Yasuzo Masumura excelle dans la description des amours fiévreux,
maladifs et passionnés dont l'intensité se fait toujours écho et refuge
d'un contexte socio-historique dans des œuvres comme L'Ange Rouge (1966), La Femme de Seisaku (1965),La Femme du Docteur Hanaoka (1967) ou encore La Bête aveugle(1969).
Cependant ces films avaient une teneur essentiellement dramatique ne
laissé pas entrevoir la veine hautement acide et satirique dont Masumura
est également capable dans des œuvres comme Géants et jouets (1958), Black Test Car (1962) ou La Chatte japonaise (1967). Vixen
fait justement écho à ce dernier film avec un postulat voisin voyant un
homme mûr tout perdre pour l'amour d'une jeune nymphette capricieuse.
Ici ce point de départ sert une incompatibilité générationnelle.
Nobuyuki (Eiji Okada) un notable installé occupant le poste de
secrétaire du doyen d'université qui est aussi son beau-père. Il voit un
jour Michi (Ruriko Asaoka) une extravagante jeune femme accuser son
beau-frère de viol et réclamer deux millions de yens en réparation.
Devant le dédain de l'accusé et du reste de sa famille face aux faits,
Nobuyuki se prend de peine pour Michi et fait en sorte qu'elle soit
dédommagée. La reconnaissance de cette dernière se transforme en désir,
puis amour jamais plus ardent que tant que Nobuyuki repoussera ses
avances. La retenue et mesure de l'homme mûr semble le prémunir contre
le démon de midi, mais il finira par céder au charme de Michi.
La satire tient au fait que ce n'est pas (du moins uniquement) la beauté
de Michi qui fera basculer notre héros, mais le dégoût de son
environnement. Nobuyuki fait partie de cette génération de quarantenaire
japonais qui n'ont vécu que dans l'oubli d'eux-mêmes et le sacrifice.
Le sacrifice pour assurer l'éducation de sa sœur alors qu'ils se
trouvent orphelins après la guerre, pour accompagner la direction de son
beau-père au sein de l'université, pour satisfaire son épouse en cédant
aux injonctions familiales. Michi arrive dans sa vie à un moment
charnière où sa sœur prochainement mariée n'a plus besoin de lui, où son
beau-père s'avère vil fonctionnaire corrompu réprimant les réclamations
de ses étudiants, et sa femme une femme froide et sans empathie (la
révoltante scène où elle remet en question le viol de Michi). Tout ce
sur quoi Nobuyuki a installé sa position s'avère vain et, pour la
première fois de sa vie il va décider d'agir pour lui en s'abandonnant
aux bras de Michi.
Le drame correspondra du tempérament de Michi, incarnation inversée et
exacerbée de la résilience de Nobuyuki. Michi veut tout, tout de suite,
argent et surtout le moindre homme attisant son désir. Ruriko Asaoka
livre une prestation enfiévrée comme seul Masumura sait en tirer d'une
jeune actrice. Elle a le côté femme-enfant délurée de l'héroïne de Géants et jouets associée à la nature séductrice, manipulatrice et capricieuse de celle de La Chatte japonaise.
Cependant Michi semble portée par une nature profonde plus psychotique
qui la rapproche des héroïnes des œuvres plus dramatiques du
réalisateur.
La peur de la solitude, le besoin presque maladif d'être
l'obsession d'un nouvel homme en fait une figure tour à tour comique,
aguicheuse et pathétique à travers le jeu de Ruriko Asaoka finalement si
outré qu'il en éteint toute séduction - malgré la beauté indéniable et
largement mise en valeur de l'actrice. Masumura en fait une
problématique sociétale où la nouvelle génération est désormais
incapable de ce pas de côté, même si c'est la dimension psychologique
qui domine notamment dans une conclusion plus dramatique.
La narration
répète ainsi à la fois les situations de séductions de Michi, mais aussi
les réactions brutales des hommes tombés dans ses filets. Les vrais
sentiments se laissaient entrevoir sur la toute fin dans La Chatte japonaise au propos voisin, ici ce sera une fuite en avant sans retour avec notamment une scène faisant écho au Un si doux visage d'Otto Preminger (autre grand film sur la folie féminine). Une variation très intéressante de Masumura donc !
