Fresh - Boaz Yakin (1994)

Fresh raconte l'histoire de Michael (Sean Nelson), surnommé Fresh, un garçon de 12 ans faisant passer de la drogue pour le compte des gros dealers locaux (notamment Giancarlo Esposito). S'inspirant des leçons d'échecs de son père (joué par Samuel L. Jackson), un maître du blitz (forme d'échecs où les coups se jouent très rapidement), Fresh établit un plan pour sortir sa sœur droguée (N'Bushe Wright) et lui-même de leurs vies sans espoir.

A travers le succès des films de Spike Lee et des cultissimes Boyz'n the Hood de John Singleton (1991) et Menace II Society des frères Hughes (1993), le « film de ghetto » est un sous-genre en essor au début des années 90. Il s’imprègne de l’imagerie et des excès du gangsta rap triomphant dans les charts (tout comme la Blaxploitation s’inscrivait dans le sillage de la soul 70’s), témoigne d’une réalité sociale violente et définit une nouvelle forme de polar urbain. C’est l’occasion de casting témoignant de la diversité ethnique de ces ghettos à travers les communautés noires ou latino aux Etats-Unis, d’une découverte des nouveaux codes criminels avec la culture des gangs. Les avatars ne manqueront pas, plus ou moins bons et surtout s’étendront à d’autres pays pour de grandes réussites comme La Haine de Matthieu Kassovitz (1995) en France ou La Cité de Dieu de Fernando Mereilles (2002) au Brésil. 

Dans ce courant, Fresh est un opus aussi méconnu qu’atypique. Il s’agit du premier film du scénariste Boaz Yakin, qui s’était fait connaître en donnant dans un versant plus tape à l’œil du polar urbain avec Punisher (1989) et La Relève de Clint Eastwood (1990). Avec Fresh, Yakin s’attèle à une œuvre plus intimiste et qui tout en respectant le réalisme attendu d’une vision des ghettos US dénote dans le genre par son ton, certains choix artistiques (on n’entend pas un seul morceau de rap du film, dominé par la bande-originale mélancolique de Stewart Copeland) et dramatique notamment le point de vue d’un jeune adolescent. Dès l’ouverture l’enchevêtrement inextricable entre le quotidien et la réalité criminelle du ghetto frappe lorsqu’on suit le jeune Michael « Fresh » (Sean Nelson) opérer comme coursier sur le chemin de l’école pour les dealers du quartier. 

Retardé par les différents intermédiaires (où le sens du détail inscrit destin partout telle cette mama latino joviale au bras criblés de piqûres), il finit même par arriver en retard en classe. La loi du ghetto oriente dès le plus jeune âge vers le chemin de la délinquance et rien ne semble pouvoir rien y changer. Yakin le développe subtilement dans le quotidien de de l’école et la camaraderie avec les attitudes des ados reprenant gestuelle et langage gangsta, à travers la réalité sociale aussi avec Michael vivant dans un appartement exigu avec sa tante et ses cousines. Le réalisateur ne donne pas dans le sordide mais plutôt sépare bien grâce à la photo de Adam Holender l’intime sinistre aux teintes sombres et les couleurs chaudes des scènes de rue supposées signifier l’exaltation et le panache de cette vie. 

Une anomalie vient pourtant ce glisser avec la mélancolie que dégage le personnage de Fresh, interprété tout en retenue par Sean Nelson. Il suit cette voie contraint, emprisonné par un déterminisme social qui frappe tout son entourage notamment sa sœur (N'Bushe Wright) junkie sous la coupe du redoutable dealer Esteban (Giancarlo Esposito). Les longs plans sur le regard pensif de Fresh tout comme les nombreux fondus enchaînés installent une forme de spleen planant qui donne une certaine hauteur au récit, tandis que des éléments plus concrets révèleront les aptitudes qui permettront à Fresh de s’en sortir. 

Le culot et la gouaille de l’adolescent se conjuguent à une intelligence hors pair rôdée aux parties d’échecs menées avec son père (Samuel L. Jackson excellent en mentor abîmé par la vie). Ce dernier lui racontera ses hauts et ses bas face aux grands joueurs d’échecs qu’il a pu rencontrer, tout en lui expliquant que dans l’urgence d’une partie au parc du quartier il pourrait facilement battre n’importe quel cador mondial. La réalité du ghetto oblige à penser vite et bien si l’on veut survivre et ce sera l’apprentissage de Fresh avant de mettre en place un plan audacieux pour échapper à sa condition.

Le film donne dans le coming of age classique mais dont les passages obligés (les sorties avec les copains, les premières amours) sont zébrées par des éclairs de violence révoltants où la mort frappe au hasard, même les enfants ayant le tort de se trouver au mauvais endroit aux mauvais moments (insoutenable scène du terrain de basket). Boaz Yakin use de ce point de vue juvénile pour verser dans la tonalité de conte (voie qu’empruntera notamment l’excellent et méconnu polar  La Peur au ventre de Wayne Kramer (2005) et Boaz Yakin à nouveau dans le plus récent Safe (2012)) où Fresh est une sorte de Petit Poucet qui n’a que son astuce pour vaincre les multiples ogres qui l’entourent. Le réalisme cru et cette imagerie s’entremêlent constamment, notamment lors d’une scène nocturne où les jeux d’ombres engloutissent Fresh et un ami surpris par des hommes de mains brutaux. La caractérisation méticuleuse de tous les protagonistes (même les plus secondaires au premier abord), l’identification précise des lieux et des business illégaux qui s’y déroule (la nature des différentes drogues distribuées par chacun des dealers aura son importance) permettent de rendre crédible les manœuvres de Fresh tout en conservant un suspense haletant. 

