Au Japon, au XIXe siècle, durant la période mouvementée
du bakufu, sur fond de guerre de Boshin, le jeune Jirô est persécuté pour le
soi-disant meurtre de ses parents adoptifs. Un moine le recueille et le forme à
son service. Cependant, Jiro découvre que ce dernier le manipule et décide de
rompre. Sa fuite va le mener jusqu’aux États-Unis, où il découvre un trésor
grâce à des indices laissées par son père. Mais le shogunat souhaite mettre la
main sur ledit trésor afin de financer son effort de guerre.
L’Epée de Kamui est un des projets les plus ambitieux
produit par le studio Madhouse en ce milieu des années 80. Madhouse, né de la
scission d’anciens employés de Mushi Production (studio fondé par le célèbre Osamu
Tezuka) va ainsi se faire un nom par l’esthétique et la mise en scène novatrice
apportée dans ses séries télévisées avec l’affirmation d’artistes comme Osamu
Tezaki et Rintaro. L’essor du long-métrage d’animation à partir de la fin des
années 70 va permettre à Madhouse de s’attaquer à des productions qui feront
date. Harmagedon (1983) de Rintaro est un impressionnant récit
fantastique qui permet entre autres à Katsuhiro Otomo de faire ses premiers pas
dans l’animation, Gen d’Hiroshima (1983) adapte le poignant manga de Keiji
Nakazawa en en respectant toute la dureté. L’Epée de Kamui s’inscrit
dans cette lignée haut de gamme en adaptant le roman de Tetsu Yano publié en
1970.
Le livre est une impressionnante odyssée s’étalant sur près
de 20 ans, mêlant récit intime et arrière-plan d’une période cruciale de l’histoire
du Japon, le tout sur fond de chasse aux trésors entre l’archipel nippon et les
Etats-Unis. C’est principalement là que le bât blesse, par un sentiment de trop
plein et de narration souvent trop elliptique où les évènements défilent trop
vite, certains personnages ne font que passer et ne sont pas suffisamment
caractérisé. Les péripéties et révélations filiales en tous genres s’enchaînent
de manière très voire trop soutenue, tout en laissant planer quelques longueurs
où l’on se dit qu’une série télévisée aurait été plus appropriée qu’un
long-métrage de tout de même 2h10. Passé cet écueil, le brio formel du film
emporte le morceau. La direction artistique de Takamura Mukuo fait le choix d’osciller
entre reconstitution historique fidèle et stylisation.
Dès que les sentiments
des protagonistes (dont le chara-design sera familier à ceux ayant grandis avec
certaines fameuses séries produites par Madhouse comme Rémi sans famille)
sont en jeu, la mise en scène prend un tour grandiloquent et abstrait,
notamment lors des combats. L’assassinat de la famille du héros Jirô en
ouverture, avec ces effets de décadrages et ses couleurs baroques se pose en
note d’intention. Tout au long du film, Rintaro traduit par l’animation les
codes des chambaras « live les plus outrés (de Zatoichi à Baby Cart),
comme les geysers de sang s’étalant au moindre coup de sabre. Le réalisateur
façonne cependant une identité propre par l’onirisme appuyé créant une
sensation de suspension et de rêverie davantage que de brutalité dans les
joutes martiales. Ces effets sont intrinsèquement liés aux émotions des
personnages, aux liens qui les unissent mais que parfois ils ignorent encore,
comme le trouble ressenti par Jirô au moment d’affronter la ninja « shinobi »
Oyuki qui s’avérera être sa sœur.
Parallèlement à cette flamboyance assumée, le film fait
montre d’une certaine rigueur historique. On croise la route de vraies figures
de l’histoire du Japon, chaque aventure de Jirô entraîne des conséquences sur
les grands évènements qui agitent alors le pays et inversement, avec l’évocation
de certains sujets sociaux comme l’exclusion du peuple Aïnou. Il y a une réelle
poésie se dégageant de l’inspiration picturale de certains paysages somptueux,
une volonté de figer par le réalisme ou la dimension mythologique certaines
fresque guerrières dans les décors de Masao Maruyama.
La Bataille de la baie de
Hakodate semble dans les compositions de plan de Rintaro réellement partir des
dessins d’époque dépeignant l’affrontement, tout en se montrant plutôt
didactique sur les opposants (les forces d’Ezo ancien nom des îles d’Hokkaido contre
l’armée impériale du shogunat) et enjeux. Parallèlement, la photo et le choix
des couleurs pour certains tableaux belliqueux part aussi d’un choix de mêler
le romanesque à la grande Histoire, et d’en donner une interprétation par des
vignettes emblématiques.
Tout cela ne se mélange pas toujours bien sur un plan dramaturgique
(notamment le passage aux Etats-Unis plus fantaisiste) mais visuellement c’est
constamment impressionnant. Yoshiaki Kawajiri, ténor du studio Madhouse et
officiant ici en tant qu’animateur-clé, saura s’en souvenir lorsqu’il signera
son féroce et inoubliable Ninja Scroll (1994) dans lequel surnaturel et
cadre historique formeront un tout plus harmonieux et outrancier.
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