Dévoreur de pellicule monomaniaque, ce blog servira à commenter pour ceux que cela intéresse tous mes visionnages de classiques, coups de coeur et curiosités. Je vais tenter le défi de la chronique journalière histoire de justifier le titre du blog donc chaque jour nouveau film et nouveau topo plus ou moins long selon l'inspiration. Bonne lecture et plein de découvertes j'espère! Vous pouvez me contacter à justinkwedi@gmail.com, sur twitter et instagram
Tous les dix ans, les écoles de Chine et du Japon
organisent un duel entre leurs meilleurs champions afin de déterminer lequel
des deux pays règne sur le monde des arts martiaux. Dans l'ombre, des ninjas
dissidents tentent de saboter la rencontre tandis qu'un clan chinois conspire
pour imposer son champion...
Duel to the Death est la première réalisation de
Ching Siu-tung figure emblématique du cinéma hongkongais des années 80/90, que
ce soit pour ses réussites à la mise en scène ou en tant que chorégraphe, notamment
pour les productions FilmWorkshop de Tsui Hark. Ching Siu-tung est un véritable
enfant de la balle, puisqu’il est le fils de Chen Kang, fameux réalisateur de
la Shaw Brothers connu pour le classique Les 14 Amazones (1972). Il
fréquente donc les plateaux de cinéma dès le plus jeune âge sur les films de
son père, sa formation martiale à l’Opéra de Pékin l’introduisant aux métiers
de cascadeur et chorégraphe tout au des années 70. Il va significativement se
faire remarquer en signant les chorégraphies martiales de The Sword de
Patrick Tam (1980), ses trouvailles réinventant le wu xia pian en le pliant l’esthétique
de la Nouvelle Vague hongkongaise.
Tout comme The Sword, le scénario de Duel to The
Death est une réflexion désenchantée sur la vacuité du jiang-hu (le monde
des arts martiaux), la vaine quête de puissance et de renommée de ses
combattants. C’est un thème au cœur des plus fameuses adaptations de Chu Yuan
du romancier Gu Long, mais la refonte formelle du film lui confère un nouveau
souffle à cette thématique. La quête de pouvoir concerne ici deux nations, la
Chine et le Japon qui, tous les dix ans, opposent leurs deux champions afin de
déterminer le dominant sur le monde des arts martiaux et par extension asseoir
une suprématie nationale.
Dès là scène d’ouverture voyant des ninjas japonais s’introduire
pour voler les secrets d’un temple Shaolin, les dés de ce combat semblent
pipés. Si les deux guerriers, le chinois Ching Wan (Damian Lau) et le japonais
Hashimoto (Norman Chu), semblent animés de nobles intentions, la fourberie de
leurs nations respectives les dépasse rapidement. Un enchevêtrement de
traitrises et de complots détourne l’intention du duel dont tout deux doutent
de la raison d’être pour des raisons différentes. Hashimoto se heurte à la soif
de victoire morbide de son camp, pour lequel tous les sacrifices sont
nécessaires pour imposer la puissance japonaise. Ching Wan va lui rencontrer la
traitrise d’un maitre chinois avide de restaurer le prestige de sa maison.
Ce fil rouge thématique et narratif et suffisamment tenu et
prenant pour ne jamais nous égarer malgré l’avalanche de morceaux de bravoure.
Ching Siu-tung a en effet l’intelligence d’alterner moments de mélancolie
réflexive avec une véritable démesure hystérique et inventive durant les joutes
martiales. Il y a une continuité avec The Sword dans la volonté d’inscrire
les combats dans des décors naturels afin de s’éloigner du filmage studio de la
Shaw Brothers. L’usage virtuose des câbles permettant aux bretteurs de défier
les lois de la gravité est poussé à son paroxysme et préfigure véritablement
tous les travaux à venir de Ching Siu-tung. La nervosité du montage n’égare
jamais et rend toutes les bottes secrètes et coups furtifs bien visibles, les
travellings frénétiques accompagnent les cavalcades en forêt et les effets
spéciaux inventifs prennent le relais dès qu’il faut mettre en valeur les
facultés surnaturelles des ninjas.