Boaz Yakin ne donne jamais dans la facilité, son héros est à la fois stoïque et vulnérable, le contexte cru évitant les écarts à la Maman j’ai raté l’avion (1991) et son gamin jamais effrayé de faire face à des malfrats – même si bien sûr l’objectif des films diffère. Tout tient finalement à cette émotion contenue si longtemps et que Fresh laisse éclater lors d’une magnifique dernière scène où il peut enfin avoir son âge et laisser couler ses larmes. 

Inédit en dvd zone 2 français (alors qu'il avait eu droit à une sortie salle française à l'époque) mais trouvable en dvd zone 1 avec sous-titres anglais et une vf 

 

Les Huit Salopards - The Hateful Eight, Quentin Tarantino (2015)

Quelques années après la Guerre de Sécession, le chasseur de primes John Ruth, dit Le Bourreau, fait route vers Red Rock, où il conduit sa prisonnière Daisy Domergue se faire pendre. Sur leur route, ils rencontrent le Major Marquis Warren, un ancien soldat lui aussi devenu chasseur de primes, et Chris Mannix, le nouveau shérif de Red Rock. Surpris par le blizzard, ils trouvent refuge dans une auberge au milieu des montagnes, où ils sont accueillis par quatre personnages énigmatiques : le confédéré, le mexicain, le cowboy et le court-sur-pattes. Alors que la tempête s’abat au-dessus du massif, l’auberge va abriter une série de tromperies et de trahisons.

Huitième film de Quentin Tarantino, Les Huit salopards est une de ses œuvres les plus surprenantes et audacieuses. Le film constitue en apparence une sorte de digest Tarantinien où le réalisateur concentre divers éléments ayant fait le sel de sa filmographie : huis-clos en forme de jeu de massacre évoquant l’inaugural Reservoir Dogs (1992), le genre western irriguant toute sa filmographie à nouveau abordé après Django Unchained (2013), casting d’habitués (Tim Roth, Samuel L. Jackson, Michael Madsen, Zoé Bell) déclamant une logorrhée plus prépondérante que jamais et la référence culte qui va bien avec l’ombre du The Thing (1982) de John Carpenter planant dans l’atmosphère enneigée paranoïaque et les emprunts de la bande-son. De plus après la poursuite en voiture ultime ou le combat d’arts martiaux le plus virtuose entre autres, Tarantino se lance un nouveau défi technique avec un tournage dans le format monumental et oublié du 70 mm, le tout pour un récit se déroulant pour l’essentiel entre les quatre murs d’une cabane exiguë. Un programme qui sent bon l’autosatisfaction et qui laisserait penser que pour la première fois l’auteur se répète. Ces craintes vont assez magistralement voler en éclat. 

Depuis les années 2000 Tarantino aura entamé un passionnant cycle méta où il s’interroge sur le pouvoir du cinéma et sa capacité à nourrir nos pulsions primaires à travers la thématique de la vengeance. Kill Bill Volume 1 (2003) donne ainsi le versant le plus jubilatoire et référencé (films de la Shaw Brothers, chambarra au féminin de Meiko Kaji, films de yakuza…) de ce thème de la vengeance avant un retour sur terre plus désenchanté dans Kill Bill Volume 2 (2004). Sous sa légèreté, son hommage au slasher et son concept ludique, Boulevard de la mort (2007) constitue une vraie œuvre de transition où le film fait déjà du cinéma une arme contre une forme de tyrannie, le machisme. La testostérone motorisée et meurtrière incarnée par Kurt Russell après avoir décimé des victimes innocentes dans la première partie trouvait à qui parler avec les jeunes femmes dures à cuire et cascadeuse de la seconde, leur lien au cinéma en faisant des êtres aptes à  tenir tête au tueur.

Tarantino allait plus loin en vengeant les génocides et barbaries de la grande Histoire dans Inglourious Basterds (2009) et Django Unchained (2012) où les juifs et les esclaves prenaient une cathartique et jubilatoire revanche sur les nazis et les esclavagistes américains. Des grands succès où l’on accusait pourtant Tarantino de flatter les bas-instincts des spectateurs, quand bien même les indices d’un propos moins manichéen se laissaient deviner (la folie meurtrière du Bear Jew n’a pas exactement le même effet que la punition finale complice de Christopher Waltz dans Inglourious Basterds, et le méchant le plus retors de Django Unchained est un noir). 

