de relations diplomatiques glaciales entre les USA et la Chine et certains intérieurs à Los Angeles. Pour le reste, c'est une logistique titanesque qui eut cours avec la construction à l'échelle d'une canonnière (basée sur le modèle de USS Villa-Lobos bâtiment espagnol saisi par les USA du le conflit opposant les deux pays à la fin du XIXe comme le réel San Pablo en fait) entièrement rééquipée, un casting prestigieux (Steve McQueen, Richard Attenborough) pour un tournage qui explosera rapidement les délais puisque des 9 semaines initialement prévues la production s'étalera sur sept mois.

Tous ces moyens sont au service d'un récit profondément pacifique et antimilitariste. Nous y suivons la destinée de Jake Holman (Steve McQueen), modeste chef machiniste fraîchement affecté sur le San Pablo. La première partie pose patiemment la situation géopolitique chinoise d'alors. Colonisé par les occidentaux depuis un siècle déjà, le peuple chinois subit le mépris et le racisme ordinaire de ces derniers en terrain conquis.

On découvre cette situation tout d'abords via les civils durant le périple de Holman pour rejoindre son navire (ce qui permet d'initier le début de romance avec la missionnaire jouée par Candice Bergen) lors d'un dîner où la condescendance tranquille des envahisseurs s'avère sans limite. Wise délivre un flux précieux d'information durant cette longue introduction, notamment la division des chinois en multiple faction qui empêche toute forme de rébellion sérieuse et rend ainsi la patrouille des canonnières (et celle du San Pablo en particulier) quasi inutile et plus symbolique qu'autre chose.

Cette situation s'affirme à plus petite échelle plus tard sur le San Pablo où les soldats sans tâche s'en remettent oisivement à leur coolies chinois pour les tâches domestiques pour des exercices militaires de façades. Seulement Holman ne joue pas ce jeu-là et s'avère immédiatement un dangereux grain de sable sur le navire. Totalement désintéressé par la chose militaire et un patriotisme quelconque, il refuse de déléguer et s'avère réellement concerné par sa tâche contrairement à ses camarades. Richard Crenna est excellent également en capitaine suivant mollement le protocole et sa détresse n'en sera que plus grande lorsque les évènements s'envenimeront.

A l'image de ce monde colonialiste, la canonnière s'avère donc une communauté double entre maître et subalterne, dominants et dominés. Deux évènements viendront troubler cet état de fait avec la poignante histoire d'amour entre Richard Attenborough et une jeune chinoise (Marayat Andriane plus connue sous son pseudo Emmanuelle Arsan auteure des best-seller érotique Emmanuelle !) dont il cherche à payer la dette mais aussi un Holman contraint qui se lie d'amitié avec un coolie (Mako grand habitué du second rôle exotique du cinéma US notamment dans Conan le Barbare) auquel il enseignera les rudiments du métier. Ces deux liens seront mis à l'épreuve lors de moments d’une cruauté révoltante (la vente aux enchères de Maily) et trouveront une issue tragique.

Sous le cadre dépaysant et les impressionnantes séquences maritimes, c'est donc un récit plutôt intimiste qui se noue. C'est l'occasion pour Steve McQueen de déployer tout la finesse et la sensibilité de son jeu (lui qui affirmait être incapable de pleurer à l'écran cède à ces émotions le temps d'un bref et beau moment) en ne se reposant pas sur son seul (et incroyable) charisme avec ce qui est parmi ses prestation les plus fragile (qui lui vaudra sa seule nomination à l'Oscar. Holman est un être taciturne et refermé sur lui-même qui en s'ouvrant va également se trouver déchiré entre son devoir, sa morale et ses amours. La facette guerrière n'apparait donc que dans la toute dernière partie lorsque l'inattendu se produit avec la rébellion chinoise.

Entre la barbarie fanatiques des chinois trop longtemps opprimés et la lâcheté des américains (avec une situation explosive où ils ne peuvent répliquer qu'en cas d'attaque direct sous peine d'incident international) nul choix possible pour Holman constant la vacuité de tout cela (la saisissante dernière scène avec un McQueen en état second est des plus parlante). Robert Wise déploie toute sa maestria filmique lors d'une incroyable et sanglante traversée de barrage sur le fleuve ou d'un gunfight désespéré en conclusion. Un très grand film de guerre et un des chefs d'œuvres de son auteur.

Sorti en édition collector en dvd zone 2 français mais choisir plutôt l'édition zone 1 qui comporte la version longue (rallongée de 15 minutes) du film et dotée de sous-titres français.

