Thomas, la cinquantaine, père de famille, arrive par
hasard dans la ville de son enfance. Pris d'un malaise, il se réveille quarante
ans plus tôt, dans son corps d'adolescent. Projeté dans le passé, il va non
seulement revivre son premier amour, mais aussi chercher à comprendre les
raisons du mystérieux départ de son père. Mais peut-on modifier son passé en le
revivant ?
Jiro Taniguchi, par son trait influencé par la ligne claire
européenne et l’universalité de ses œuvres les plus fameuses, s’est imposé
comme une vraie porte d’entrée au manga auprès d’un public néophyte et plus
adulte. Le mangaka est d’ailleurs plus populaire en France que dans son pays d’origine
et c’est tout naturellement que ses mangas se prêtent idéalement à des
adaptations occidentales. On a pu le constater très récemment avec le
magnifique film d’animation français Le Sommet des dieux (2021), et avant cela
il y eut donc ce Quartier Lointain adapté par Sam Gabarski. L’idée du
manga vint à un Taniguchi qui, l’âge mûr venant, se demanda ce qu’il aimerait
changer de son passé et la trajectoire parallèle qu’il aurait éventuellement
aimé prendre dans sa vie. Dans Quartier Lointain, cette question
concerne autant le héros adulte ramené à ses quatorze ans où il fut marqué par
le départ du foyer de son père, que ce même père se détournant de sa famille
pour vivre un destin qu’il désire vraiment.
Sam Gabarski dans sa mise en place allie une grande fidélité
aux cases de Taniguchi dans les situations, compositions de plans et éléments
thématiques introduits avec concision. En quelques plans, la distance de Thomas
(Pascal Greggory) à sa famille et son sentiment de solitude sont superbement
retranscrits, ajoutés à l’excellente idée d’en faire un auteur de bd (alors qu’il
n’était qu’un salaryman ordinaire dans le manga. Dès lors sa vie personnelle
morne se conjugue à son inspiration asséchée dans son art jusqu’à cette erreur
de trajet qui le ramène dans le village de son enfance puis à sa condition d’adolescent
en 1963. Sam Gabarski transpose donc le récit dans un contexte passé
typiquement français où au-delà de la reconstitution soignée, la nostalgie ne
repose pas sur l’apparat vintage. La photo de Timo Salminen est baignée
d’une teinte immaculée qui se mêle aux mouvements de caméra lents de Gabarski
qui confèrent à l’ensemble une atmosphère flottante de rêve éveillé accentuée
par la bande-originale aérienne et hypnotique de Air.
Le but est d’accompagner le sentiment de sidération du jeune
Thomas (Léo Legrand), choqué et ému de retrouver un père qu’il n’a jamais revu,
et une mère morte jeune de chagrin après le départ de celui-ci. Sam Gabarski
conclut d’ailleurs chaque scène par un long fondu au noir, comme un sommeil
dans lequel on plonge lentement en espérant se réveiller de retour à sa réalité,
sa temporalité d’adulte. Cette bascule ne s’effectuant pas, Thomas décide alors
de comprendre et d’empêcher le drame qui bouleversa son enfance, le départ de
son père. Alors que Taniguchi s’attardait plus longuement au retour en
adolescence du héros et amenait les explications plus tardivement, cette
angoisse de la perte est un véritable fil rouge du film. La mise en scène isole
le père de sa famille que ce soit dans les cadrages, les situations (ces
dimanches où il se rend seul à la pêche sans pêcher) et le jeu fragile et
fuyant de Jonathan Zaccaï. L’acteur avait d’ailleurs refusé dans un premier
temps le rôle car il était pour lui impossible d’effectuer pour son personnage le
transfert de sentiment qui l’amènerait à abandonner sa famille.
C’est justement
ce déchirement qui a intéressé Sam Gabarski qui a demandé à l’acteur de le
traduire dans sa prestation et cela fonctionne à travers ce père réellement
aimant, mais consciemment pas à sa place dans une vie qu’il n’a pas choisie, imposée
par les circonstances. L’apport du film est d’également enrichir le personnage
de la mère (Alexandra Maria Lara), Thomas ayant été particulièrement marqué par
le dépérissement et la mort prématurée de sa mère. On observe ainsi une femme
au foyer des années 60 ne vivant que pour les tâches quotidiennes sans penser à
elle, et que Thomas tente constamment d’étendre le regard et les envies. La
tendresse gestuelle de l’adolescent se nourrit de cela car en esprit il n’est
pas à cet âge (et époque) où pour s’affirmer en tant que garçon il fallait s’émanciper
de tout sentiment trop visible.
On pense notamment à ces moments tout simples
il danse avec elle, où lorsqu’il l’incite à sortir faire une promenade ce à
quoi elle lui réplique « On n’est pas dimanche » comme si l’évasion
se limitait à ce jour. La famille est une prison qui s’ignore pour elle, tandis
que son époux n’en est que trop conscient. Le réalisateur traduit dans un
contexte français le sentiment que tout enfant et notamment garçon a pu
ressentir à cette période avec une figure de père taiseuse, n’exposant pas ses
sentiments et symbole d’autorité avant tout. Thomas passe le film à percer le
mystère de ce père à travers de magnifiques séquences de non-dits qui ne
rendent que plus belles les instants de confessions qui annoncent malheureusement
l’inéluctable séparation (la partie de pêche, l’entrevue nocturne dans la
chambre, l’adieu à la gare…).
Gabarski privilégie plus le cadre éphémère du cocon familial
(la relation avec la petite sœur étant aussi beaucoup tendre et bienveillante
que dans le manga) et rend plus anecdotique l’arrière-plan adolescent même s’il
le rend moins pudibond que le manga avec une jeune fille plus féminine et
entreprenante envers Thomas – et les questionnements potaches et sexuels des garçons
plus marqués. Le jeune Léo Legrand est particulièrement convaincant, traduisant
à merveille la réserve sage et les interrogations de l’adulte dans le cadre
familial, et le dédain de se même adulte confronté de nouveau à un cadre
autoritaire notamment scolaire. Le regard et la mélancolie de ses traits
juvéniles font harmonieusement le lien avec son incarnation adulte par Pascal
Gregorry malgré le peu de ressemblance physique. Le film fut tourné dans le
village de Nantua (dans le département de l'Ain et région Auvergne-Rhône-Alpes)
et Sam Gabarski en exploite superbement l’urbanité rurale et les somptueux
environnements naturels qui contribuent grandement au sentiment d’ailleurs, à l’atmosphère
contemplative et introspective qu’instaure le film – et disons-le encore la musique
de Air fait décoller les images avec une puissance rare. Si l’on ne peut
changer le passé, sa compréhension saura nourrir ce qui peut être corrigé dans
le présent à travers une belle conclusion où notre héros retrouve l’apaisement et
l’inspiration dans sa famille et son art. Un beau film qui fait honneur au
manga d’un Taniguchi (qui se fend d’une petite apparition) qui manifesta d’ailleurs
son admiration devant cette adaptation à la fois fidèle et personnelle.
Sorti en dvd zone 2 français chez Wild Side et le manga est édité chez Casterman
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