Les Huit Salopards tout en concentrant dans une certaine épure tous les motifs Tarantinien va être à la fois une réponse, un prolongement et un pendant inversé du cheminement des œuvres précédentes. Dans des Etats-Unis post Guerre de Sécession, les circonstances vont réunir en pleine tempête de neige différents archétypes faisant office d’instantané du pays. Le chasseur de prime John Ruth « The Hangman » (Kurt Russell) est supposé représenter le bras impitoyable de la justice, lui qui doit son surnom à sa volonté d’amener ses proies bien vivantes au gibet pour qu’elle soient pendues en bonnes et dues formes. Le Major Marquis Warren (Samuel L. Jackson) ancien gradé de l’armée nordiste et érudit correspondant de Lincoln semble lui être un symbole d’un pays prêt à l’émancipation des noirs tandis qu’à l’inverse Chris Mannix (Walton Goggins) fils de renégat sudiste représente au contraire cette Amérique arriérée et raciste. 

Les trois protagonistes se rencontrent par hasard et partagent une diligence où au gré de la conversation, leur attitude (la brutalité de John Ruth envers sa prisonnière Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh)), la révélation de leur pédigrée (le tableau de chasse sinistre de Marquis Warren) et caractère (la bonhomie, l’accent sudiste chantant et la gouaille de Chris Mannix le rendant étonnamment sympathique) vont commencer à fissurer ces archétypes initiaux. Une fois coincés dans cette cabane, les personnages vont croiser un autre archétype avec le général sudiste Sanford Smithers (Bruce Dern) lui aussi tiraillé entre un passif sanglant et une certaine vulnérabilité par la quête de son fils disparu. Enfin, en lieu et place de la maîtresse d’auberge Minnie on trouvera trois mystérieux protagonistes figurants d’encore plus grossiers archétypes (le mexicain (Demián Bichir), l’anglais éloquent (Tim Roth) et le plouc taciturne (Michael Madsen)) possiblement complices pour faire évader Daisy Domergue.

L’aspect whodunit est rondement mené par Tarantino et sert d’argument pour nous introduire à une fable impitoyable. Délestée de cause et de personnages positifs pour la servir, la violence illustre ici la haine pure et simple d’une société américaine à vif. La tournure des évènements et les révélations rendront les protagonistes d’une monstruosité équivalente. Marquis Warren sous le maniement du verbe aura rendu la pareille d’une manière ignoble à la cruauté de l’homme blanc (l’ignominie étant psychologique ou concrète selon la véracité d’un saisissant flashback, l'éloquence suffisant à capter l'attention de l'assistance), changeant le regard sur lui pour finalement en faire un avatar dégénéré du si cool et chevaleresque Django du film précédent. Pire, cette vilénie s’avère nécessaire dans l’enfer que semble être cette Amérique pour l’homme de couleur, le MacGuffin de la lettre de Lincoln changeant le regard des supposés plus tolérants (voir la remarque cinglante d’un John Ruth désabusé). Tarantino fait voler en éclat son regard sur les victimes, l’ambiguïté latente dont il teintait ses « revanches » cinématographique n’ayant plus cours. 

Le racisme trouve une réponse abjecte avec Marquis Warren et toute velléité de féminisme s’estompe devant la véritable harpie qu’incarne une extraordinaire Jennifer Jason Leigh. Tout comme le « noir » perd son statut d’opprimé par sa propre monstruosité, la « femme » nous partage entre rire coupable et dégout face aux outrages qu’elle subit et le sadisme dont elle est capable. Cette approche frontale en forme de jeu de massacre recèle d’ailleurs plusieurs couches qui rendent le tableau plus sombre encore. Le chapitre quatre nous révélant les évènements précédant l’arrivée des voyageurs sèment ainsi le chaud et le (très) froid. On a la surprise de découvrir que la tenancière était noire tout en se souvenant d’un rebondissement ayant révélé sa haine des mexicains, le progressisme et le rejet de l’autre s’incarnant dans ce qui apparait pourtant comme le personnage le plus doux et innocent du film.

Le format 70mm dans les extérieurs majestueux évoque un monde vide et en désolation avec ce paysage neigeux et immaculé à perte de vue dont le seul bastion de vie est un terreau de haines insurmontables. Le score d’Ennio Morricone n’a rien de celui d’un western classique et n’existe que pour exprimer la tension sourde et les rancœurs, Tarantino empruntant certaines des pistes les plus inquiétantes et glaciales du maestro italien (et inutilisées par Carpenter) issues du score de The Thing pour traduire ce sentiment de déshumanisation et cette paranoïa. Le réalisateur en jouant sur les focales et la profondeur de champs unit ou divise les protagonistes au gré des évènements, sa caméra arpente le décor dont il fait une métaphore en miniature des conflits idéologiques et personnels qui se jouent. Personnage à part entière cet environnement s’étend ou se resserre pour figurer le fossé ou le lien profond de la haine qui imprègne la pièce et ces occupants. 