El Perdido - The Last Sunset, Robert Aldrich (1961)

2011-12-23T15:46:00.005+01:00

O'Malley, coupable de meurtre, est poursuivi par le shérif Dana Stribling. Alors qu'il fuit vers le Mexique, O'Malley décide de rendre visite à Belle Breckenridge, qu'il a aimée, seize ans plus tôt. Quand il la retrouve, il apprend qu'elle est mariée et qu'elle a une fille de seize ans, Missy. John Breckenridge, un ivrogne et un lâche, cherche des hommes pour conduire son troupeau jusqu'au Texas. O'Malley accepte, contre le cinquième de ce troupeau. Quand Stribling le rejoint, O'Malley lui propose de reprendre son ancien métier de cow-boy et de l'aider à conduire les bêtes jusqu'à la ville où il est justement recherché pour meurtre...

The Last Sunset se situe dans une période creuse de la carrière de Robert Aldrich. Après avoir aligné les chefs d'œuvres dans la première moitié des années 50, le réalisateur marquait le pas après l'échec du Grand Couteau. La fermeture de sa société de production Associates and Aldrich (qui renaîtra de ses cendres grâce au succès des Douze Salopards) l'obligeait à accepter des projets impersonnels où il ne s'impliquera guère (Sodome et Gomorrhe officieusement dirigé par Sergio Leone) et lui faisant perdre de son pouvoir de décision sur ses films.

Cela s'avérera particulièrement vrai sur El Perdido où Kirk Douglas acteur et producteur via sa société Bryna (en difficulté à l'époque par la production couteuse de Spartacus) s'oppose dès le départ à son réalisateur qu'il ne juge pas assez impliqué Aldrich convoquant (selon Douglas) sur le tournage des scénaristes avec qui il travaille sur ses futurs projets. Tout cela donnera un résultat bancal mais néanmoins réussi et très significatif avec notamment La Vengeance aux deux visages de Brando sur les mutations en cours du western américain.

On sent bien les entraves posées par Kirk Douglas à Aldrich dont le sens de l'excès et la violence ne surgissent que par intermittences, notamment lors des accès de rage de O'Malley (ce moment où il tente d'étrangler un chien) où une terrible scène révélant la lâcheté de l'époux alcoolique joué par Joseph Cotten. Ici la violence est plus sourde et retenue que véritablement active mais n'en est pas moins intense. Les liens passés tumultueux qui lient les personnages instaurent ainsi une tension de tous les instants.

Rock Hudson pourchasse ainsi le criminel Kirk Douglas meurtrier de son beau-frère et les deux vont devoir s'associer en attendant de passer la frontière mexicaine pour convoyer le troupeau conduit par Joseph Cotten, époux claudiquant de Dorothy Malone amour de jeunesse de Douglas. La tension entre Hudson et Douglas n'atteint pas tout à fait les sommets attendus malgré l'interprétation irréprochable car le personnage d'Hudson semble moins fouillé et mis en valeur mais la rivalité amoureuse qui interviendra à mi film exprime bien ce qui oppose et rapproche les deux héros.

Kirk Douglas avec son allure d'archange noir et ses instincts de tueurs sans remords évoquent immédiatement le Lancaster de Vera Cruz. On découvrira pourtant progressivement un être passionné, romantique et figé dans le passé où Dorothy Malone adolescente fit chavirer son cœur. L'acteur délivre là une de ses prestations les plus sensibles, la dureté masquant toujours une âme écorchée vive (magnifique déclaration nocturne dans le désert).

Hudson est lui une figure solide et rassurante (qui représente plus l'avenir que la nostalgie douloureuse qu'éveille Douglas) pour une touchante Dorothy Malone dans un superbe rôle de femme mûre et marquée par la vie.

Ce nœud d'intrigues confère une tonalité romanesque inhabituelle chez Aldrich, qui vire même au psychanalytique dans une dernière partie audacieuse où flotte un parfum d'inceste. L'action se fait finalement assez rare (hormis un fulgurant affrontement en pleine tempête de sable) et le ton très introspectif et rêvé des dernières scènes envoute totalement : l'arrivée d'une sublime et virginale Carole Linley en robe jaune éveillée à la féminité, le regard chargé de souvenir et de désir de Douglas prêt à commettre l'irréparable...