L’extravagance de la trilogie Swordsman
(1990, 1992, 1993), la vélocité du climax de L’Auberge du Dragon (1992)
et même la sensualité d’Histoires de Fantômes Chinois(1987, 1989, 1991)
sont déjà là de fort belle manière. De plus, la caractérisation des personnages
est partie prenant de leur posture martiale à travers leur nationalité.
Hashimoto tout de noir vêtu, traits taciturnes, s’impose par ses postures
figées et hiératiques, un sentiment d’attente intimidant avant l’explosion
typique du fantasme cinématographique du samouraï à l’écran. Ching Wan,
silhouette fluette et visage androgyne, existe quant à lui par sa gestuelle
virevoltante qui semble démultiplier sa présence dans la plus pure tradition de
légèreté de l’épéiste chinois.
Tout ces partis-pris sont transcendés par une sublime
confrontation finale où tout est grandiose, de l’incroyable cadre d’une falaise
à la hargne résignée et désespérée que mettent les deux combattants à suivre
inévitablement le chemin vain des armes.
Un écrivain de pulp transpose ses problèmes relationnels
dans la nouvelle œuvre qu'il écrit. Celle-ci raconte l'histoire du Dr Wai,
chargé de retrouver un parchemin magique capable d'influencer l'avenir de
l'humanité.
Dr Wai est inventif et agréable film d’aventures mettant
Jet Li en vedette et lui permettant d’explorer une autre facette de son jeu. Sa
persona filmique est à ce stade totalement associée à sa mythique interprétation
de Wong Fei-hung dans la saga Il était une fois en Chine. Son double
rôle dans Dr Wai lui offre un terrain de jeu plus vaste que le stoïque maître d’art
martiaux. D’un côté il y a le « roi des aventuriers », rieur,
bondissant et sans peur face au danger, en pendant assumé de Tintin et Indiana
Jones. De l’autre, il y a l’écrivain maladroit empêtré dans les problèmes
sentimentaux, et totalement dépassé par les évènements. Ce registre loufoque
méconnu de l’acteur (avec quelques exceptions comme Tai Chi Master de
Yuen Woo-ping) lui sied à merveille et participe à l’inventivité du récit
offrant une variante hongkongaise de Le Magnifique de Philippe de Broca
(1973) avec son film dans le film et sa veine méta.
Les soubresauts de l’histoire ne sont pas circonscrits au
seul Jet Li, mais aussi à son entourage, l’intrusion et les propres
chassés-croisés amoureux de ses assistants (joué par Takeshi Kaneshiro et la
délicieuse Charlie Young) faisant vriller la narration à travers leurs
interventions dans le roman. Si les vas et vient entre réel et fiction ne sont
pas si nombreux, les graines disséminées contaminent joyeusement le film d’aventures
à plusieurs niveaux. Les désagréments du réel font basculer la personnalité des
personnages de fiction, telle une Rosamund Kwan tour à tour amoureuse transie
puis manipulatrice diabolique au gré de la relation avec son époux Jet Li.
L’aspect
décousu et les ruptures de ton que l’on peut parfois ressentir dans les films hongkongais
sont totalement intégrés à la narration, que ce soit par les réactions
incongrues, les répliques décalées, les scènes d’actions décomplexées. Les
grands enjeux d’espionnage, de politique et de mystique (avec la recherche d’un
artefact bouddhique aux pouvoirs surnaturels) du récit de fiction ne servent qu’à
opposer et/ou réconcilier les déchirements conjugaux du réel dans un ensemble
équilibré. Cela se ressent lorsque les deux niveaux de récit se croisent de
façon plus inattendue comme lorsqu’une réaction ou dialogue d’un
personnage de fiction fait explicitement référence à son alter-ego « réel »
(Jet Li appelant son Rosamund Kwan « Monica », soit le prénom de l’épouse
de l’écrivain).