Le film s’avère particulièrement oppressant et déplaisant tout en montrant un Tarantino à son sommet stylistique. La musicalité des dialogues à travers le jeu sur les accents, l’emphase des joutes verbales et les gimmicks (la récurrence interrogative et menaçante Are you got it ?) sont un véritable délice pour l’oreille avec des interprètes à l’onctueuse éloquence comme Samuel L. Jackson, Walton Goggins et un Kurt Russel génial et tout en éructations agressives. Même une interprétation au premier abord faible célèbre en fait le génie de Tarantino avec un Tim Roth qui semble faire du sous Christopher Waltz par sa préciosité mais qui participe en fait au jeu de faux-semblant et à la théâtralité assumée de l’ensemble. Une théâtralité d’ailleurs célébrée dans le chapitre quatre qui se conclut en faisant endosser à chacun son rôle, en mettant littéralement la « scène » en place pour les nouveaux arrivants et le spectateur. 

C’est ce plaisir du conteur qui rend le film ludique en dépit de sa profonde noirceur, tel ce génial panoramique arpentant le décor lors de la scène du café empoisonné (clin d’œil évident à la légendaire scène du test sanguin de The Thing) où tout s’équilibre miraculeusement dans la tension : le jeu vicieux de Jennifer Jason Leigh, le mouvement savamment étudié de la caméra, le jeu sur la profondeur de champ avec les possibles buveurs du breuvage et l’explosion gore laissant éclater les macabres effets. C’est sans doute le film le plus violent du réalisateur, avec des débordements sanglants donnant dans la pure comédie noire outrancière mais figurant également un mal profond à expulser (d’ailleurs Tarantino ne recycle-t-il pas un autre thème de Morricone issu de L’Exorciste II (1977) de John Boorman ?) ou dans lequel baigner avec délice telle une Jennifer Jason Leigh aux allures de Carrie dans la dernière partie.

C’est à croire que la naïveté et la croyance qui guidaient les revanches cinématographiques, historiques et sociales de ses derniers films s’étaient brisées sur l’écueil de son engagement récent et bien réel contre les brutalités policières envers les noirs aux Etats-Unis. La société américaine à couteaux tirés du film n’est finalement qu’un reflet de celle d’aujourd’hui où le policier à la gâchette fébrile face au noir forcément dangereux, où ce noir naît dans la haine de l’uniforme et où la population revendique son droit à s’armer librement comme l’y autorise le 2^e amendement. Le final cinglant fait d’ailleurs de cette violence le seul lien surmontant les clivages (puisque le symbole apaisé qu’était la lettre de Lincoln s’avérera factice), le noir et le sudiste raciste appliquant une justice sommaire avec une jubilation commune. Cette fois pourtant, Tarantino est indéterminé entre le bourreau et la victime quant au plus monstrueux. Un vrai grand film, déplaisant, rugueux et d’un profond pessimisme sur la nature humaine. 

En salle 

 

Django Unchained - Quentin Tarantino (2012)

Dans le sud des États-Unis, deux ans avant la guerre de Sécession, le Dr King Schultz, un chasseur de primes allemand, fait l’acquisition de Django, un esclave qui peut l’aider à traquer les frères Brittle, les meurtriers qu’il recherche. Schultz promet à Django de lui rendre sa liberté lorsqu’il aura capturé les Brittle – morts ou vifs. Alors que les deux hommes pistent les dangereux criminels, Django n’oublie pas que son seul but est de retrouver Broomhilda, sa femme, dont il fut séparé à cause du commerce des esclaves…

Kill Bill Volume 1 et 2 (2003,2004) et leurs déluges d’influences avaient initiés le cycle « référentiel » (ou du moins sa nature aussi prononcée dans le contenu de ses films) de Quentin Tarantino ainsi que son exploration du thème de la vengeance. Ce n’est pourtant qu’avec le mal-aimé mais fascinant Boulevard de la mort (2007) que se développerait réellement le projet filmique du réalisateur. L’idée sera de revisiter le genre très codifié du slasher et au sein du même récit d’en donner le déroulement classique puis l’antithèse où les éternelles victimes féminines vont sévèrement se rebiffer contre le serial-killer automobile incarner par Kurt Russell. Les héroïnes cinéphiles semblaient en tirer une force supplémentaire qui leur permettait de contrebalancer le schéma établi dans un jubilatoire élan féministe. Dès lors Tarantino allait dans une ambition plus vaste étendre cette idée à l’échelle de la grande Histoire dont les grandes victimes pourraient obtenir réparation par le prisme de la puissance cinématographique. Le résultat serait le brillant Inglorious Basterds (2009), faux film de commando et vraie revanche des juifs sur le régime nazi ou dans une uchronie scandaleuse Hitler, Goebbels et tous les pontes du Troisième Reich étaient sauvagement décimés durant la projection d’un film de propagande. Le film était une vraie œuvre de vengeance jubilatoire (le sort final du SS incarné par Christopher Waltz) tout en constituant une vraie réflexion sur la violence et esquissant des références plus subtiles, le récurrent Sergio Leone cédant progressivement au Ernst Lubitsch de To be or not to be (1942). 

