L'histoire de Marie Duplessis, courtisane aimée par
Alexandre Dumas fils qui la nommera Marguerite Gautier dans son roman. Après sa
montée à Paris, elle devient prostituée puis courtisane.
La Dame aux Camélias est une ambitieuse production européenne
à visée de « patrimoine » à travers l’adaptation du célèbre roman d’Alexandre
Dumas fils. Bien que s’inscrivant totalement dans le registre (la grande
adaptation et le film en costume) de Mauro Bolognini, il n’est pas le premier
envisagé par la production puisque, sur recommandation de son ami et admirateur
Bertrand Tavernier, Vittorio Cottafavi est le premier nom envisagé. Cela est d’autant
plus pertinent que Cottafavi a auparavant signé avec Fille d’amour (1953),
une adaptation moderne de La Traviatta, l’opéra de Verdi également
inspiré du roman de Dumas fils. Mais Cottafavi retiré depuis trop longtemps à
la télévision est écarté au profit de Mauro Bolognini qui va parfaitement faire
sien le projet.
Souvent paresseusement comparé à Visconti à cause de leur
appétence commune pour le film en costume, Bolognini a cependant une approche
différente lors de ses voyages dans le passé. Sans doute marqué par la
fructueuse collaboration avec Pasolini lors de ses premières réussites majeures
(
Les Garçons (1959),
Ça s’est passé à Rome (1960)), il en garde
une certaine sécheresse, une volonté de réalisme et une noirceur qui détone
avec cette réputation injustifiée de simple illustrateur.
La Dame aux Camélias
s’inscrit dans la continuité de plusieurs œuvres âpres traitant de la condition
sociale féminine et notamment de la prostitution comme
La Viaccia
(1960),
Bubu de Montparnasse (1970) ou encore
L’Héritage (1976).
Cette dimension sociale est d’autant plus appuyée par le choix d’adaptation,
puisque ce n’est pas le roman qui est directement transposé, mais plutôt la
véritable histoire d’amour qui l’a inspiré entre Alexandre Dumas fils et la
courtisane Marie Plessis. Le film est ainsi davantage un portrait de cette
dernière, rappelant ainsi à quel point le roman de Dumas fils se prête à de
multiples et passionnantes relectures – le film de Cottafavi évoqué plus haut, le
magnifique
Le Roman de Marguerite Gautier de George Cukor (1936), même
le
Moulin Rouge de Baz Luhrmann (2001) en est une variation lointaine.
Alphonsine (Isabelle Huppert) est une jeune fille
conditionnée depuis l’enfance à être désirée et exploitée. Avec une grande
sobriété graphique, Bolognini montre la concupiscence qu’elle éveille au plus
jeune âge chez des hommes auprès desquels son innocence et ses traits semblent raviver
quelque chose. C’est le souvenir de sa fille décédée chez le vieillard Stalkeberg
(Fernando Rey), le visage de son épouse décédée pour le Comte Perregaux (Bruno
Ganz). Les hommes mûrs transposent un passé meurtri sur ce visage angélique et
mutin, les plus jeunes y voient une innocence à souiller dans l’esprit d’une
existence débauchés de dandy. Alphonsine subit tout d’abord les évènements,
notamment sous l’emprise d’un père (Gian Maria Volonté) à l’affection trop
insistante pour ne pas être dérangeante, et toujours prêt à la livrer au plus
offrant.
Le récit se construit sur un désir subit, accepté puis
exploité par Alphonsine. La passivité de la jeune femme témoigne de ce
conditionnement, avec le moment de bascule où un prêtre se voulant bienfaiteur
finit par céder à son tour à l’attrait d’Alphonsine. Bolognini semble opérer un
glissement et une prise de conscience de son pouvoir durant cette scène. Il
filme le visage à l’expression incertaine d’Alphonsine (passivité, résignation)
lorsque les mains du prêtre se glisse sous ses jupes, avant un raccord sur les
pieds du prêtre qui s’est suicidé par pendaison car meurtri par son acte. Le
dégoût et l’entre-deux moral des premières scènes rurales cèdent à la fange et
à la luxure des scène parisiennes. Le dépouillement des scènes de campagne laisse
place à la surcharge des compositions de plans en décors, costumes, couleurs et
accessoires.
Il y a le cadre de l’opéra, espace de lien social et de rencontres,
les soirées mondaines où se nouent et se dénouent les liaisons, et surtout les
salons privés dans lesquels la débauche la plus décomplexée peut s’exprimer. L’ornementation
des décors n’a aucun faste pour Bolognini, l’austérité de la photo de Ennio
Guarnieri et la gamme de couleurs des costumes de Piero Tosi donnant des
allures de mausolée à cet hédonisme de façade. Cette morbidité accompagne l’apparence
d’Alphonsine, beauté pure dans la première partie, trop fardée quant elle
apprend encore à user de ses charmes, puis magnifique d’élégance et de
sophistication tout en ayant le regard éteint de celle qui en a trop vu et fait.
La blancheur de ses traits en la rend désormais libre d’être rongé par la tuberculose
tant sa substance vitale semble avoir été vidée par les années de débauche.
La romance avec Dumas fils semble lui octroyer un sursis,
mais les impératifs désormais économiques de son statut de courtisane et un
blocage mental à envisager une autre existence (les dernières scènes où
mourante elle maintient ses rituels mondains) empêchent une vraie issue
romantique. Dumas fils ne deviendra un « bon parti » qu’avec les
recettes de son récit des déboires d’Alphonsine, mais avant cela le dilemme se
maintiendra pour le pire dans l’esprit de la jeune femme.
L’ouverture sur les
répétitions et la conclusion sur l’interprétation scénique de
La Dame aux
Camélias opposent assez brillamment l’idéal de tragédie romantique face à une
bien plus sordide réalité. Le final tragique des amants sur scène est la projection
de l’idéal de Dumas fils dans la façon dont il aurait aimé perdre son aimée, la
réalité nous a montré Alphonsine seule, crachant du sang avant de donner son
dernier souffle à la suite d’intenses souffrances. On reprochera tout juste une
narration parfois trop abrupte (le montage télévisé en deux parties, plus riche
de 30 minutes respire un peu mieux) mais sinon Bolognini ramène le fantasme
romantique à l’échelle de la condition humaine.
Sorti en bluray français chez Gaumont
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