Pour Ching Siu-tung, c’est l’occasion de s’émanciper de la
tutelle de Tsui Hark tout en s’appuyant sur son héritage. L’alchimie Jet
Li/Rosamund Kwan rappelle le meilleur du romanesque et vaudeville d’Il était
une fois en Chine, l’espièglerie de Charlie Young ravive le souvenir de ses
interprétations dans The Lovers (1994) et Dans la nuit des temps
(1995), tandis que la relation mentor/élève de Jet Li et Takeshi Kaneshiro
ravive les éclats de rires d’Il était une fois en Chine de nouveau. La
dimension méta permet au réalisateur d’améliorer la copie de sa précédente
incursion dans l’aventure pulp, la production FilmWorshop The Raid (1991),
plaisante mais chaotique.
La comédie s’entremêle au film d’action inventif et
décomplexé durant quelques morceaux de bravoures mémorables : la
destruction d’un décor par le déraillement d’une locomotive, les combats
délirants voyant Jet Li la jouer Jackie Chan facétieux. Dr Wai est donc
un excellent divertissement, en particulier dans son montage hongkongais
reposant sur ce double niveau de lecture. L’accueil mitigé du film amènera les
producteurs à en livrer un montage international éliminant les scènes
contemporaines pour privilégier le film d’aventure classique sous lequel Jet Li
retrouve sa stature classique de héros stoïque. Les deux versions ont leurs
défenseurs, mais pour notre part le montage d’origine offre le récit le plus
frais et cohérent – ruptures de ton font moins sens dans un film plus
classique.
Au lendemain d’une terrible guerre nucléaire, l’eau non
polluée est devenue une denrée rare. Inventeur d’un système de purification
d’eau, M. Kim a l’intention de renverser le pouvoir en place pour régner en
maître sur le pays. Le trio héroïque va alors se reformer, bien décidé à lutter
contre ce tyran…
Heroic Trio (1993) fut une tentative foutraque,
inventive et jubilatoire de mélanger film de super-héros au féminin avec les
codes du cinéma d’action hongkongais. Le film ne rencontrera malheureusement
pas le succès escompté mais, qu’à cela ne tienne, il s’agira d’en rentabiliser
les rutilants décors en produisant une suite dans la foulée qui sortira sept
mois plus tard à Hong Kong. S’il fallait qualifier Executioners d’une
analogie littéraire, ce serait comme si Alexandre Dumas était passé directement
de Les Trois mousquetaires à Le Vicomte de Bragelonne en oubliant
Vingt ans après. Heroic Trio marquait le rencontre et l’association des
trois héroïnes, et ce second film saute l’étape de l’âge d’or de leurs exploits
pour directement aborder leur crépuscule héroïque dans une tonalité
désenchantée.
Cette rupture se fait aussi à travers le genre et l’esthétique
du film. Le flamboyant film de super-héros sous influence Hollywoodienne (Batman
(1989) et Batman, le défi (1992) de Tim Burton, Dick Tracy de
Warren Beatty (1990)) laisse donc place au récit postapocalyptique où la
majesté insouciante du trio n’a plus place. Heroic Trio mélangeait
action décomplexée avec certains sursauts de noirceur et cruauté qui avaient
éventuellement pu désarçonner les spectateurs hongkongais. Executionners
est plus uniforme dans son ton mélodramatique et des ajouts (la petite fille du
personnage d’Anita Mui) permettant de le renforcer à moindre frais. Tout comme
son prédécesseur, Executionners entretient un lien fort avec le contexte
socio-politique hongkongais de l’époque.