Django Unchained se propose de poursuivre l’entreprise en permettant cette fois aux esclaves afro-américains d’obtenir réparation. Le film est bien sûr un clin d’œil à Django (1966) de Sergio Corbucci, classique du western spaghetti soit un genre imprégnant l’œuvre de Tarantino (Kill Bill Volume 2 et Inglorious Basterds surtout) et dont la brutalité imprégnera le récit. Si l’homonyme incarné par Jamie Foxx poursuit une quête de vengeance voisine (se venger de ceux lui ayant arraché son épouse) le fait qu’il soit afro-américain amène une autre somme d’influences puisqu’il arborera tous les attributs du héros de blaxploitation déplacé dans un cadre de western. La période historique abordée évite cependant d’amener de manière trop appuyée cet aspect référentiel, Tarantino frustrant une fois de plus les cinéphiles paresseux espérant la simple redite d’un genre emblématique (les attentes d’un film de commando ou de slasher classique décevant les attentes pour une proposition bien plus passionnante).

Django Unchained est le récit de la construction d’un héros dont la dimension cinéphile sous-jacente constituera la force. Le film se divise en deux parties définissant cela. La première est celle de l’apprentissage au côté du mentor King Schultz (Christopher Waltz), chasseur de prime qui va délivrer l’esclave Django car il est le seul à pouvoir identifier ses prochaines cibles. S’attachant à son protégé, il va lui apprendre les arcanes du métier pour ensuite l’aider à délivrer son épouse d’une sordide plantation sudiste. Django encore rustre et intimidé y découvre ainsi la virtuosité arme poing de Schultz, son intelligence méthodique et son art de la joute oratoire en forme d’esbroufe pour mieux duper l’ennemi lors de péripéties hautes en couleur. Christopher Waltz offre un pendant positif du méchant qu’il incarnait dans Inglorious Basterds, son bagout et sa truculence amenant une facette plus attachante qu’intimidante. Le point commun serait leur nature impitoyable dans leur métier et c’est ce qui amène un des moments pivot du film. Guettant un des malfrats mis à prix qu’ils traquent, Django hésite à froidement l’abattre pour la prime car celui-ci est devenu fermier et se trouve aux côté de son jeune fils.

Schultz lui rappelle les crimes de leur cible et que ce métier est ainsi fait de cette justice expéditive. Django s’exécute et apprend la leçon. Tarantino aura beau entourer la vengeance d’une aura extatique et excitante, les chemins qui y mènent sont pavés de noirceur et de sacrifices. L’assouvissement amer de Kill Bill 2 était là pour le rappeler et la mort du méchant « de cinéma » de Inglorious Basterds était bien plus savoureuse que le carnage halluciné des nazis bien réels dans la salle de cinéma où Tarantino vengeait l’Histoire tout en renvoyant dos à dos dans la barbarie agresseurs et agressés. La vengeance n’est jamais plus puissante finalement que dans la quête individuelle du héros et c’est seulement là qu’il est captivant de lui faire endosser cette revanche sur l’Histoire qui l’a oppressé. Cette première partie intègre ainsi Django dans le monde de Schultz, lui confère une identité et l’entoure d’une aura mythologique en l’associant à un Siegfried moderne affrontant le dragon esclavagiste pour sauver sa Brunehilde. 

Dans cette volonté de tisser le lien mentor/élève et l’amitié unissant Schultz et Django, Tarantino se déleste d’ailleurs de ses afféteries narratives comme le chapitrage pour un récit linéaire qui file droit, une vraie odyssée d'un classicisme flamboyant dans son esthétique (les intérieurs habituels du cinéastes cédant aux grands espaces américains). Le décalage n’intervient que durant l’hilarante scène des cagoules des membres du Ku Klux Klan (la leçon de To be or not to be a été retenue, pour dénoncer une idéologie barbare en démontrer le ridicule reste encore le moyen le plus efficace), dans la définition de son héros encore mal dégrossi (Django manifestant son individualité par sa tenue criarde une manière de se moquer gentiment de l’attrait des noirs pour les tenues voyantes, blaxploitation style) et soumis à ses émotions. La revanche envers les trois négriers apporte pour la première fois une présence iconique à Django et laisse tonner le thème original de Luis Bacalov issu du film de Corbucci, l’inversion s’opérant par le dialogue (I like the way you die boy) et les actes lorsque symboliquement il arrache le fouet pour l’abattre sur son ennemi.

La seconde partie est un pendant inversé ou Django retrouve désormais plus fort le monde esclavagiste et doit en enseigner les arcanes à Schultz. Pour délivrer son aimée ils devront en effet s’acoquiner au féroce Calvin Candie (Leonardo Di Caprio) propriétaire sudiste sournois et amateur de mandingue (luttes d’esclaves). Django tout à son objectif sait enfin faire preuve de froideur et d’assurance quitte à passer pour le pire des traitres à sa race en simulant être un noir libre et négrier. Les rôles s’inversent avec un Schultz sans états d’âmes avec ses cibles mais incapable de supporter la barbarie des états du sud. Même s’il assume sa nature de divertissement, Django Unchained illustre avec autant sinon plus de crudité qu’un 12 years a slave (2013) la cruauté des  traitements infligés aux esclaves. Les scènes de mandingues ou cet esclave évadé dévoré par les chiens sont insoutenables tout en faisant preuve d’une retenue contrebalançant avec la violence « fun » d’autres instants du film. 