Alors que le « tueur au rouge à lèvres » terrorise la
ville, Walter Kyne, nouveau patron d'un grand journal, propose un poste à haute
responsabilité à celui de ses trois chefs de service qui le confondra. Pour y
parvenir, le meilleur journaliste de l'un d'entre eux envisage d'utiliser sa
compagne comme appât...
C’est un Fritz Lang désabusé à la fois par ses déconvenues
professionnelles (le montage de Les Contrebandiers de Moonfleet (1955)
repris par ses producteurs) mais aussi par la tournure idéologique de son pays
d’accueil (avec nombre de ses amis inquiétés par la Chasse aux sorcières du maccarthysme)
qui réalise ce qui seront ses deux derniers films américains. L’Invraisemblable vérité (1956) et La Cinquième victime entremêlent chacun thriller et brûlot
social sur la peine de mort pour le premier, et la presse à sensation ainsi que
l’arrivisme ordinaire pour le second.
La Cinquième victime adapte le roman The Bloody
Spur de Charles Einstein, qui puise son inspiration dans le terrible fait
divers qui vit William Heintert, un jeune homme de 18 ans, étrangler une
fillette. Le roman croisait une forme de prémisse du portrait de serial-killer
avec une satire du monde journalisme qu’il connaissait bien. Si la figure de
tueur (John Drew Barrymore) est habilement développée avec ce qu’il faut d’aura
inquiétante et de dimension psychanalytique, elle intervient finalement de
manière assez succincte tout au long du récit. Le « tueur au rouge à
lèvres » ne serait-ce que par son surnom attribué par la presse est le
catalyseur pour cette dernière d’une course à l’information et au sensationnel.
L’organe d’information Kyne a pour propriétaire par un jeune héritier idiot
(Vincent Price) qui en laisse la direction à un trio de chefs de services aguerris
avec Loving (George Sanders), Griffith (Thomas Mitchell) et Kritzer (James
Craig). La résolution de l’affaire va ainsi devenir l’enjeu d’un poste de
directeur que vont se disputer les trois hommes, et tous les coups seront
permis pour obtenir cette prestigieuse promotion.
Fritz Lang équilibre habilement le fiel de la satire et l’enquête
policière même si au vu de certaine facilité dans les indices et la résolution
de cette dernière, on devine aisément où est son intérêt. Dissimulations,
mensonges, adultère, tout est bon pour obtenir l’avancement même si le
personnage sans réelle ambition de Mobley (Dana Andrews) semble plutôt marcher
lui au plaisir ludique et de l’adrénaline que provoque cette quête de scoop. Il
n’en vaut néanmoins pas mieux que ses collègues quand en menaçant publiquement
le serial-killer il anticipe une réaction de ce dernier envers ses proches et
plus particulièrement sa fiancée Nancy (Sally Forrest) afin de le piéger. La manœuvre
est aussi inconsciente et désinvolte, répondant à celle de Loving qui lui
envoie sa petite amie Mildred (Ida Lupino) également rédactrice pour le séduire
et s’assurer son soutien dans l’enquête. Lang dépeint un monde où rien n’est
sincère, où tout est calcul dans la moindre interaction où hommes et femmes
intriguent en coulisse par goût du jeu et quête de pouvoir. On appréciera ainsi
une Rhonda Fleming vénéneuse à souhait en femme adultère qui tiendra à la fois
sciemment et involontairement un rôle d’arbitre dans ce duel à trois.
Lang tisse plusieurs fils narratifs qui se rejoignent par la
figure imprévisible du serial-killer, à la fois moteur et révélateur des manipulations
de chacun. La nature plutôt piquante du récit retrouve toute son aura glaciale
dès qu’il est remis en lumière, et les situations se font dérangeantes en
amorce quand il épie et choisit une future victime féminine, puis brutales
quand il se décide à concrétiser sa nature de prédateur. Lang se montre tout
aussi habile dans une forme de suggestion dont la frontalité a un impact
certain (l’ellipse et le travelling avant sur le visage terrifié de la femme
lors du premier crime), que dans la brutalité plus explicite lors de l’attaque
finale. Le film souffre parfois de petites longueurs mais dès que le suspense s’enclenche
de façon plus franche, c’est réellement haletant à l’image de cette course-poursuite
dans les tunnels du métro. Seules les affaires personnelles des puissants
semblent pouvoir entraver la course au voyeurisme et au sensationnel dans une
conclusion qui choisit néanmoins de nous laisser sur une note optimiste.