Une révélation finale renforce encore la teneur mélodramatique de l'histoire et lorsqu’Aldrich daigne enfin céder aux canons du genre lors du duel final, c'est une profonde mélancolie qui en guide l'issue avec un sacrifice déchirant. Malgré les défauts dû à sa gestation houleuse (rythme très inégal) un beau western qui n'a pas à rougir face aux autres tentatives d'Aldrich dans le genre.

Sorti en dvd zone 2 françcais chez Sidonis dans la collection western.

Charleston et Vendetta - Čarlston za Ognjenku, Uroš Stojanovic (2008)

2011-12-22T01:05:00.004+01:00

Serbie, années 20. Les petits villages ont beaucoup de mal à se remettre de la Première Guerre mondiale qui leur a enlevé la plupart des hommes en âge de travailler et de procréer. A Pokrp, la situation est particulièrement dramatique, puisqu'on ne compte plus qu'un seul mâle survivant. Le jour où ce dernier est accidentellement tué par deux soeurs, la réaction des femmes du village est sans appel : les meurtrières doivent mourir, ou trouver un homme à ramener à Pokrp...

Un fort singulier objet venu de Serbie que ce tourbillonnant Charleston et Vendetta, premier film de Uros Stojanovic. L'histoire est étonnant conte moderne imprégné de folklore serbe, ayant pour thème l’hécatombe provoquée par la Grande Guerre dans le pays, même si les résonances avec une actualité plus proche et tout aussi sanglante dans la région sont évidentes.

L’ouverture est un modèle de présentation, entre la narration ludique truffée d'anecdotes et créant une petite mythologie (l'histoire des pleureuses, le Morgnoble) lorgnant sur le Jeunet d'Amélie Poulain, tandis que le visuel chargé évoque Baz Luhrmann période Moulin Rouge. Le ton alterne d'ailleurs entre humour bien excessif et ton dramatique pour manifester les effets de la pénurie d'hommes dans la région. La drôlerie vient de toutes les séquences montrant ces femmes en rut et frustrées, prêtes à se satisfaire avec un vieux débris ou se jetant telles des harpies sur le premier beau jeune homme qui passe. Cependant, le film excelle vraiment lorsqu’il cherche à retranscrire toute la mélancolie des conséquences provoquées par cette absence : jeune filles n’ayant jamais connu l’amour, villages plongeant peu à peu dans la désolation car sans enfant…

On retrouve dans ces instants-là l’identité slave propre au récit, telle cette séquence de beuveries grotesque et poignante à la fois où ,éméchées, les femmes aperçoivent les fantômes des disparus et se livrent à des étreintes imaginaires avec eux. On pense forcément au Kusturica d'Underground dans le côté fantastique et l’aspect bastringue.

La courte durée du film (1h25) pose tout de même problème pour développer au mieux toutes ces directions. Ainsi, après l’introduction exemplaire où les héroïnes sont idéalement dépeintes et les enjeux efficacement amenés, la suite s’enchaîne bien trop vite, provoquant une certaine frustration.

La quête des hommes par les deux sœurs annonçait une épopée des plus picaresques, mais tourne malheureusement assez court. Heureusement, quelques scènes du périple bourrées de fantaisies rattrapent la déception, comme la rencontre rocambolesque des sœurs avec leurs amants, ou un charleston endiablé provocant une ferveur digne d’un concert des Beatles chez la gent féminine.

La mise en scène de Stojanovic (également auteur du script), pleine de bruit et de fureur, fait merveille en mêlant modernité (une foule d’effets numériques aussi réussis que surprenants dans leur utilisation) et tradition. Les entrées de champs spectaculaires, les gros plans visages hyper expressifs (le casting s’en donne à cœur joie) n’étant pas sans faire penser à Orson Welles, Méliès se voyant même convoqué le temps d’un spectaculaire tir de canon humain.

La dernière partie, nettement plus dramatique, aborde en filigrane les conflits futurs qui dévasteront le pays. La rivalité masculine des deux hommes, celles animant les femmes du village se les disputant, les héroïnes se sentant spoliées de leurs amours : toutes cette série de conflits vient rappeler à notre souvenir l’instabilité de cette région surnommée la poudrière des Balkans. La conclusion amère étonne d’ailleurs en séparant le couple le plus innocent, tandis que celui qui semblait instable en apparence s’offre une flamboyante union dans la mort dans une scène à l’image du film, excessive et poétique à la fois.

Malgré une sortie salle éclair en France à l'été 2009, c'est toujours inédit en dvd chez nous. Se pencher donc vers le dvd zone 2 anglais (sous le titre "Tears for Sale) doté de sous-titres anglais.