Les rires gras des traqueurs lors de la scène des chiens ou l’excitation de gamin de Candie face au combat sanglant amènent une froide distance sur leur désinvolture face à l’innommable. Django dont cela a constitué l’existence serre les dents en attendant son heure tandis que ses images imprègnent durablement Schultz. La bonhomie et la malveillance ordinaire de « l’oncle Tom » (expression péjorative sur les noirs exagérément déférent à l’homme blanc) Stephen (incarné par Samuel L. Jackson avec un sacré maquillage) en fait cependant le vrai antagoniste de l’histoire. Si Candie est un effroyable raciste se cachant sous un pseudo raffinement (voir la scène où il théorise sur le crane d’un esclave pour définir la soumission innée des noir), Stephen est son âme damnée, satisfait de sa position et horrifié à l’idée de voir un congénère s’émanciper. Une figure passionnante dont Samuel L. Jackson parvient à faire dépasser l’aspect caricatural.

Jamie Foxx est parfait dans le rôle-titre car ayant compris le côté « work in progress » de son personnage – ce qui ne fut pas le cas d’un Will Smith immodeste qui refusa le rôle car il trouvait Django trop passif. En retrait, naïf et craintif au départ, trop démonstratif dans un premier temps pour signifier son statut d’homme libre (le fameux ensemble bleu clinquant) puis enfin taiseux, plein d’assurance et à la répartie fulgurante une fois assumé ce statut héroïque - et surtout un amoureux éperdu, toutes les apparitions fantômatiques de Broomhilda apportant une sensibilité poignante. Tout le film aura tendu vers cette évolution, une longue et haletante joute verbale à l’issue sanglante dont Tarantino a le secret signifiant le passage de relai entre Schultz et Django. 

Notre héros est enfin prêt à se libérer sans son mentor dont il aura assimilé l’éloquence trompeuse (superbe scène où il entourloupe les négriers cupide), la dextérité arme au poing et un sens de la mise en scène qui rend le final vengeur d’autant plus jubilatoire. Après l’élégant classicisme de la première partie (où seules les gerbes de sang,les trognes, la saleté et quelques zooms agressifs évoquent réellement le western spaghetti), Tarantino opte pour un style plus heurté (le gunfight dans le domaine, assez inédit dans le western comme du Peckinpah en accéléré) où s’immiscent des titres hip hop dictant une modernité participant à la prise de pouvoir de Django. Enfin lui-même, osant les poses frimeuses sous le regard énamouré de sa Broomhilda (Kerry Washington), Django est définitivement libéré de ses chaînes pour rentrer dans la légende. Une grande réussite de plus pour Tarantino.

Sorti en bluray et dvd zone 2 français chez Sony 

Avengers : L'ère d'Ultron - The Avengers: Age of Ultron, Joss Whedon (2015)

Alors que Tony Stark tente de relancer un programme de maintien de la paix jusque-là suspendu, les choses tournent mal et les super-héros Iron Man, Captain America, Thor, Hulk, Black Widow et Hawkeye vont devoir à nouveau unir leurs forces pour combattre le plus puissant de leurs adversaires : le terrible Ultron, un être technologique terrifiant qui s’est juré d’éradiquer l’espèce humaine.

Le triomphe commercial d’Avengers (2012) avait constitué une apothéose de l’ambitieux et inédit défi du studio Marvel : la transposition au cinéma d’un univers étendu reprenant celui des comics où les super héros s’entrecroisent, s’entraident et s’affrontent. Avengers avait su concilier cette continuité tout en proposant un vrai bon film, ce que les aventures individuelles des personnages n’avaient pas toujours réussies - pour des bons Iron Man (2007) et Captain America (2011), de nettement plus oubliables Iron Man 2 et Thor (2012). Avengers : l’ère d’Ultron vient donc réunir de nouveau notre équipe de super héros après une phase 2 nettement plus réussie. Les moins bons films - Iron Man 3 (2013) et Thor 2 : le monde des ténèbres – demeuraient des divertissements honorables tandis que les vraies réussites donnaient des résultats surprenant et audacieux avec l’étonnamment politisé Captain America : le soldat de l’hiver et le space opera bariolé Les Gardiens de la Galaxie. Plus Marvel lâchait du lest sur sa continuité et le plan d’ensemble de cet univers étendu, meilleur était les films. La « formule » Marvel aura permis de mettre en route une sacrée machinerie à succès mais risque aussi constamment le pilotage automatique, écueil où tombe en partie Avengers : l’ère d’Ultron.

 Le propos est intéressant avec une vraie continuité des évènements d’Avengers, Iron Man 3 et Captain America : le soldat de l’hiver. Ces films auront révélés à la fois la menace extérieure cosmique pesant sur la Terre mais aussi le démantèlement de l’organisation viciée du SHIELD qui avait réunis nos surhommes. Le film s’ouvre par une victoire définitive sur l’Hydra et cet apaisement temporaire va placer nos héros face à leurs doutes. La peur pour Tony Stark à jamais traumatisé par sa découverte d’une galaxie plus vaste et truffée de danger innommables, la peur face à sa propre nature monstrueuse pour Bruce Banner/ Hulk. 

