Axel vit davantage dans un monde rempli de rêves et de
poissons volants qu'à New York, où il habite. Sur le point de se remarier, son
oncle Leo, vendeur de voitures en Arizona,
lui demande de
traverser les Etats-Unis pour être son témoin. Sur place, il rencontre Elaine, une veuve fantasque qui ne
rêve que de voler, et sa fille Grace qui en
veut à la terre entière. Il se retrouve alors ballotté entre
les rêves de toutes celles et ceux qui
l'entourent...
Emir Kusturica fait sensation lorsque, à 31 ans, il remporte
la Palme d’or au Festival de Cannes avec Papa est en voyage d’affaire
qui est seulement son deuxième long-métrage. Les portes de productions internationales
s’ouvrent alors au jeune réalisateur, notamment sollicité par le studio
Columbia qui va financer Le Temps des gitans (1988), nouveau succès
commercial et critique également récompensé à Cannes avec le Prix de la mise en
scène. Alors qu’il était jusque-là resté dans un contexte slave pour ses trois
premiers films, Kusturica va se confronter à un cadre et une fiction purement
américaine dans Arizona Dream. A l’issue du tournage de Le Temps des
gitans, Kusturica fut sollicité par Miloš Forman, président du jury cannois
qui le récompensa en 1985, afin de remplacer ce dernier à son poste
d'enseignant à l'université Columbia – sans doute pour pouvoir lui-même s’atteler
au tournage de Valmont (1989). Durant ce séjour américain, David Atkins,
un de ses étudiants, lui soumet le scénario de Arizona Dreams. Tombé
sous le charme du récit, Kusturica va en faire son nouveau projet.
Le tournage va s’étaler sur près d’un an, entrecoupés de
nombreuses interruptions. En effet au même moment se déclenche le conflit en
Yougoslavie, qui affecte profondément le réalisateur. Il y a tout d’abord une
souffrance intime avec l’exposition directe de ces parents au conflit (la
maison familiale sera pillée et ses trophées volés) qu’il devra faire déménager
au Monténégro. Il ressent une crise morale et politique, un sentiment d’impuissance
en assistant de loin aux évènements et en observant le traitement selon lui
biaisé qu’en font les médias américains. Tout cela se répercutera dans Underground
(1995), son chef d’œuvre controversé marquant son retour en Europe et sa vision
baroque et excessive des racines du tumulte agitant l’ex-Yougoslavie. Ces aléas
se ressentent par intermittences dans le résultat final d’Arizona Dream,
que ce soit dans son rythme décousu, la disparition du récit du personnage de
Jerry Lewis, ou plus trivialement les changements de coiffure intempestifs de
Johnny Depp.
Le titre initial du film était American Dream, et c’est
justement fort de son amertume d’alors que Kusturica va illustrer les
désillusions du rêve américain. Le personnage de Axel (Johnny Depp), sert de
pont entre le rêve et la réalité, le mythe et sa déconstruction, à travers ses
propres errements mais aussi ses interactions avec les autres personnages. Ce
pont est défini dès la superbe scène d’ouverture où le sauvetage miraculeux d’un
eskimo, soit l’issue magnifiée et transcendée d’une tragédie en marche, est
symbolisé par la traversée d’un ballon rouge des terres glaciales d’Alaska
jusqu’à l’urbanité new-yorkaise dans laquelle Axel se réveille. De retour forcé
en Arizona, notre héros se déleste progressivement de sa naïveté en affrontant
la vacuité de différents mythes spécifiquement américains.
Il y a tout d’abord
celui de la réussite matérielle et capitaliste, représentée par la l’activité
de vendeur de Cadillac de l’oncle Léo (Jerry Lewis). Ce dernier essaie de
stimuler son neveu en lui expliquant que cette flamme entrepreneuriale lui a
été transmise par son propre père, mais Kusturica nous a conditionné à ne plus
y croire - et ce dès l'ouverture et l'usage du tube In the Deathcar interprété par Iggy Pop qui contribuera au succès du film. Les premières visions en Arizona d’un Axel ensommeillé sont celles d’un
cimetière de vieilles voitures, Cadillac est une marque dont le culte s’inscrit
déjà dans une nostalgie passéiste, tandis qu’un client ahuri se voit invité à
aller « acheter une Ford » par un Léo exaspéré. De plus, son
insistance à voir Axel prendre sa suite semble répondre à une forme de lucidité
dans la manière trouble dont il perpétue la tradition par son mariage à venir
avec une jeune femme plus jeune, étrangère et guidée par la nécessité.
Le mythe cinématographique est tout autant questionné via le
personnage de Paul (Vincent Gallo), aspirant acteur fantasmant les icônes et
séquences hollywoodiennes emblématiques en rejouant devant une assemblée blasée
les dialogues de Raging Bull (1980) ou en mimant la poursuite en avion
de La Mort aux trousses (1959). Plus l’histoire avance, plus ces motifs
hollywoodiens en sont réduits à des gimmicks, des colifichets (l’assiette
portant les photos de Scarlett O’Hara et Rhett Butler de Autant en emporte
le vent (1939)), voire des miroirs de l’échecs et l’incommunicabilité des
protagonistes tels cet extrait conflictuel de Le Parrain 2 (1974) entre Michael
(Al Pacino) et Fredo (John Cazale) Corleone.
L’ultime mythe brisé, et non des moindres, est celui du
territoire, sa conquête et son horizon de tous les possibles associés au western.
Que ce soit dans le triangle amoureux nocif ou la relation mère/fille toxique
entre Elaine (Faye Dunaway) et Grace (Lili Taylor), les grands espaces sont synonymes
de prison mentale dont on ne peut réchapper. C’est un piège auquel Axel se
trouve de nouveau lié par « amour » après avoir voulu le fuir, et
dans lequel les prétextes financiers coincent pour l’éternité Elaine et Grace.
Faye Dunaway sidérante d’érotisme et de folie douce prend le risque de charrier
cet imaginaire hollywoodien fané par sa présence, tandis que Lili Taylor
incarne une femme-enfant irrésolue et touchante. C’est en grande partie avec Le
Temps des gitans qu’Emir Kusturica avait installé dans l’inconscient
cinéphile cette imagerie foutraque, teintée de réalisme magique et d’onirisme
qui le caractériserait parfois jusqu’à la caricature.
Le Temps des gitans
en jouait à travers le folklore tzigane, Arizona Dream le travaille lors
des scènes de (tentatives de) vols, où le burlesque se dispute à un réel enivrement
des hauteurs dans un équilibre fragile. Toute cette célébration boiteuse du
mythe et sa nature vaine se joue dans ces instants, nous rappelant constamment
l’échec de l’envol ou l’inéluctable atterrissage à suivre. C’est paradoxalement
quand il fait explicitement comprendre aux personnages qu’il est inutile de
croire que Kusturica déploie au premier degré son panorama le plus
fantasmagorique, dans une conclusion où les éléments se déchaînent pour
composer un tableau entre l’American Gothic et le western (l’arbre enflammé
rappelant le final de La Chevauchée de la vengeance de Budd Boetticher
(1959) porté par l'emphase tribale du score de Goran Bregovic.
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