Biographie romancée de Dolly Madison, la femme de James Madison, quatrième président des États-Unis.
Magnificent Doll est un des rôles les plus ambitieux de Ginger Rogers après son Oscar obtenu en 1940 pour Kitty Foyle.
Elle parvient à y garder cette identité de fille du peuple à laquelle
on peut s'identifier, exploité à la fois dans la série de comédies
musicales avec Fred Astaire ou Busby Berkeley (42e rue (1933), Chercheuses d'or de 1933 (1933), ou les œuvres sociales tournés pour Gregory La Cava (Pension d'artistes (1937), Primrose Path(1940), La Fille de la Cinquième avenue
(1939)), tout en endossant la grandeur d'une figure historique. Le film
est en effet le biopic romancé de Dolly Madison, l'épouse du quatrième
président des États-Unis James Madison. Elle fut connue pour avoir
littéralement créé le rôle de Première dame des États-Unis sous
l'administration Jefferson (qui était veuf tandis que James Madison
était le secrétaire d'état) mais aussi du fait d'arme qui la vit sauver
un portrait de George Washington durant la seconde Guerre d'Indépendance
alors que les troupes anglaises approchaient de la Maison Blanche.
Le scénario est écrit par Irving Stone, écrivain célèbre à l'époque pour
ses biographies de grandes figures historiques. C'est d'un de ses
livres qu'est notamment adapté La Vie passionnée de Vincent van Gogh de Vincente Minnelli (1956) ou L'Extase et l'Agonie
de Carol Reed (1965) sur la vie de Michel-Ange. Les portrait de couples
politiques américains font également parti de son champ d'intérêt avec
notamment des ouvrages sur Andrew et Rachel Jackson, Abraham et Mary
Lincoln. A l'origine Magnificent Doll est
donc destiné à être le sujet d'un nouveau livre qui demandera quatre ans
de documentation à Irving Stone. Il sera cependant convaincu durant un
dîner par le producteur Jack H. Skirball d'en faire le script d'un film pour le cinéma.
Le film est plutôt fidèle aux évènements et à la période historique
qu'il dépeint, mais subit plusieurs modifications dont les vertus
romanesques servent avant tout à approfondir et magnifier la
personnalité de Dolly Madison (Ginger Rogers).
La première partie la
montre ainsi à la fois comme une femme contrainte quand elle subira un
mariage forcé par son père Quaker, mais également exposée par ce même
père à un esprit nourrit de démocratie quand celui-ci abandonnera sa
plantation et libèrera ses esclaves. Elle ne peut cependant se résoudre
s'épanouir au sein d'un mariage qu'elle n'a pas choisie malgré
l'affection de son époux (Stephen McNally). Ginger Rogers est très
touchante lorsqu'elle expose à son mari les raisons pour lesquels elle
ne pourra jamais l'aimer vraiment, par cette absence d'amour libre et
spontané sur lequel repose leur mariage. Toutes les graines de ses
engagements futurs s'incarnent dans cette autorité initiale injuste
qu'elle aura subit et dont elle ne sera douloureusement libérée que par
la mort tragique de son mari.
Le scénario brode autour de la réalité historique qui vit la rencontre
entre Dolly et James Madison (Burgess Meredith) se faire par l'entremise
du controversé sénateur Aaron Durr (David Niven). Il va alors se nouer
un triangle amoureux dont l'issue reposera sur un conflit politique et
idéologique dont la pension que tient Dolly sera le théâtre. Beau,
fougueux et séduisant, Durr représente tout cet élan romantique qui a
tant manqué à Dolly et Frank Borzage filme leurs entrevues dans
l'imagerie la plus flamboyante qui soit, capture avec sensualité
l'ardeur de leurs baisers - tout en laissant entrevoir l'attrait pour le chaos de Durr lors de la scène de la taverne. Madison est plus discret et gauche, tentant
d'éveiller l'intérêt et susciter le rapprochement avec Dolly par les
idées. Cela semble inopérant face au charme de Durr mais va au contraire
le montrer sous un autre jour à Dolly. Ce dernier a des ambitions de
régime autoritaire dans sa volonté de devenir président, ce dont l'éveil
intellectuel de Dolly lui rend soudainement limpide sous ses beaux
atours. Les échanges avec Madison stimulé par autre chose que l'apparat
prennent alors un tour plus profond et authentique que Frank Brozage
illustre avec superbement lors de la scène où Madison explique sa vision
de la liberté à Dolly. Ginger Rogers est stupéfiante par la vraie
étincelle d'amour et de conviction qu'elle fait naître dans son regard.