Nos demi-dieux se trouvent ainsi sans repère dans ce monde réel, thèmes déjà évoqués avec brio à travers le man out a time Captain America et la tueuse de la Guerre Froide la Veuve Noire (Scarlett Johansson). Les ennemis constitueront donc ici un miroir de ces peurs, façonnés bien malgré eux par nos héros. L’androïde sanguinaire Ultron est ainsi une extension extrême des préceptes sécuritaires de Stark où l’humain n’a plus sa place et la Sorcière Rouge (Elizabeth Olsen) par ses pouvoirs psychiques réveille les traumas de nos héros qui vont perde pied. Dès lors, c’est Hawkeye (Jeremy Renner bien plus mis en valeur dans ce film) le plus humain, le plus « faible » de ces héros qui va s’avérer le plus équilibré et apte à remettre sur pied ses acolytes.

Ces thématiques passionnantes vont être un peu sacrifiées sur l’autel de l’efficacité après une première partie de film intéressante. Face à un bagage narratif de plus en plus conséquent, on perd grandement d’un vrai rendu cinéma. Tous les précédents films malgré la continuité faisaient le minimum d’effort pour rendre l’aventure unique et de resituer suffisamment d’informations afin que le spectacle demeure captivant pour qui n’avait vu toutes les productions Marvel, voir aucune. Plus de cela ici où l’on semble entré dans une logique de série TV sur grand écran supposant que le spectateur est au fait de toutes les références délivrées. Cela joue sur une narration au montage chaotique (la géographie est particulièrement malmenée dans la dernière partie où l’on ne sait plus dans quel pays on se trouve) où les personnages apparaissent/disparaissent pour des actions pas toujours claires. Mais après tout c’est le projet qui veut cela et même si l’on peut s’interroger sur comment vieilliront ces films, le succès actuel semble donner raison à Marvel. Le problème serait plutôt quand cette logique télévisuelle finit par empiéter sur l’esthétique du film.

On le sait depuis la série Buffy contre les vampires, Joss Whedon est plus doué pour l’étude de caractère que pour mettre en scène l’action. Le final épique d’Avengers avait constitué un vrai progrès qui rachetait les précédentes productions Marvel anémique en morceaux de bravoures. Si les moyens sont là, le réalisateur n’a malheureusement pas progressé dans l’illustration du sense of wonder typique des Comics. Hormis un combat réellement haletant entre Iron Man et Hulk en pleine ville, le reste demeure terriblement timoré. Entre tentative malheureuse de composition de plan comics (l’attaque collective très bancale d’ouverture), combats confus et poursuite standards, il n’y a pas grand-chose de marquant pour la rétine. Le métro lâché en pleine ville fait peine à voir face une séquence voisine du Spider-Man 2 (2004) de Sam Raimi et le climax nous ressert une fois de plus le McGuffin à protéger ainsi que l’objet massif que l’on doit s’empêcher de s’écraser au sol (péripéties concluant presque tous les Marvel avec un étonnant manque de renouvellement). 

Tout est fait pour retrouver la dynamique du premier Avengers, y compris le plan séquence les montrant héroïque et soudés alors qu’ils sont poussés dans leurs derniers retranchements. Le manque d’ampleur et l’effet de redite tue un peu la force de cette conclusion, gâchées par les trop nombreux bons mots et des personnages au pouvoirs inexploités – Vif-Argent (Aaron Johnson) qui se contente d’aller vite et rien de plus quand il s’offrait une séquence d’anthologie dans X-Men : Day of futur past (2014) récemment. Le manque de maîtrise de Whedon fait tâche face à la concurrence (Man of Steel (2013) de Zack Snyder) mais aussi des propres productions Marvel puisque les frères Russo avait proposé un fort dynamique Captain America : le soldat de l’hiver.

Avengers : l’ère d’Ultron est donc paradoxalement plus captivant dans ces moments introspectifs que spectaculaires. Les premiers auraient dû renforcer l’implication lors des seconds mais faute d’une mise en scène inventive, cela ne fonctionne pas. Heureusement l’intérêt pour les personnages (et la dimension feuilletonesque chère à Marvel) demeure à travers plusieurs pistes lancées comme la romance Hulk/Veuve Noire et le conflit idéologique Iron Man/Captain America qui fera tout le sel de Captain America : Civil War l’an prochain. Tête de gondole du projet Marvel, les films réunissant les Avengers se devront en tout cas à l’avenir d’être (comme pu l’être le premier) les pinacles de cet univers et pas un produit standard. 

En salle

Captain America, le soldat de l'hiver - Captain America: The Winter Soldier, Anthony et Joe Russo (2014)

Après les événements cataclysmiques de New York de The Avengers, Steve Rogers aka Captain America vit tranquillement à Washington, D.C. et essaye de s'adapter au monde moderne. Mais quand un collègue du S.H.I.E.L.D. est attaqué, Steve se retrouve impliqué dans un réseau d'intrigues qui met le monde en danger. S'associant à Black Widow, Captain America lutte pour dénoncer une conspiration grandissante, tout en repoussant des tueurs professionnels envoyés pour le faire taire. Quand l'étendue du plan maléfique est révélée, Captain America et Black Widow sollicite l'aide d'un nouvel allié, le Faucon. Cependant, ils se retrouvent bientôt face à un inattendu et redoutable ennemi - le Soldat de l'Hiver.