La catastrophe nucléaire responsable
du chaos ambiant s’inspire d’une vraie peur née de la mise en service de Centrale
nucléaire de la baie de Daya en 1993, les hongkongais craignant l’accident et l’infection
de leur eau, soit la situation du film. Les antagonistes de Heroic Trio
représentaient une allégorie du régime chinois qui avant la rétrocession hantait
symboliquement les hongkongais par les noirs desseins qu’il entretenait dans
les égouts de la ville, avant de pouvoir agir au grand jour. L’attaque est plus
explicite dans Executionners avec ce régime en partie sous joug militaire, ne
lésinant pas sur les arrestations arbitraires et les tueries de masses dans une
scène où plane explicitement l’ombre des massacres de Tiananmen.
Dans cet environnement la personnalité de notre trio se
trouve empêché dans son héroïsme. Maggie Cheung toujours aussi imprévisible et
vénale n’a plus le garde-fou de ses acolytes, Anita Mui ayant abandonné le
costume pour son désormais rôle de mère de famille, et Michelle Yeoh la plus
empathique étant fortement engagée dans le lien à entretenir entre la
population et le pouvoir politique. Il n’y a réellement aucune scène, même à la
fin où le trio se trouve réuni et renoue avec sa splendeur d’antan. L’ensemble
du film est une suite de rendez-vous manqué entre déchéance et morceaux de
bravoures plus individualisés. Cette incapacité s’exprime dans les quatre
chansons conduisant et exacerbant le drame en marche durant des rebondissements
clés, et le personnage de Takeshi Kaneshiro, sorte de religieux pacifiste
manipulé, marque la fin de ces bonnes intentions candides.
Formellement il faut donc oublier la luxuriance d’Heroic Trio
avec des décors se résumant à des usines et hangars désaffecté. La photo de
Poon Hang-Sang baigne dans une atmosphère grise et cafardeuse d’où surnage peu
d’espoir. Ce côté désespéré déteint sur les combats dans lesquels on sent une
mainmise plus grande de Ching-Siu-tung par rapport au premier film – il est
cette fois crédité en tant que coréalisateur. Les poses iconiques sont rares
voire absentes, les affrontements plus brutaux, sanglants, douloureux et moins
pourvus en bottes secrètes triomphante.
D’ailleurs hormis un Anthony Wong aussi
théâtral qu’inquiétant en méchant, toute extravagance comic-book est
absente dans Executionners. Il y aurait bien la longue montée en
puissance voyant Anita Mui prisonnière qui se sculpte un nouveau masque dont
les contours se dessinent en ombre pour ses géôliers, mais l’issue vengeresse
de la séquence s’éloigne de la grâce du premier film par sa violence. Executionners
est une suite surprenante et courageuse qui achève de faire de ce diptyque une tentative
des plus singulières.
Fong et son maître s'arrêtent au temple Lan Jou pour
passer la nuit. Ce temple est le repaire du démon Lao-lau qui se nourrit de
l'énergie vitale des hommes. Alors que son maître part combattre les démons,
Fong rencontre Lotus, un fantôme à la solde de Lao-lau.
Histoire de fantômes chinois (1987) et Histoires
de fantômes chinois 2 (1990) avaient constitués des dates fondamentales
pour le cinéma hongkongais. Le premier volet est vraiment la porte d’entrée du
public occidental au cinéma hongkongais, et le film qui équilibre la volonté de
Tsui Hark et de sa compagnie Film Workshop de poser un pont entre la tradition
culturelle et cinéphile locale (le film est l’adaptation d’un conte
traditionnel chinois, mais aussi le remake d’un classique du cinéma local, The
Enchanting Shadow de Li Hang-Hsiang (1960) et une modernité de la forme
convoquant effets de style et effets spéciaux spectaculaires à l’occidentale.