On suit alors le paisible mariage de Madison et Dolly tandis qu'en
parallèle les manœuvres douteuses de Durr mettent à mal la démocratie
fragile des Etats-Unis.
Tous les évènements sont fidèlement relatés (Durr tentant de forcer la
présidence, plus tard cherchant à provoquer une situation de guerre
civile, son jugement...) à l'aune de cette dimension à la fois
historique et intime. L'intérêt du récit est de montrer le rôle de plus
en plus actif de Dolly dont Madison par ses préventions a fait la
meilleure défenseuse de ses idées progressistes. Dolly se placera
plusieurs fois sur le chemin de Durr, d'abord discrètement en souvenir
de leur ancienne affection, puis publiquement lors d'une mémorable scène
finale. Durr (David Niven vraiment excellent en illuminé mégalomane),
ses inspirations et les bas-instincts qu'il éveille chez ses concitoyens
se voient exposés et fustigés par une puissante tirade de Dolly où le
charisme de Ginger Rogers fait merveille. Elle convainc par la force de
ses mots une foule hostile de la petitesse de Durr et de l'inutilité
d'un lynchage public. L'emphase qu'apporte Borzage et la prestation de
Ginger Rogers donnent toute leur force à ce portrait captivant et
formellement soigné à travers un reconstitution somptueuse.
Sorti en bluray anglais sous-titré anglais chez Arrow
De génération en génération, les membres de la famille
Huang portent l'uniforme de la police de Hong Kong. Malgré le décès du père et
de ses deux fils les plus âgés, la mère et ses quatre filles continuent de
faire respecter la loi. Le plus jeune fils est marié à Mina, elle-même enrôlée
dans les forces de police. Lors d'un raid contre un dangereux gang, l'une des sœurs
commet une sérieuse erreur qui fait capoter l'opération. Le gang se venge en
tuant le mari de Mina. Cette épreuve ne fait qu'attiser la haine de la famille
qui unit ses forces pour exterminer un à un les membres du gang.
Corey Yuen est un des fondateurs d’un des sous-genres les
plus jouissifs du polar et cinéma d'action hongkongais, le Girls with guns. Dans le très
nerveux Le Sens du devoir 2 (1985) il brodait une version féminisée du
mélange de polar urbain et de film d’action inventée par Jackie Chan dans Police Story (1985), avec un duo Michelle Yeoh/Cynthia Rothrock faisant des
étincelles. Avec le temps le Girls with guns devient un filon lucratif
du cinéma d’exploitation hongkongais auquel il offre nombre de séries B d’action
mémorables. Ces films se distinguent généralement plus par leurs morceaux de
bravoure que par des scénarios et intrigues assez sommaires. Corey Yuen signe un des vrais sommets du genre avec ce Justice
sans sommation en ajoutant une vraie profondeur et émotion au cocktail d’adrénaline
habituel.
L’action est ici le moteur d’un récit familial. Les Huang
sont une famille de policiers à travers les générations, porté par le fils aîné
Tsung-Pao (Tony Leung Ka-fai) et ses quatre sœurs ayant à leur tour intégrés
les forces de l’ordre. Le film s’ouvre sur le mariage de Tsung-Pao avec Mina (Joyce
Mina Godenzi) également inspecteur de police chevronnée. Les sœurs et plus
particulièrement l’aînée Ling (Carina Lau) jalousent la place prise par la
nouvelle venue, ce qui va se prolonger dans leur collaboration sur le terrain.
Comme souvent dans le Girls with guns les compétences des protagonistes
féminines ne sont jamais remises en question tout en s’inscrivant dans un contexte
de domination masculine (tous les postes d’autorités étant occupés par des
hommes), ce modèle patriarcal se prolongeant dans l’intimité.