Ce deuxième volet des aventures de Captain America constitue, après Iron Man 3 et Thor : le monde des ténèbres, un des jalons de la phase 2 du projet de Marvel devant nous mener à la seconde aventure des Avengers prévu en 2015. Après divers films les présentant de manière individuelle et semant les pièces du puzzle d’une aventure collective à venir, Marvel avait gagné son pari avec le triomphe aussi massif qu’inattendu d’Avengers (2012). L’univers des super-héros acquérait la même ampleur et dimension poreuse que dans les comics, avec des personnages se côtoyant d’une aventure à une autre. La deuxième phase s’entame donc avec la relance des premiers personnages adaptés ainsi que la transposition de nouveaux (Ant Man et Docteur Strange sont annoncés) dont ce Captain America. Captain America : First Avenger (2011) avait constitué à sa sortie la meilleure production Marvel.

Peu vampirisé par le projet global du fait de son cadre rétro de la Deuxième Guerre Mondiale (comme put l’être un Iron Man 2 fort boiteux) mais aussi par son héros échappant aux clichés de personnages torturés, le film avait apporté un vrai sang neuf à sa sortie. Vrai american hero véhiculant des valeurs d’abnégation et d’héroïsme face à l’ennemi nazi, Steve Rogers/ Captain America constituait ainsi un personnage positif en forme de modèle à suivre à la manière d’un Superman chez DC. Cet aspect avait été également plutôt bien exploité dans son temps de présence sur Avengers (le final où sa nature de meneur permet de remobiliser l’équipe face à l’arrivée imminente du danger) et le défi était de garder intacte cette pureté du personnage dans un cadre contemporain et aux choix moraux plus ambigus.

Le scénario de cette suite y parvient en s’appuyant sur la situation telle que laissée à la fin d’Avengers. L’équipe de super-héros a été révélée au monde, mais aussi les dangers monumentaux et d’ordre surnaturels auxquels est exposée la Terre. Un état de fait qui détermine des actions controversées de la part de l’organisation du S.H.I.E.L.D. dont les projets sécuritaires confinent progressivement à une paranoïa totalitaire. Une dérive dans laquelle ne peut souscrire un Steve Rogers esseulé et solitaire dans le monde moderne et dont l’existence n’est rythmée qu’à l’aune de la prochaine mission à effectuer. Notre héros devra pourtant dépasser son statut de simple soldat pour combattre après le nazisme une dictature venant cette foi de l’intérieur.

Un script ambitieux et très post 11 septembre qui marche sur les terres de The Dark Knight (2008) de Christopher Nolan mais qui en délaisse le sérieux pesant et la tonalité crépusculaire pour une approche plus dynamique. Le premier volet était sous haute influence du serial et du pulp en réinventant l’imagerie de propagande que put constituer dans les années 40 les aventures de Captain America. Ce deuxième épisode est lui imprégné d’une ambiance de thriller paranoïaque 70’s où l’on doute de ceux supposés nos protéger (la technologie du S.H.I.E.L.D. étant plus motif de surveillance que de protection de la population) et créant un sentiment de tension constante débouchant sur d’éblouissante scènes de suspense comme celle de l’ascenseur. Ce doute s'emparera même des héros à l'image de Nick Fury ou de la Veuve Noire dont la rédemption morale est soudainement remise en cause.

Tout cela s’avère très fidèle aux comics dont cette tonalité d’espionnage et d’enquête constituera une des périodes les plus passionnantes du personnage sur papier. C’est également de la BD que sera tirée la sous-intrigue donnant une partie de son titre au film avec ce soldat de l’hiver constituant un équivalent né de la Guerre Froide au Captain America et entretenant avec lui un lien qui constituera un des grands rebondissement du film. Chris Evans est toujours aussi bon dans le rôle-titre, véhiculant une droiture et humanité que met constamment en valeur un héroïsme sans faille. C’est ainsi la grande surprise par rapport au premier épisode un peu timoré sur ce point, le film est très spectaculaire et haletant de bout en bout.

Les morceaux de bravoures sont multiples, exploitant autant les facultés surhumaines du Captain que ses qualités de stratège militaire - défiant tour à tour un expert en arts martiaux, s’infiltrant avec discrétion en zone ennemie ou affrontant simultanément une dizaine d’assaillants, sans parler des duels dantesques avec le soldat de l’hiver - et le faisant idéalement seconder par la Veuve Noire (Scarlett Johansson toujours aussi à l’aise et attachante) et le nouvel allié le Faucon (Anthony Mackie). On sent que le succès d’Avengers a incité Marvel à être plus généreux en termes d’action, et la frustration ressentie dans les premières productions tend vraiment à s’estomper. Une grande réussite qui a de plus le mérite dans sa conclusion d’amener un vrai bouleversement dans l’univers et qui aura ses conséquences dans les films à venir, sans parler d’une séquence post-générique introduisant de redoutables adversaires. La meilleure production Marvel avec le premier épisode.

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