Les
deux films reflétaient aussi une angoisse latente à l’approche de la rétrocession,
le premier film par sa romance tragique symbolisant le pont impossible entre
Hong Kong et la Chine, et le second par sa noirceur reflétant les peurs au
lendemain des évènements de Tian'anmen. Ce troisième et dernier film fait
preuve d’un apaisement voire d’une résignation qui prend la forme d’un quasi-remake
du premier volet. A la fin de ce dernier la malédiction avait été scellée pour
cent ans et un siècle plus tard la boucle peut se répéter. C’est une sorte de
sentiment d’inéluctable et de redite qui contraste avec le romantisme tragique
du premier film, ainsi qu’avec la rage et l’atmosphère oppressante du second.
La destinée/rétrocession est ce qu’elle est, il faut l’accepter car l’on ne
peut rien y changer.
Ching Siu-tung semble avoir les mains plus libres ici que
sur les précédents puisque son omnipotent producteur est entretemps repassé à
la réalisation. Donc si le fond est moins riche, la forme est peut-être ici la
plus aboutie de la trilogie, atténuant le sentiment de redite par le
chatoiement visuel. On rejoue donc la comédie de l’innocent passant une nuit
dans un temple maudit, et tombant sous le charme d’une charmante femme fantôme
sous le joug d’un démon. Tony Leung Chiu-wai remplace Leslie Cheung tandis que
Joey Wong reprend son rôle ainsi que tout le casting de spectres de 1987. Histoire
de fantômes chinois 2 traitait de l’impossibilité de retrouver la candeur
du premier film par son retour au réel (du film et du contexte politique), le
troisième film assume cette redite mais en entretenant une certaine distance.
L’effet
de surprise n’a plus cours après deux films et Ching Siu-tung n’essaie même pas
de reproduire les atmosphères réellement horrifiques des précédents, la
connivence est de mise avec le spectateur qui attends de voir la comédie se
rejouer. Cela impact aussi la romance entre Fong (Tony Leung Chiu-wai) et la
fantôme Lotus (Joey Wong) qui, sans parler de parodie, est dénuée de la ferveur
et du romantisme profondément premier degré du premier film. Fong semble bien
plus maître de ses sens que Leslie Cheung face aux charmes de Lotus, et surtout
bien moins effrayé par la perspective de se trouver confronter à un fantôme.
Sans cette tension et flamme passée, l’érotisme troublant du premier film s’estompe
pour n’être ici que source de comédie. On peut parler d’affection, de
sollicitude plus que de romance entre Fong et Lotus, loin de l’intensité Leslie
Cheung/Joey Wong et donc impossible d’avoir des séquences aussi iconiques et
habitées que le baiser dans l’eau du bain du premier film.
Histoire de fantômes chinois 3 est une redite en mode
mineur qui éblouit avant tout en tant que livre d’images. Les effets spéciaux
sont soignés et offre des moments virevoltants et spectaculaires pour le
bestiaire démoniaque, les démonstrations de pouvoir du taoïste joué par Jacky
Cheung notamment un final impressionnant. Tout le charmant côté bricolé des
précédents s’atténue par un soin plus grand, un « confort » de la
forme et du récit qui rend l’ensemble attachant mais ne nous bouscule plus
comme avant. La bande-originale de James Wong représente bien cela avec des
thèmes et chansons recyclant avant tout ceux des deux films d’avant. La romance
n’est plus aussi ardente, vibrante, l’ombre de la malédiction ne nourrit plus
que les morceaux de bravoures mais plus la terrible peur de la séparation pour
les amoureux.
Il y a une perte d’innocence, une acceptation que tout se rejoue
sans la terreur d’une issue funeste alors qu’Histoire de fantômes chinois avait
dans le fond, la forme et le ton toute l’ardeur des premières fois. On sent que
la saga rentre dans le rang avec une volonté claire d’exportation en Asie et en
Occident qui n’autorise plus l’inattendu. Il n’en reste pas moins un film
plaisant mais à détacher clairement de l’intensité du diptyque initial. Fort
heureusement Tsui Hark retrouvera cette flamme romantique dans ses propres
réalisations revisitant les contes chinois à cette même période, les
merveilleux Green Snake (1993) et The Lovers (1994).
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