Ainsi Mina malgré
ses faits d’armes de policière est tendrement mais régulièrement sommée par sa
belle-mère d’être une bonne épouse et plus spécifiquement de prolonger la
lignée en devenant mère. Mina par ses compétences fait office de rivale dans le
cercle familial où elle « vole » le frère chérit par ses sœurs, mais
également sur le terrain où elle est leur supérieure hiérarchique. Les sœurs et
le cercle policier voient d’ailleurs d’un mauvais œil cette femme dont les
prouesses la font peu à peu passer devant son époux (qui progressiste n’en a
cure) en termes de promotion. Corey Yuen mêle habilement ces questionnements aux
séquences d’action, tout en faisant progressivement basculer ces interactions
familiales de la comédie vers le drame.
Les évènements tragiques vont réorienter cette rivalité
féminine vers une sororité familiale tournée vers la vengeance. Un gang de
vietnamien dangereux va tuer le fils bien aimé, provoquant l’union sacrée des
femmes de la famille pour laver l’affront. Le film se distingue par l’incroyable
cruauté de son impitoyable méchant joué par Yuen Wah, décimant massivement et
de toutes les manières possibles quiconque se pose en travers de son chemin.
Corey Yuen se surpasse par la diversité, l’inventivité et la nature kamikaze de
ses scènes d’actions. Même quand il orchestre une séquence déjà vue ailleurs il
trouve l’idée qui la distingue et la rend mémorable. On a ainsi certes déjà vu
une boite de nuit désintégrée sous les coups de feu dans Le Sens du devoir 4
(1989) mais le réalisateur y ajoute ici l’élément de l’obscurité et de l’usage
de lunettes infra-rouge qui ajoute une tension et des mises à mort encore plus
cruelles. L’usage de divers engins motorisés et de l’environnement
urbain est l’occasion d’une course-poursuite mémorable en ouverture où le
découpage ainsi que l’engagement des cascadeurs et acteurs stupéfie par son
sens du mouvement et de la destruction.
Plus tard les talents de guérilléros des Vietnamiens
transforment un parc en un nid de pièges aussi raffinés que sanglants. On est
abasourdi mais jamais pour le simple déchaînement d’action, car l’émotion est
le vrai moteur du film. Ainsi après la mort tragique de Tsung-Pao, Corey Yuen
nous sert une longue scène mélodramatique comme seul le cinéma hongkongais sait
en orchestrer sans faire sourire malgré l’emphase. Mina et Ling se rendent à l’anniversaire
de la mère, mortifiées et sans oser lui avouer la disparition de son fils. Les
festivités se prolongent tandis que les deux héroïnes tentent de garder
contenance, avant qu’une télévision allumée révèle le drame. Les larmes se
disputent à une forme de fierté au féminin du corps policier et notamment la
charismatique matriarche (Pik-Wan Tang) qui va garder la tête haute et traquer
férocement le coupable.
Hormis Tony Leung Ka-fai (qui disparait rapidement donc) et
Sammo Hung plutôt dans un second rôle, tous les protagonistes masculins sont
donc négatifs (le méchant bien sûr, mais aussi le commissaire arrogant faisant
des avances à Mina) et servent tous par cette caractérisation le charisme des
héroïnes. On peut regretter que Joyce Mina Godenzi ait eue une carrière si
courte (elle quitte les plateaux de cinéma après son mariage avec Sammo Hung en
1994) tant elle en impose par son magnétisme, sa rage et ses aptitudes
physiques. Tous les moments d’action les plus fous sont pour elle, bien
secondée par une Carina Lau qui n’est pas en reste. La dernière demi-heure
donne dans une surenchère d’anthologie.
Corey Yuen exploite de nouveau un
environnement déroutant avec un combat à deux contre cinquante sur un bateau
dont on traverse toutes les coursives, salle des machines et autres rambardes à
coups de pieds et de poings rageurs, quand ce ne sont pas les outils à portée de
main qui servent d’armes aux dégâts ravageur. Le sens du mouvement, l’usage
de la topographie des lieux et les chorégraphies inventives rendent la scène
inoubliable mais Yuen décide de nous laisser repu avec un final encore plus
fou. Le duel entre Joyce Mina Godenzi et l’artiste martiale Agnès Aurelio est un
concentré d’énergie et de hargne vengeresse où l’on se rend coup pour coup dans
un déchaînement d’acrobaties et de bottes secrètes douloureuse. Corey Yuen
parvient à mêler à merveille cette dimension dramatique à la pure adrénaline
dans une conclusion aussi abrupte qu’inoubliable. Avec son cœur gros comme ça, Justice
sans sommation dépasse les seuls plaisirs primaires du Girls with gun.
